Drama político en Universidad Interamericana
Por Javier del Valle
Los veinte años de labor del Taller de Teatro Inter-metro, adscrito a la Universidad Interamericana de Puerto Rico, les ha brindado la oportunidad de acercarse a diversas formas y tendencias del teatro. Desde piezas clásicas, infantiles hasta experimentales, han llevado a este grupo a escenarios nacionales e internacionales.
Con bola de cristal en mano, el director y dramaturgo Antonio García del Toro, elabora la comedia política “Aunque caigan las pancartas”, que se presenta desde el pasado miércoles en el teatro del recinto universitario.
Los miembros de un partido político buscan el sustituto a su líder acusado de corrupción, a tres meses de las elecciones. Encontrar el candidato idóneo se convierte en motor del conflicto, que se desarrolla en una humilde comunidad llena de singulares personajes. La comedia, el melodrama, la reflexión y la sátira se unen en este montaje del veterano profesor, ubicado en algún pueblo de una isla caribeña. La historia y su momento de estreno se encuentran con la realidad de modo casual, pero atinado.
El joven elenco compuesto por estudiantes universitarios está integrado por Yamil Ledesma, Emma Berrios, George Padró, Debra Bonilla, Mariel Viruet, Rayda Albizu, Linda Pérez, Danilo Pichardo, Edgardo Nieves, Gladimar Ortiz, Orlando Sánchez, Liz Somar de Jesús, Anja Belaval y Juan Francisco Hiraldo.
El estupendo trabajo escenográfico, diseñado por García del Toro, es su mayor valor de producción. El montaje cuenta además con la coreografía de Zaida Varas, luces de Luis Ramos, utilería de Linda Pérez, Música y sonidos de Orlando Sánchez y coordinación de vestuario de Debra Bonilla y Gladimar Ortiz.
“Aunque caigan las pancartas” continúa funciones el 18 y 19 de abril a las 8:00 de la noche y el domingo 20 a las 4:00 de la tarde.
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Toma vida cuento de Sunshine Logroño
Por Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
Mantener la atención de una sala llena de niños no es tarea fácil. Aunque la oferta sobre el escenario resulte interesante, el nivel de atención de los chicos es limitado. Una hora debe ser suficiente para llenar las expectativas del pequeño espectador, sin cansarle ni sobrecargarle. Asimismo, las narraciones deben ser cortas y sin regodeos.
Este fin de semana subió a escena en el Centro de Bellas Artes Luis A. Ferré en Santurce, el musical "El coquí que quiso ser sapo", versión teatral de Cristina Soler del cuento de Sunshine Logroño.
La historia muestra a un pequeño coquí, que a pesar de vivir en un hábitat lleno de armonía, se deslumbra con la imponente figura de un sapo que vive del otro lado de la carretera. De este encuentro surgen conflictos de identidad del pequeño animal, que quisiera ser como los que viven del otro lado del camino, menospreciándose a sí, y a los suyos.
La versión teatral de Soler, dirigida por Albert Rodríguez, incluye narraciones, bailes y canciones. El entusiasmo del público chico ante las pegajosas tonadas y la energía del talentoso elenco validan la producción de Gilda Santini.
La narración introductoria por ‘Grillete’ (Edwin Emil González), aunque simpática, resulta larga, provocando la exigencia de la audiencia infantil para que comience la acción. Algunas transiciones de una acción a otra resultan sosas y huérfanas de justificación por parte del director.
Yinoelle Colón es la ‘Luna’ presumida, pero generosa; Jonathan Arroyo Liceaga interpreta al lento ‘Caracol’, mientras Rafael Albarrán es el ‘Lagartijo’; Eduardo Cortés regresa a las tablas para ser el ‘Sapo’; José Bermúdez es el pequeñín que encarna a ‘Coquí’; Laura Isabel se encarga de ‘La Changa’ y de ‘La madre’, a la vez que Nancy Millán es la coquí ‘Dominicana’.
La ficha de diseñadores de "El coquí que quiso ser sapo", incluye a Alba Kercado en el vestuario, Toni Fernández en las luces, Wendel Arroyo con la escenografía y Charly de Jesús a cargo del maquillaje.
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Airosa Daniela en comedia adulta
Por Javier del V alle
Ahora Daniela Droz es una de ellas. La sonada comedia teatral que ocupa el escenario del Teatro Georgetti, “¿Por qué los hombres aman a la mujeres cabronas?” ahora cuenta con el talento de la joven actriz y cantante en su elenco.
El pasado viernes, estrenó Droz ante sus compañeros de escena Marian Pabón y Julián Gil, saliendo airosa, aunque con un poco de dificultad con la memoria. La veteranía de Pabón junto a la maña de Gil, guiaron a la esbelta actriz por sus líneas y movimientos de modo elegante y generoso. Tal vez un ensayo más hubiera resuelto el asunto.
La interpretación de “Dulce” por la nueva protagonista, dista bastante de la de su predecesora Sonya Cortés. Mientras aquella elaboró un personaje cómico un tanto astracanado, esta muestra una mujer sutilmente tonta y manipulable, con mayores ribetes de realidad. No deja de ser hilarante. A juzgar por la reacción del público, Daniela cumplió con éxito su nueva encomienda en este montaje dirigido por Albert Rodríguez para Gran Escenario.
“¿Por qué los hombres aman a la mujeres cabronas?” es la adaptación del comediógrafo mexicano Mauricio Pichardo, sobre el libro de Sherry Argov, “Why men love bitches?”. La pieza sube a escena cada viernes y sábado en el Teatro Georgetti, ubicado en la Calle Hipódromo, Parada 22 y media en Santurce.
Por motivo de la observación de la Semana Mayor, la producción recesa hasta el próximo viernes 28 de marzo. Compre su boleto con tiempo, pues la venta ha sido exitosa. Para mayor información y compra de boletos puede llamar al (787) 792-5000 ó al (787) 902-3386.
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Cautivador Don Goyito
Por Javier del Valle
A pesar del consabido paro magisterial que vive el país, ayer cientos de estudiantes colmaron con entusiasmo la sala Felipe Rodríguez del Centro de Bellas Artes, Ángel O. Berrios en Caguas, en busca de una experiencia educativa.
El clásico de Manuel Méndez Ballester “Bienvenido Don Goyito, es sin duda una pieza de nuestra literatura dramática, importante para comprender el país. La transculturación, objeto de la realidad colonial que vivimos, se ubica en el Puerto Rico de hace cuatro décadas. Poco ha cambiado desde entonces.
La historia cuenta la llegada de “Don Goyito”, un rico jibaro que se muda con su hija a San Juan. Mientras algunos rechazan la personalidad genuina del viejo, otros buscan aprovecharse de su aparente ingenuidad.
Aunque se utiliza la experiencia de la emigración del campo a la ciudad, la comedia ataca directamente el mundo de las apariencias. Méndez Ballester, supo disfrazar de comedia, la tragedia del jibaro relegado ante en progreso, la americanización y la industrialización. El resultado es una sabrosa sátira que busca desenmascarar la jabería y la compra de almas nativas ante los grandes intereses comerciales.
El nivel actoral convierte esta puesta en una de excelencia. El elenco compuesto por René Monclova como “Don Goyito”, Ivonne Goderich, Noelia Crespo, Linnette Torres, Albert Rodríguez, Ulises Rodríguez, Joaquín Jarque, Tania Vega, Ángela Mari, Edwin Ocasio y Fernando Tarrazo, está más que balanceado. La dirección es responsabilidad de Roberto Ramos Perea.
La sala repleta de adolescentes mantuvo su atención a cada palabra y cada acción, poniéndole oído a la voz de denuncia que Méndez Ballester blandiera, cual filosa espada a mediados del pasado siglo.
Todos los elementos técnicos y de diseño se integran con maestría en este montaje de Ramos Perea, que conserva el texto integro e inmaculado como lo concibió el autor. El diseño y confección del vestuario está a cargo de Gloria Sáez mientras Julio Biaggi elabora la escenografía. Las luces son diseño de la profesora Toni Fernández y la producción general de Lolyn Paz para New Moon Productions.
Las funciones para público general de esta estupenda producción serán anunciadas para mediados de año. Recomendamos que lleve a toda la familia.
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Oscuro futuro boricua
Por Javier del Valle
“Queishd & Dilit” (caiged and deleted) de Gamaliel Valle Rosa, es la ganadora del pasado Certamen de Dramaturgia del ICP. Este joven autor ha denominado la pieza como un drama trágico futurista en dos actos.
Valle imagina a Puerto Rico como estado federado de los Estados Unidos de Norteamérica, dentro más de dos siglos y medio. La transculturación, el cambio de valores y el protagonismo de la tecnología son eje de la propuesta protagonizada por el veterano actor Walter Rodríguez. En un mundo en que la muerte no existe como concepto, los seres pueden optar por ser “borrados”.
La conceptualización temporal planteada por el dramaturgo está plagada de inconsistencias, tiradas al desperdicio por la pobre dirección de Jorge Rios. El argumento podría ser más creíble si se ubicara el drama a finales del siglo que vivimos.
Actúan además Lydia Echevarría, Yinoelle Colón, Michelle Marie Rodríguez, Benjamín Irizarry y Norberto Collazo. La producción es de El Bombón de Menta Inc.
Este fin de semana sube a escena "Lágrimas negras: tribulaciones de una negrita acomplejá" escrita y protagonizada por Eva Cristina Vásquez quien nos visitará desde Nueva York.
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Tenso combate familiar
Por Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
Nadie sabe lo que hay en la hoya; solo quien la mueve. El afán de juzgar desde el desconocimiento, puede causar serias lesiones en la dinámica familiar. Esta parece ser la tesis del drama “Ellas revelaron secretos esa tarde” del dramaturgo riopedrense Carlos Canales, que se presenta en el Teatro Victoria Espinosa desde el pasado viernes.
El vigésimo noveno Festival de Teatro Puertorriqueño auspiciado por el Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP), entró en su segunda semana con la presentación de su pieza premiada por la misma institución, en el año 2006.
Las tensas relaciones de familia se encuentran en el escenario, al enfrentarse madre e hija en un intenso combate verbal. Recriminaciones, malos entendidos, arrepentimientos y reconciliaciones son tejidos por el autor, quien se vale de refranes y frases hechas para añadir tensión al infeliz encuentro.
Un gran merito del texto de Canales lo constituye el juego con parlamentos cortos e hirientes entre “La hija” (Katiria Soto) y “La madre” (Sara Pastor). Una concatenación de zarpazos entre la madre dominante y la hija resentida, con solo una mesa de por medio, asemeja la puesta a un fogoso juego de pimpón.
Ambas actrices entraron con éxito en el juego, manteniendo el ritmo necesario para mantener la acción a flote. Pastor impuso veteranía, logrando una interpretación impecable del ambiguo personaje, tan recia como frágil. Soto, a pesar de su escasa inexperiencia teatral, cumplió con efectividad como una digna contrincante.
El carácter minimalista de la escenificación, dirigida por el mismo autor, cuenta con el diseño de luces de Orlando Carreras, maquillaje de Edgar Aldea, y la utilería de Celeste Arrieta.
“Ellas revelaron secretos esa tarde”, de PR Theatre Productions, continúa este viernes en el Teatro Victoria Espinosa que ubica en la Calle del Parque en Santurce. Las funciones serán viernes y sábado a las 8:30 p.m., y el domingo a las 4:00 p.m.
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Humana Bernarda
Por Javier del Valle
Especial para escenario
Siempre es bueno ver un clásico teatral bien realizado. Para este tipo de teatro, el público conocedor suele ver la misma obra en más de una ocasión por distintas razones. Las diversas interpretaciones dadas por los directores, el estilo empleado por tal actor o actriz o la conceptualización estética lograda por los diseñadores dan un giro nuevo a cada puesta.
Desde el pasado lunes, y hasta mañana domingo, se presenta “La casa de Bernarda Alba” (1936) en el Centro de Bellas Artes Ángel O. Berríos de la ciudad de Caguas, emblemática obra del poeta granadino Federico García Lorca.
La historia es simple: el día de la muerte de su marido, ‘Bernarda’ (Ángela Meyer) decide guardar un estricto luto de siete años junto a sus cinco hijas, convirtiendo su casa en una prisión. ‘Angustias’ (Evelyn Rosario), la mayor y única hija de otro matrimonio, se casará con ‘Pepe el romano’, amante secreto de ‘Adela’ (Sara Jarque),su hermana menor. El invisible personaje masculino es provocador de calladas pasiones en ‘Martirio’ (Marian Pabón), la más fea de sus hermanas. Los secretos que consumen, las lenguas filosas y el qué dirán, rigen la vida de Bernarda y del pequeño poblado.
Como pieza obligada en el currículo escolar, la mayoría de las funciones han sido dirigidas al mercado académico, al que se le ha presentado una versión fresca y transparente dirigida por Myrna Casas. La realidad ha definido este montaje en el que las actrices muestran verdad en su decir, alejada de los tonos fúnebres, recitados y grandilocuentes que persiguen a Lorca.
El tono de frescura lo impone la ‘Poncia‘de Luz María Rondón, criada que se convierte en conciencia del trágico drama. Su ejecutoria marca ese tono amistoso al oído del joven público, que asiste al teatro con pocas intensiones de disfrutar una experiencia con el arte.
El talentoso elenco incluye además a Georgina Borri como ‘María Josefa’, Magdaly Cruz como ‘Magdalena’, Madelyn Ortiz como ‘Amalia’ y María Lola como la Criada.
El trabajo de los diseñadores es impecable. El vestuario es de Gloria Sáez, luces de Tony Fernández, escenografía de Julio Biaggi, maquillaje y peinados de de Rafael Varela, utilería y ambientación de José Manuel Díaz.
“La casa de Bernarda Alba” de Producciones Contraparte y Teatro Caribeño, tendrá una función para publico general mañana domingo a las 7:00 de la noche.
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Monólogos sobre la identidad nacional
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
El tema de identidad es recurrente en la dramaturgia puertorriqueña que por años se realiza desde la ciudad de Nueva York. Personajes boricuas que buscan su lugar dentro de la compleja e impersonal urbe, actúan regularmente desde su puertorriqueñidad.
Como parte de la oferta del Festival de Teatro del Ateneo Puertorriqueño, se presentó el pasado fin de semana “Una noche con Tere Martínez”, en el teatro de la centenaria entidad. Este montaje de Teatro IATI, grupo radicado en la Gran Manzana, se compone de los monólogos “Mi última noche con Rubén Blades” y “Más que un foreclosure”, ambos de la joven escritora Tere Martínez.
El primero de los trabajos, protagonizado por la misma autora, presenta una joven madre (“Yanira”) que vive obsesionada con Rubén Blades. La música y personalidad del salsero y político panameño, rigen cada momento de su vida, alimentándole sueños de justicia y mejor vida. La poesía de Blades le sirve tanto de guía espiritual, como de guía amatoria, mientras él se convierte en modelo inquebrantable que le acompaña hasta la misma intimidad del lecho. Blades es un motor que enciende su erotismo, sus anhelos, su sentido de equidad y su realidad latinoamericana.
En “Más que un foreclosure”, protagonizado por Wanda Arriaga, la autora da vida a la multiplicidad de personajes en los que cohabitan varias vertientes de la puertorriqueñidad neoyorquina. Una exitosa abogada, una madre soltera a punto de perder su hogar por problemas económicos o una joven profesional que celebra las maravillas de la “gran nación”, se definen entre emigrantes, niuyoricans y boricuas.
Ambas actrices regidas por Mario Colón, director bayamonés radicado en Nueva York, se sumergen en un tono que oscila entre la nostalgia y la esperanza. Abordan con entereza el mundo femenino del otro Puerto Rico, el de allá.Cada uno de los componentes del trío de teatristas, representan lo mejor de una generación de artistas atados a sus raíces, aunque buscando una identidad propia desde su hábitat continental.
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Picante y adulta “¡A Calzocillo Quita’o!”
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
El género teatral del “vodevil” se permite licencias para romper con lo riguroso, en favor de la diversión y la risa. Propuestas picantes y bien adultas son bienvenidas entre un público sazonado con espíritus destilados y ganas de vacilar.
Con el humor crítico y filoso que caracteriza al personaje más celebrado del actor René Monclova, subió a escena el espectáculo “Lolo Bond: ¡A Calzoncillo Quita’o!”. La sala abarrotada del Teatro Georgetti, el pasado viernes, evidenció el apoyo del que goza el veterano comediante.
El burlesco encabezado por el “handyman”, un auto-declarado símbolo sexual de covachas y cuchitriles, incluyó un sensual y atrevido cuerpo de baile integrado por Karen Camacho, Kathy Morei, Marena Pérez y Rosa Garay.
La estructura del espectáculo depende de la interacción con la audiencia que visita el “Lolo’s Palace Motel (de 15 pesos) & Condom Outlet”. Durante la primera parte, Lolo comparte con el público sus limitados dotes de bailarín, sus aceptables capacidades como cantante y su estupenda mordacidad ante temas sexuales, sociales y políticos. Voluntarias del público muestran sus dotes como participantes de concurso de belleza, logrando premios de aceptable calidad.
El tema político es tratado con más detalle con las supuestas cartas cursadas entre Acevedo Vilá y Rosselló. Este segmento podría ser más efectivo si se acortara, pues los presentes reaccionaron mejor durante la primera parte del juego de misivas.
Uno de los momentos más esperados lo fue el del invitado político. Valiéndose del juego emblemático del personaje, que defiende, acusa y juzga con todo y peluca de abogado de la corte inglesa, sentó en el banquillo al ingeniero Rogelio Figueroa. El presidente de Puertorriqueños por Puerto Rico se sometió al interrogatorio de Lolo, quien le habló sin miramientos ni delicadezas. El invitado se defendió con elegancia, sin perder compostura ante el florido lenguaje de improvisado leguleyo.
Tal vez debe tenerse par de cartas bajo la manga que sirvan de salvavidas en caso de que concursantes o visitantes no tengan la chispa necesaria. El libreto es de Monclova.
La colaboración de “Agatha”, el reconocido personaje televisivo de Albert Rodríguez, redondea la propuesta de “night club” del espectáculo. Espera a la gente en el vestíbulo, sirve tragos en la barra del local y se tira una escatológica rutina cómica. El también director del show se pone al público en el bolsillo.
La banda sonora es creación de Chenan Martínez, luces de Albert Rodríguez, coordinación de vestuario de Abigail Vargas y producción de Raymond Gerena y René Monclova para Gran Escenario.
“Lolo Bond: ¡A Calzoncillo Quita’o!” continúa el próximo viernes a las 10:00 de la noche en el Teatro Georgetti de la Calle Hipódromo, Pda. 22 y media, en Santurce. Para información y boletos puede llamar al 787 902-3386, ó al 787 792-5000.
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“Marisol”, metáfora de la marginación
Por Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
Clasificar la obra del dramaturgo santurcino criado en Nueva York, José Rivera, sobrepasa los cánones de lo niuyorican, lo latinoamericano o lo puertorriqueño. Su verbo se hace universal ante su afán por dibujar un retrato esperpéntico de lo marginal.
Desde el pasado martes se presenta en el Teatro Julia de Burgos de la Universidad de Puerto Rico (UPR) la obra “Marisol”, una de las piezas teatrales más emblemáticas del laureado escritor. El curso Producción Teatral Bilingüe del recinto riopedrense, escenifica hasta el domingo 6 de abril, el drama dirigido por Christopher Olsen, con el consejo de Rosalina Perales. Las presentaciones se realizan de manera alternada en español e inglés.
El texto de Rivera presenta un panorama sombrío y de tono apocalíptico, en el que los personajes buscan su lugar desde la marginalidad. ‘Marisol’ (María Josefina Gómez) es tan puertorriqueña como todos aquellos que viven en sectores oscuros, peligrosos e insalubres de la gran ciudad. Lucha a diario por su espacio dentro de un mundo laboral decoroso y una vida digna. Cuando su ‘Ángel Guardián’ (Viviana López) le abandona para unirse a la gran batalla por el poder celestial, ‘Marisol’ pasa a ser parte de la realidad de los muertos en vida que deambulan dentro de una ciudad caótica. Un ‘Nazi’ rapado (Mariana Monclova) prende fuego a los marginados, que sólo se alimentan de sal.
Esta metáfora de la opresión y el olvido al inmigrante, al desplazado y al infortunado, es tratada por su director con una fusión de estilos que exploran el humor y el drama realista, con cierto tono de existencialismo expresionista. Esta ecléctica propuesta se enriquece con la acertada escenografía e iluminación del profesor Checo Cuevas; el vestuario y maquillaje de Juan Carlos Ríos; la utilería de Francisco Cabrera.
Los noveles actores abordan sus personajes con la dificultad que le impone un texto con mayor riqueza en la palabra que de imagen. Completan el grupo de talentosos jóvenes Alejandro Ibáñez, Carlos Javier Muñiz, Francisco Cabrera, Andrea G. García, Hythem Esiely Barrera, Bárbara K. Rivera y Tania de Jesús. “Marisol” ha sido merecedora de dos Premios Obie en Off Broadway.
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Atentado nacionalista como marco teatral
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
El pasado mes de marzo dio inicio el Cuadragésimo Noveno Festival de Teatro Puertorriqueño organizado por el Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP). Como todos los años, se dedica a alguna figura cimera de nuestros escenarios. Este año se rinde honor al dramaturgo Gerard Paul Marín, a quien se le homenajeó durante la apertura de la celebración del teatro nacional.
Luego de los actos protocolares, y durante todo el fin de semana, se escenificó el drama de Marín “Al final de la calle”, en el Teatro Francisco Arriví en Santurce.
El ataque nacionalista del 30 de octubre de 1950 al Palacio de Santa Catalina, sirve de punto de encuentro a tres historias tan diversas como cercanas. En tres localidades del final de la calle, viven seres con experiencias no relacionadas. Un militante nacionalista junto a su joven esposa embarazada, se debate entre el deber patriótico y el familiar; una joven sufre el maltrato de su manipuladora tía que la priva del amor; una anciana espera el desahucio mientras se halla encerrada en su mundo de fantasías, viviendo del recuerdo de una aristocracia a la que ya no pertenece. Los enfrentamientos armados entre nacionalistas y la policía impactan el devenir de cada historia.
El autor se vale de un hecho histórico para mostrar varias caras del Puerto Rico de mediados de siglo 20. Cohabitan la lucha armada, la enajenación, la represión y la pobreza, justo a la puerta de La Fortaleza. Gerard Paul Marín merece mayor justicia dentro de la historia de las letras y el teatro en Puerto Rico. Su nombre debe honrarse junto con el de Marqués, Arriví, Méndez Ballester y Rechani Agrait.
La pieza dirigida por Dean Zayas, es protagonizada por Idalia Pérez Garay, Luisa de los Ríos, Belén Ríos y Yinoelle Colón, acompañadas por Miguel Difoot, Xavier Franco Muller, Randy Calzada y Jonathan Cardenales.Miguel Vando diseña la escenografía y el vestuario; Toni Fernández está a cargo del diseño de luces; la utilería es de José Manuel Díaz, y la producción de Producciones Acrópolis.
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Decadencia y muerte en “La última (es)cena”
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
La búsqueda de espacio para una propuesta artística arrojada, es un camino escabroso tanto para los que se inician, como para los que tienen lugares ganados. Si la idea cuestiona el arte, sus formas, sus posibilidades, sus gestores o patrocinadores, es menester diferenciar entre la reflexión cándida y la demanda soberbia. En este caso opto por la primera.
En “La última (es)cena” montaje que ocupara el pasado viernes el escenario del Teatro de la Universidad de Puerto Rico en Río Piedras, el cuestionamiento existencial y artístico tuvieron su foro. Escrita, dirigida y producida por Gazir Sued, la experimental pieza que mezcla el cine y el teatro, enfila su mirada hacia varios objetivos.
Por un lado un viejo locutor radial interpretado por Jalil Sued, cuenta desde su pobreza, soledad y desplazo, la historia de “Emil” (José Luis Gutiérrez), un joven escritor que intenta conseguir apoyo para el financiamiento de su película. Paralelo a esa acción escénica, se proyecta el filme en cuestión, como intentando materializar las ideas. La pérdida, la muerte y el desplazo invaden el escenario dominado por la imagen de un tétrico cementerio. Los personajes del filme se manifiestan desde la decadencia y la muerte.
Sued intenta en esta puesta de tres horas y media de duración, analizar con humor la banalidad de las razones para el rechazo que sufre su protagonista. Empresarios, publicistas y productores le sugieren a “Emil” en su peregrinación financiera, a recurrir a la brevedad, el sexo, sensacionalismo, sensibilidad y simpleza del lenguaje. Este rechaza con decepción y espanto las propuestas. Sus personajes están cargados de decepción, vacío soledad y muerte. La crudeza de esa realidad los adentra en una metáfora de muerte.
“La última (es)cena” es una oferta creativa, rica en imágenes y con un trabajo cinematográfico hermoso y bien cuidado, también dirigido por el autor. El lenguaje, alejado de todo realismo, está colmado de poesía. Ante una de cal, otra de arena: la obra es innecesariamente larga; critica la explotación del sexo en pantalla de modo gratuito mientras lo resalta en su producto; cambia por completo su estilo y acercamiento estético durante el segundo acto; se torna rebuscada entre ratos, provocando la distracción de lo fundamental. Quizás debió tomar algunos consejos de sus personajes que intentaban decirle algo desde el papel.
El resto del elenco está compuesto por Héctor “Koko” de Jesús, Leonardo Castro Sitiriche, Alba Cancel, Marinellie González, Cecilia Argüelles, Yoel Nazario, Gabriela Jiménez, Yan C. Collazo, Sebastián Baty Paz, Joksan Ramos, Jerry Ferrao, Alex J. Andino, Gabriela Ruiz, Sasha Ramírez, Onellys Carrasquillo, Patricia Ortiz y Cristina Ortiz.
Apostamos por un brillante futuro de este artista quien con “La última (es)cena”, nos presenta una respetable ópera prima.
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Búsqueda de la sanación espiritual en “Fin del sueño”
Por: Javier del Valle
Especial para El Vocero
Existen varias formas de contar una historia. La muerte de un miembro de la familia de modo violento, puede provocar voces de ira, miedo, desasosiego o desvelo. Cuando esa vida es una llena de promesa y compromiso provoca tonos de mayor consternación, por lo inesperado o lo injusto.
La voz insomne de la pieza teatral “Fin del sueño” es amenazada por almohadas que llueven de lo alto, o brotan del suelo. El sueño se convierte en desazón. La puesta dirigida por Pedro Adorno, que se escenificó durante la pasada semana en el Teatro Victoria Espinosa en Santurce, es una angustiosa metáfora de la pérdida.
Luego que una familia pierde un hijo, joven de altas convicciones de compromiso social y humano, a manos de la policía, sus vidas se ven gobernadas por el insomnio y la pesadilla. Una madre que intenta recuperarse, un padre sumido en la negación, un hermano enajenado, una amante que busca pistas y un matador que intenta justificarse, “des-viven” en un mundo de luces filtradas por espejos y almohadas que le ahogan constantemente. Los espejos atrapan a su vez a la audiencia, en esta onírica propuesta de los grupos “Y no había luz” y “Agua, Sol y Sereno”.
La propuesta del colectivo, formula la necesidad de continuar viviendo dentro de la dificultad de hallar sanación tras una pérdida tan significativa. Los remordimientos y la búsqueda de explicaciones ante la irracionalidad humana nos atrapan en el mismo limbo a opresores y oprimidos. La estética abordada en el montaje es racional y pensada de modo meticuloso. Todo tiene explicación y justificación precisa. Luces blancas y tenues, almohadas omnipresentes, telas vaporosas, espejos indiscretos, música pertinente y sugestiva, estilos de actuación sobrios y calculados, dan pie a un trabajo de dirección lleno de sensibilidad y alto valor artístico.
El elenco está compuesto por Julio Morales, Nami Helfeld, Yari Helfeld, Yussef Soto Villarini, Pedro Iván Bonilla, Cathy Vigo, Julio Ramos e Israel Lugo, quienes además colaboraron con la dramaturgia de la pieza. La música y el diseño sonoro están a cargo de Abdiel López Torres (Polidesto) y el diseño de iluminación de Santiago (Chago) Benet.
Los grupos teatrales “Y no había luz” y “Agua, Sol y Sereno” cuentan su historia con voz propia, alejados del melodrama, el panfleto y la sensiblería. “Fin del sueño” es una puesta que se debe volver a ver, alguna vez.
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Cuidada produccion de Gacela
Por Javier del Valle
Especial para Teatro PR
Perseguir los sueños es a veces tarea dolorosa para algunos seres humanos. A pesar de mostrarse cercanos, las vivencias de sufrimiento, desilusiones y rechazos podrían truncar la voluntad para alcanzarlos.
Los días 14 y 15 de marzo, se presentó en el Teatro Francisco Arriví en Santurce, “Gacela” de Alberto Rodríguez, como preámbulo al Cuadragésimo noveno Festival de Teatro Puertorriqueño del Instituto de Cultura Puertorriqueña.
La pieza, que cuenta con un elenco estelar, incluye en su cartel a los veteranos Pepe Reymundí y Luis Daniel Rivera. El drama retrata los sueños y aspiraciones de una joven entertainer, que ansía poder mostrar su trabajo a un público digno.
Los penosos recuerdos que inundan a ‘Gacela’ (Syddia Milliana) opacan su frágil y cándida naturaleza. La ausencia de su padre, la lasciva presencia de su padrastro y el poco aprecio a su talento, atentan con desmoronarle. El autor provee herramientas a la chica en el amor de su madre, de su pretendiente y sus amigos. “Gacela” se siente amada, lo que le alimenta el espíritu.
Sería interesante añadir verdaderas rutinas de circo y comedia a las presentaciones de la chica que se viste de payasa circense. La coreografía de Eloy Ortiz le aleja de la gracia y comedia que define ese tipo de personaje.
En el elenco colaboran además Luisa Justiniano, Rafi Torres, Herman O´Neill y el joven Luis José Rodríguez, bajo la dirección del mismo autor. Además abre el espectáculo la cantante de filin y boleros Mary Pacheco, entonando un tema con letra de Alberto Rodríguez y música de Carlos Lazarte.
La producción de Alta escena es una sumamente cuidada. Tanto las luces como la escenografía, añaden cierto aire de poesía y misticismo a la propuesta. En la misma colabora José Naranjo en la dirección técnica, Emilia Barrientos en el vestuario, la coreografía de Eloy Ortiz, Brian Villarini y Marta Núñez en el maquillaje y Arelis Serafín en la regiduría de escena.
Gacela continuará viajando por diversos escenarios como parte de la gira de la Sociedad General de Teatro auspiciada por del Departamento del Trabajo y Recursos Humanos.
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Cautivadora puesta de “Quintuples”
Por Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
El arte no caduca. A más de dos décadas de su estreno, “Quíntuples”, la rica pieza teatral de Luis Rafael Sánchez, sigue causando fascinación en el espectador.
La celebración del 105 Aniversario de la Universidad de Puerto Rico(UPR) incluyó en su programación del pasado miércoles, la presentación de la viñeta de monólogos protagonizada por Idalia Pérez Garay y José Félix Gómez. El Teatro de la Universidad de Puerto Rico acogió al dúo ante una sala repleta de miembros de la comunidad universitaria, que se mostró más que entusiasta.
“Aplausos, aplausos, aplausos” pide una “aspirante a mito” que “cuando quiere redundar, redunda”. Estas y otras frases han acompañado a quienes alguna vez hayan asistido al Congreso de Asuntos de la Familia en el que intervienen los quíntuples Morrison, junto a su Papá Morrison. La riqueza del lenguaje se presenta como una explosión rítmica, cargada de imágenes coloridas. Los que la presenciaron el miércoles por vez primera, se iniciaron en el culto que genera esta representación.
La interpretación de ambos histriones es tan seductora hoy como lo fue en sus inicios. Ningún alma en la audiencia puede permanecer indiferente, ni verse tentado por distracción alguna ante la potente presencia escénica de Jofe e Idalia. El gusto que provoca ver el Teatro de la UPR colmado de una ardiente audiencia, es parte del disfrute del espectáculo.
“Quíntuples” es una de las piezas de la literatura dramática puertorriqueña, más representada en escenarios internacionales. Ha viajado a tablados de Venezuela, Argentina, Estados Unidos, Cuba, Costa Rica, España, Portugal, Colombia y México.
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Sala llena con 'Monólogos de la Vagina'
Por Javier del Valle
La Comedia Puertorriqueña, capitaneada por la veterana actriz Sandra Rivera, presentó el pasado miércoles 27 de febrero ‘Los Monólogos de la Vagina’ en el Teatro Ramón Frade de la UPR de Cayey. La sala no dio abastos para acoger al numeroso público que se dio cita a la mundialmente aclamada presentación teatral. Casi un centenar de espectadores optó por ocupar el piso, ante el lleno total de la representación.
Dependiendo solo de su voz y uno que otro gesto, Sandra Rivera, Gilda Haddock, Lourdes Collazo y Marisa Baigés captaron la atención del entusiasta auditorio, para resaltar las virtudes, gracias, atributos, particularidades y características de la más femenina esencia de la fisionomía humana.
La serie de soliloquios escritos por Eve Ensler, se convierten en una oda a la feminidad, luchando contra prejuicios, tabúes y agresiones que por siglos ha sufrido la mujer. El heterogéneo público compuesto por universitarios y residentes de las comunidades vecinas, ovacionó extensamente el trabajo dirigido por la misma productora.
La simple pero efectiva ambientación está a cargo de Gilberto Rodríguez, las luces de Giovanny Núñez y el sonido de Alejandro Croatto.
La presentación, libre de costo para el público fue auspiciada por el Departamento del Trabajo y Recursos Humanos del Estado Libre Asociado de Puerto Rico y su programa de Fomento al Empleo.
Esta función es parte de la gira nacional de la Sociedad General de Teatro, que presenta teatro libre de costo para el público.
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Estupenda acogida de comedia de Ramos Perea
Por Javier del Valle
Editor http://www.teatropr.com/
El pasado miércoles 20 de febrero, se presentó la celebrada comedia de Roberto Ramos Perea ‘Las chicas del beauty’ en el Teatro Ramón Frade de la Universidad de Puerto Rico, Recinto de Cayey.
La Compañía de Teatro del Ateneo Puertorriqueño, que participa de la Gira de la Sociedad General de Teatro, actuó ante un nutrido público que rió con entusiasmo ante la pieza dirigida por Edgar Quiles Ferrer.
La comedia satiriza el fanatismo político que por años ha dominado la cotidianidad boricua. El salón de belleza se utiliza como el punto de encuentro del discurso vulgar que caracteriza la discusión política. Apariencias, chismes, cuernos y chanchullos contribuyen a desmitificar al político entre rolos, blowers y tijeras.
El elenco encabezado por la actriz Raquel Montero, quien encarna con suma gracia a la “biutichan” Carmela, se acopla con efectividad y manteniendo el acelerado ritmo que impone el texto. Intervienen además Melissa Reyes, Nelson Alvarado, Verónica Rubio, Waleska Nieves y Olga Vega con asistencia de Luis Javier López y Giselle Cortés y la producción de Roberto Ramos-Perea para el Ateneo Puertorriqueño.
La presentación fue libre de costo para el público asistente, gracias al auspicio del Departamento del Trabajo y Recursos Humanos del Estado Libre Asociado de Puerto Rico.
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Llena de vida Espinosa
Por Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
La vocación de creadora le ha permitido dar vida y alma a la obra literaria de autores como García Lorca o René Marqués. Esas dimensiones que se materializan a partir de la palabra han invadido nuestros escenarios por más de cincuenta años.
Esta vez la directora teatral Victoria Espinosa, ha soplado vida a la obra pictórica de su hijo Luis Espinosa en una muestra de ‘arteteatro’ que se realiza en el Café teatro Araba en Santurce.
El pasado jueves, bajo la producción de TANTAI Teatro P.R., un grupo de ocho actores dirigidos por la Dra. Espinosa, interpretó textos motivados por la docena de pinturas del artista plástico. Desde la recitación tradicional hasta la comedia física, tuvieron lugar para sugerir una lectura del sugerente trabajo de Espinosa, hijo.
Manzanas solitarias, bombillas colgantes, ramas secas, puertas y ventanas abiertas, exigen un poco de humanidad y vida. Esa labor es la que con mano amorosa impone la madre y artista. Un café con manzana a mitad de la velada permite a los presentes añadir sentidos a la surrealista propuesta estética familiar.
En la puesta participan los actores Ángel M. García, Eric Gerena, Omar A. Machado, Lucía Maisonet, Rafa Sánchez, José R. Velázquez, María Cotto y Magdalena Rivera. La producción es de Lucy S. Medina y las máscaras de Eric Gerena. La asistencia de dirección estuvo a cargo de Ismanuel Rodriguez.
Espinosa x Espinosa es otra muestra de la calidad y esfuerzo de TANTAI Teatro P.R., que el pasado año nos obsequió la hermosa producción de “Elvira y Jouvet; Paris años 40” en el Teatro Francisco Arriví.
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Lección actoral en “Los martes a la una”
Por Javier del Valle
A veces creemos conocer a alguien en todas sus dimensiones. La realidad nunca se conoce, pues no siempre podemos ver todos los rostros que componen y definen a la otra persona. Quien para unos es un ser monstruoso y sin escrúpulos, otros le perciben como un benefactor entregado a los más necesitados. En otros casos, la dulzura hacia los pares, riñe con la amargura hacia los familiares.
El pasado miércoles 13 de febrero, se presentó en el Teatro Ramón Frade de la Universidad de Puerto Rico en la ciudad de Cayey, la obra “Los martes a la Una”. Un nutrido público disfrutó de la estupenda interpretación de los primeros actores René Monclova y Axel Anderson, protagonistas de la comedia.
Los experimentados actores logran acoplarse con especial empatía borrando la brecha generacional entre ambos, interpretando a los señores Halpern y Johnson respectivamente. Halpern (Monclova), un anciano judío, enviuda luego de 50 años de matrimonio. En pleno cementerio conoce a Johnson (Anderson), quien también amó a Florence por igual cantidad de tiempo. Cada uno conocía a una mujer distinta. Para uno era introvertida, llana y de apariencia simplona; para el otro se proyectaba elegante, habladora y soñadora.
La perfección interpretativa de cada relato en voz de Anderson, abona a la mágica experiencia teatral. Sabe ser íntimo. Entreteje cada matiz y cada acento con una maestría que nos haría disfrutar el espectáculo a ojo cerrado. Su talento, curtido por el tiempo y la tabla, hacen que siempre esté en su mejor momento.
Monclova le imparte gracia y energía a su la elaboración del simpático cascarrabias herido por los celos.
El director Gilberto Valenzuela crea una estupenda versión de la película “Mr. Halpern and Mr. Johnson” (1983) protagonizada por Sir Laurence Olivier y Jackie Gleason. Resalta efectivamente los elementos de la comedia dramática paseando al público entre la risa incontenible y el llanto disimulado.
Esta presentación de “Los martes a la Una” es parte de la gira nacional de la Sociedad General de Teatro, que presenta teatro libre de costo para el público. Este proyecto es posible gracias al Programa de Fomento del empleo del Departamento del Trabajo y Recursos Humanos del Estado Libre Asociado de Puerto Rico.
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Ataque frontal a guerra desde el Ateneo
Por Javier del Valle
Especial para El Vocero
Ante el estreno de “Iraq en mí”, el absurdo de la guerra, el terrorismo, el genocidio, la angustia y los valores patrios se encuentran en escena de manera cruda y directa. La tragedia sicológica del dramaturgo mayagüezano Roberto Ramos Perea, que del 25 de enero al 3 de febrero se presentó en el Ateneo Puertorriqueño, se suma a la reflexión sobre el tema bélico en la dramaturgia nacional.
Junto a “E Pluribus Unum” de Carlos Acevedo y “Derecho a morir” de José Luís Ramos Escobar, “Iraq en mí” cuestiona la legitimidad de la invasión estadounidense al sufrido país, e intenta reevaluar el concepto “terrorismo” tan difundido por la belicosa propaganda.
El texto de Ramos Perea relata la historia de dos soldados puertorriqueños que recién llegan de servir a las fuerzas invasoras estadounidenses en las calles de Iraq. El horror vivido en el frente de batalla deja terribles huellas en ambos combatientes, convirtiendo sus vidas en guiñapos humanos. Cada uno mira desde perspectivas distintas para justificar o enterrar lo que allí experimentaron. El matiz ideológico define sus posturas cuestionando la fuente del terrorismo. Ambos arrastran el infierno de la guerra y lo traen consigo como huella indeleble que les carcome y pudre para siempre.
El tono del autor es frontal, violento, antiamericano y de gran crudeza. La obra marca paralelismos entre el pueblo iraquí y la situación colonial de Puerto Rico. En momentos se torna reiterativo sin mayor necesidad, pues la exposición es más que diáfana.
El grupo de actores compuesto por Luís Javier López, Ricardo Santiago, Giselle Cortés, Noemí Negrón, Ricardo Magriñá, Eddie Fuentes y Yamila Cruz, estuvo dirigido por Edgard Quiles. El director abona al carácter violento del escrito con tonos altisonantes, música, imágenes y ambientación colmadas de agresividad, como intentando hacer sentir al público recipiente de la embestida militar.
Las luces estuvieron a cargo de Verónica Rubio, sonido de Julian Ramos Trabal, utileria de Ivelisse Pérez y Ruth Figueroa, vestuario y producción de Giselle Cortés y la regiduría de escena de Olga Vega.
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Julián Gil da nuevo aire a propuesta teatral
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
A principios de agosto del pasado año, intentábamos descubrir las motivaciones del público teatral para decidir asistir a un espectáculo teatral. Nos preguntamos si es el autor, la fama de los actores, sus deslumbrantes actuaciones, o el tema tocado por la puesta escénica los que mueven la taquilla.
En “¿Por qué los hombres aman a las cabronas?”, pieza está basada en el escrito de “autoayuda” de Sherry Argov “Why Men Love Bitches?”, se añade a las posibilidades, la popularidad del best seller. El libro intenta ofrecer una guía en la que se pretende mostrar por que los hombres se sienten atraídos por mujeres de carácter independiente, que no se dejan fastidiar.
Nuevo elementos se unen a la producción de Raymond Gerena y Rubén Lara, de Producciones Gran Escenario. Desde el pasado viernes, el Teatro Georgetti de la Calle Hipódromo en Santurce se convirtió en la nueva casa del éxito taquillero. Un nuevo protagonista se suma al elenco compuesto por Marian Pabón y Sonya Cortés. El actor y modelo Julián Gil sustituye a Francisco Gattorno en esta nueva etapa.
A pesar del débil texto del exitoso comediógrafo mexicano Mauricio Pichardo, en el que se presenta una mujer tonta que se deja utilizar de los hombres, el público goza a rabiar. En la historia, la boba “Dulce” (Sonya Cortés) es aleccionada por su amiga “Bárbara” (Marian Pabón), que se los traga vivos luego de leer el célebre libro en cuestión. “Jorge”, jevito macharán y descuidado de “Dulce” recibe su lección de cómo debe tratar con respeto a una mujer.
Julián Gil imparte una nueva dimensión al pobre trabajo interpretativo de su antecesor Gattorno. A pesar de cierta dificultad con la dicción del actor, su trabajo supera grandemente al del afamado actor cubano. El macharán individuo, está hilado con esmero y seriedad, lo que es evidenciado por la aceptación de los presentes.
El escenario del Georgetti da un aire más íntimo a la puesta dirigida por Albert Rodríguez. La cercanía con el público abona a un ambiente que no permitía la amplitud del Ambassador.
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Crítica a la porquería en Colegio de Abogados
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
Cuando nos acostumbramos y aceptamos vivir entre la basura, podredumbre, inmundicia y roña social, nuestra existencia porcina es innegable. Sólo un animal que vive y se revuelca en su excremento es capaz de justificar tal vida.
A diario escuchamos la monserga política que con diatribas y espectacular demagogia, vacían nuestro espíritu mientras prometen llenar nuestras barrigas. Somos cebados en un proceso que busca desmembrarnos para finalmente alimentar sus ambiciones.
"¡Lechón!", versión de Provi Seín y Mario Roche del monólogo "El Cerdo" de Antonio Andrés Lapeña, se presentó libre de costo para el público el pasado jueves, en la sede del Colegio de Abogados de Miramar. Una sala colmada por una receptiva audiencia disfrutó de este estupendo montaje de Producciones Aleph.
Lapeña toma su argumento de la novela "Estrategia para dos jamones" del francés Raymond Cousse. Cuatro estaciones en la vida de un cerdo encerrado en su corral, exploran el drama humano de asumir posturas ante la vida: "El tedio", "Miedo a la libertad", "Deseo y muerte" y "Resurrección".
Mario Roche personifica a "Ramón Serrano", el lechón que vive para ser engordado sin importarle su fatal desenlace. Su vida contradictoria se pasea entre la angustia y el placer; antepone la seguridad frente a la libertad; valora su calidad de vida por la calidad de su excremento. El actor se prende de sus múltiples recursos histriónicos, atrapando con maestría la mueca del conformismo y la comodidad del porcuno personaje. El público celebró con entusiasmo la interpretación del protagonista.
Seín, directora de la reflexiva tragicomedia, mueve los hilos en el marco de una oficina delimitada por cajas y elementos que acentúan un deprimente ambiente burocrático. Su versión de la pieza de carácter existencialista, se atemperó a la desprestigiada política nacional, llevando al "Lechón" a utilizar tonos y frases de conocidos políticos del patio.
La sabiduría popular abona a la tesis del montaje al recordar frases como "engordando para morir pelao’s". Años de trabajo bajo condiciones precarias, vidas regidas por la dependencia, miedo al cambio, o la apatía política son cuchitriles y pocilgas que encierran al ser humano.
En la pieza participa además Julio Ramos como "Cuco el porquero". La utilería es del mismo Ramos, el diseño de escenografía de Marcelino Puig, vestuario de Seín y Roche, regiduría de Ángel Amaro, vídeo de Pedro Ángel Rivera, iluminación de Emiliano González y sonido de Carlos Lazarte.
"¡Lechón!, Cuatro estaciones en la porquería" continuará en las universidades y otros espacios culturales. No se pierda esta crítica porcina durante este año de abundante fanguero político partidista.
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Disparates y risas en alocada comedia
Por Javier del Valle, EL VOCERO
El astracán es un género teatral que pretende suscitar la risa basándose en hechos disparatados. Desde la comedia física de Chaplin, hasta las extravagantes comedias televisivas de mediodía, con caídas, muecas, pelucas y vestuarios rimbombantes, seducen las carcajadas de quienes gozan lo burlesco.
Una década después de su estreno, el escritor y director Héctor Méndez nos presentó su nueva revisión de “Se nos trancó el bolo” en el Teatro Coribantes en Hato Rey.
Una peculiar familia se reúne para recibir con un agasajo a “Junior” uno de sus miembros que regresa del ejército norteamericano, tras un "honorable discharge", o baja honorable del ejército. El excéntrico grupo familiar, desconociendo los detalles del caso, decide ‘tirar la casa por la ventana’ para el recibimiento. Es así como comienza un desfile de personajes de marcadas características y de gran colorido.
Una abuela malhablada, una madre complaciente, un padre tomador, dos gemelas alocadas, una tía cívica y drogadicta, su marido bobolón y la vecina retrasada de hablar disparatado, dan vida a esta comedia de personajes. Tras ser botado de la milicia por ser homosexual, “Junior” (Richard Rondón) busca ser comprendido y aceptado por los suyos. Esta acción de sincerarse ante la familia, abre una caja de Pandora, pues todos revelan sus más íntimos secretos, mostrándose tal como són.
La pieza de Méndez muestra una marcada influencia del teatro de Carlos Ferrari, concatenando palabras y frases durante toda la acción. También adoptó el estilo de dirección del fundador de Nuestro Teatro.
El texto tiene muchas lagunas y descuidos que atender, provocados por tratar de acomodar algún chiste sin trascendencia. ¿Qué sentido tiene que el dueño de la casa pregunte dónde está el baño, sin estar borracho o aturdido? ¿Alguien dio un comando a los actores para que se vistieran del modo más chocante e irracional aunque riñeran los estilos?
El elenco de “Se nos trancó el bolo” contó además con Noris Joffre, José Brocco, Alex Soto, Sara Pastor, Raúl Sánchez, Héctor Méndez, Naymed Calzada, Iván Vega, y Karla M. Marcano. La escenografía es de Norberto Barreto y el maquillaje de Roberto Díaz. La producción es de Cesar Paredes.
Hay público para todo tipo de espectáculo, y el del pasado sábado disfrutó, rió y la pasó bien, principalmente con la abuela “Monse”, interpretada por Raúl Sánchez. Disfrutar la velada es lo que más importa.
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Retrato del inmigrante en Global-ika
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
Son muchas las razones que llevan al ser humano a abandonar su lugar para moverse a otras colindancias. Una mejor situación económica, un cambio de vida o una mejor educación suelen ser las más comunes.
El pasado viernes estrenó en la Sala Carlos Marichal del Centro de Bellas Artes Luís A. Ferré, la pieza Global-ika, de Waldo Torres, bajo la dirección de Luis Oliva.
La escenografía supone un enorme tablero de un juego de mesa, que cuatro personajes recorren al azar de un dado. Los anhelos, egoísmos, explotación, sueños y temores de la migración, tienen su réplica en la lúdica representaciónLos viajes en yola, la construcción de muros fronterizos, la sospecha enfermiza de los que se ven diferente, la explotación a los países más débiles, el chauvinismo y la catalogación de pueblos por primer o tercer mundo, están plasmados en el crítico tablero.
Los actores Viviana Torres, Moncho Conde, Raffy Mejía y Yadilyz Barbosa retratan con atino el espíritu de nacionales e inmigrantes. Componen estupendamente la caricatura de la denuncia, o el rostro de la solidaridad.
La ficha artística y técnica la completan la coreografía de Raffy Mejía, escenografía de Waldo Torres, luces de Luis Oliva, musicalización y utilería de Viviana Torres, vestuario de Freddie Mercado y tema musical de Rucco Gandía.
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Efectivo ataque del “escuadrón”
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
Reírnos de nosotros mismos y de nuestra cotidianidad, es la clave esencial del monólogo cómico. Vernos retratados en escena, en ocasiones sirve como un divertido ejercicio de auto evaluación, alejado de las cantaletas y las censuras.
Una vez más, “El Escuadrón de la risa” tomó la Sala René Marqués del Centro de Bellas Artes Luis A. Ferré en Santurce, para escenificar su versión criolla de “El club de la comedia”, que con tanto éxito presentaran hace par de años en el mismo teatro.
Confieso que a pesar de haber visto el trabajo en su primera puesta, el pasado viernes el material funcionó con la efectividad de la primera vez. René Monclova, Áxel Cintrón, Marian Pabón, Jorge Castro, Suzette Bacó y Cristina Soler le impartieron frescura a esta reposición de la comedia.
Una carretera, por la que cada uno de los actores transita, atraviesa el escenario evocando el tapón y la violenta marcha diaria por nuestras vías. Como si se tratara de sus vidas, la audiencia reacciona con empatía, entre comentarios que denotaban que se sentían identificados.
El argumento se recrea sobre todo en las relaciones de pareja. Los temas incluyen lo que sucede cuando un hombre acompaña a su esposa en un tedioso día de compras, cómo enfrentar inteligentemente las preguntas de la pareja sin caer en una trampa, cómo evitar ser víctima de los cuernos, el IVU, la moda y la conquista amorosa, entre muchos temas.
No se trata exactamente de un espectáculo de “stand up comedy”, ya que la pieza contiene monólogos estructurados formalmente, que no dependen de la interacción del público o de la improvisación. La dirección de Albert Rodríguez logró un notable balance entre los talentosos intérpretes, permitiendo un ritmo cómico constante de principio a fin. El montaje no depende de grandes elementos de producción, dependiendo sólo del talento interpretativo del colectivo.
El diseño de luces está a cargo de Héctor Negrón y la regiduría de escena de Gary Homs.“El escuadrón de la risa” es una producción de Raymond Gerena, y Rafa Varela que continúa el próximo fin de semana en Bellas Artes de Santurce.
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El Hombre elefante en Teatro Diplo
Por Javier del Valle,
Para Teatro PR
El drama que viven las personas con limitaciones físicas, deformidades anatómicas o apariencias que se salen de “la regla” es una realidad deshumanizante. Hoy día el mundo del entretenimiento se lucra con peleas de enanos, comedias de gordos y noticiarios “de impacto” que reportan gente con tres piernas o dos cabezas.
El conocido drama de Bernard Pomerance “El Hombre Elefante” es la nueva oferta del Teatro Diplo que ubica en la ciudad universitaria de Rio Piedras y que presenciamos la pasada semana.
El interés de miembros de la comunidad científica en estudiar el caso de ‘Joseph Merick’(Moncho Conde), quien con su padecimiento vivía una vida de sufrimiento, pretende devolverle un poco de dignidad a su existencia. . “Merick” llegó a ser exhibido como una frívola atracción de circo. Más allá de mostrar sus capacidades intelectuales, el llamado “Hombre Elefante” ansiaba revelar su lado más humano; el afectivo.
“¡Soy un ser humano!” es el reclamo que con dolor hace el personaje central de la versión del drama traducido con efectividad por Waldo Torres y dirigido por Luis Oliva. Este grito de humanidad es el llamado que trasciende a nuestros días, en que los medios masivos se valen de las debilidades humanas para presentarnos los viciados “reality shows”.
Nuestros nuevos “hombres elefantes” se han transformado en modelos pechugonas con cuestionables capacidades intelectuales, objeto de portadas y altisonantes titulares. No se quedan atrás artistas y políticos que por sus escandalosas circunstancias vivenciales, se exponen al escarnio público, alentado por la cosa mediática.
La modesta puesta escénica cuenta además con las actuaciones de Eric Gerena, David Esperón, Evangelina Jiménez y Edgardo Rosario, quienes abordan varios personajes. Debemos resaltar la labor de la joven Jiménez, que supo tratar con gracia y aplomo cada una de sus tres interpretaciones.
La ficha técnica la completan Moncho Conde y Luis Oliva con el diseño y confección de la escenografía, elaboración de la máscara por el mismo Conde y las luces de Iván Rodríguez.
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¡Los griegos toman San Juan!
Por Javier del Valle, EL VOCERO
Luego del éxito de sus montajes anteriores, Medea Amurallada en el Morro y Sueño de una noche en Ballajá, Ágora Teatro prepara su nuevo espectáculo, El Laberinto de Zeus: 7 tragedias griegas del más allá, con el cual la compañía continúa con su misión de presentar teatro clásico en espacios históricos a precios populares.
Esta vez, Zeus, Cupido, el Minotauro y Narciso y Eco son algunos de los personajes que se darán cita en este laberinto de amor y pasión, que se llevará a cabo al aire libre en el histórico marco del Museo de San Juan del Viejo San Juan (Antigua Plaza del Mercado de la Calle Norzagaray). Las funciones serán del 21-24 de febrero y del 28 de febrero al 2 de marzo, los días viernes y sábado a las 8 pm, y los jueves y domingos a las 7pm.
El laberinto de Zeus es una pieza original de Isabel Ramos y demás miembros de la Compañía, que al estilo de las tragedias griegas, combina las antiguas historias de los héroes y los mitos, con lenguaje contemporáneo, humor y pasión. La pieza contará con música original en vivo de Javier Villar y la participación especial de la soprano María Leticia Hernández como parte del elenco. La obra cuenta con los vestuarios de la reconocida diseñadora puertorriqueña Lisa Cappalli, quien ha aceptado el reto de incursionar en el diseño teatral.
El Laberinto de Zeus cuenta con un elenco de talentosos artistas que interpretan múltiples personajes mitológicos, entre los que se encuentran Norman Santiago, Julio Ramos, Guissepe Vázquez , Orlando Rodríguez, Viviana Torres y Jessica Gaspar. El texto y la dirección son de Isabel Ramos, quien también produce el evento. La veterana maestra y bailarina Nana Hudo figura como asesora artística del montaje.
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Pequeña teatralidad en Yerbabruja
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
Nuestros juegos de niñez están colmados de teatralidad. Entre muñecas, casitas, carritos y "figuras de acción", los niños elaboran historias matizadas de dramatismo y sueños.
El pasado jueves y viernes, un grupo de once artistas elaboró un espectáculo de títeres y objetos en miniatura con el nombre "Sobre la mesa" en el Teatro Estudio Yerbabruja en Río Piedras.
El pequeño espacio transformó su escenario y sus gradas en un laberinto de once apartados, dispuestos para públicos de seis personas que peregrinaban entre estaciones. Cada pieza de cuatro minutos de duración, utilizaba como escenario teatrinos del tamaño de pequeñas maquetas o la superficie de alguna mesita. Once titiriteros dan vida a objetos variados que sugerían figuras humanas, animales o seres vivos. Los materiales incluían desde fósforos, cucharones, figuras de alambre, galletas de soda hasta figuras en origami.
Al principio, la idea de presenciar once trabajos íntimos en salitas separadas solo por finas telas, parecía desconcertante, pero el ojo y el oído se aclimatan con facilidad. Los discursos, tratamientos y propuestas resultaron sumamente variados. Algunos se limitaron a dar muestras de manipulación de objetos con resultados refrescantes. Otros intentaron temas densos, pero de alto contenido estético. Los que decidieron convertirse en personajes, más allá que titiriteros, lograron puestas amenas y de mayor contenido dramático.
Los temas oscilaban entre la soledad, el ambiente, la familia, la opresión, el desarrollo y las relaciones humanas.
El hecho de la limitación de público y espacio es un mal necesario, pues sería difícil que cada actor represente su trabajo en más de once ocasiones por sesión. También la intimidad es medular para el disfrute. El colectivo debe considerar abrir presentaciones adicionales de "Sobre la mesa" a la menor provocación, ya sea en su espacio de Yerbabruja como en otras plazas.
Los artistas involucrados en "Sobre la mesa" lo fueron Ada Haiman, Francisco Iglesias, Carlos Torres, Mary Anne Hopgood, Nami Helfeld, Julio Morales , Sugeily Rodríguez, Yussef Villarini, Yari Helfeld, Jorge Díaz y la maestra Deborah Hunt.
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Ambiente familiar en teatro callejero
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
El teatro en calles y plazas permite llevar mensajes a lugares insospechados. La concurrida Plaza de Armas del Viejo San Juan, tiene la posibilidad de impactar a residentes y turistas del interior y exterior del País. Por eso los temas que allí se representen, además de entretener, deben intentar educar.
El pasado domingo 30, en medio del bullicio dominguero del centro de la Ciudad Colonial, se presentó la “Historia del primer árbol de Navidad en Puerto Rico”. Esta estampa teatral de La Compañía Músico-teatral Cimarrón, dirigida por la veterana actriz y dramaturga Brunilda García, aprovechó el ambiente familiar que define las tardes de domingo del centro turístico.
Personajes de la historia y la ficción se unieron en un viaje a través del tiempo para recrear los signos que más identifican a la Navidad boricua. Ramfis González (Agustín Stahl), Carmen Morales (Rosario), Yussef Soto Villarini (San Francisco de Asís), Luis Enrique Romero, Ariel Cuevas y Jorge Arce(los Tres Reyes Magos), se encargaron de dar vida a los personajes de este acto interactivo.
Por aquello de abonar al toque colonial, la representación abrió con la introducción del “Segundo Capitán don Ramón Carvajal y Cid”, reconocido militar del ejército español de finales del siglo XVIII, interpretado el actor Willie Maldonado. Luego, el primer relato detalla como el reconocido médico y botánico aguadillano Agustín Stahl, introduce en 1866 a Puerto Rico, la costumbre de adornar el árbol navideño, tradición que trae desde Alemania, tierra natal de su padre. San Francisco explicó como se ingenio representar el primer pesebre en 1223, mientras los Tres Santos Reyes relataron su epifanía.
Mientras los niños pusieron adornos al arbolito de Stahl, otros interpretaron a pastores, bueyes y burros, añadiendo gracia y energía a la presentación. Todo terminó en una gran parranda al son de clarinete, tambor y bombo. Nos preguntamos como hubiera sonado con el toque boricua del cuatro y el güiro y maracas.
Este valioso esfuerzo cultural de Cimarrón fue auspiciado por el Departamento de Cultura del Municipio de Sa n Juan.
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“Homenaje a la muerte y a la mentira”
Por Javier del Valle
Especial para El Vocero
¿A qué nos enfrentamos realmente cuando hablamos de la muerte y la mentira? Con la primera experimentamos miedo, soledad, frustración, zozobra o consuelo; con la segunda sentimos decepción, sospecha, inseguridad o rabia. Cuando las representamos en el escenario toman matiz de expiación y complicidad.
La diversidad de formas y discursos en las artes se hace patente en las muestras colectivas que nos permiten ver lo que provoca a nuestros creadores contemporáneos.
A lo largo de la pasada semana, se llevó a cabo el “Homenaje a la muerte y a la mentira” en el activo Café Teatro Araba de Santurce y la Casa Aboy. Este encuentro interdisciplinario reunió artistas experimentales del teatro, la danza, el vídeo, la plástica y el performance, quienes tantearon con más o menos profundidad y destreza, sobre los temas la muerte y la mentira.
De la extensa jornada, pudimos presenciar algunos de los trabajos teatrales, tratando de descifrar algún patrón, tendencia o novedad, dentro de la búsqueda estética o de contenido entre las propuestas. Vimos de todo. Desde artistas que buscan un nuevo lenguaje sin aderezos ni pretensiones, hasta refritos con discursos y tratamientos anquilosados.
En “El interior de las almohadas” el autor Rojo Coquí Robles, reinterpreta el cuento de Horacio Quiroga “El almohadón de plumas”. Robles demuestra un amplio dominio del lenguaje y la imagen, pero cae con facilidad en lo recargado. Sobresale la actuación de Lixandra Merced.
Otra de las propuestas que merece mención especial es el fragmento de “¡Oh, natura!” de la dramaturga Sylvia Bofill. La autora pudo exponer con éxito parte de un trabajo en proceso que juega con ironías y contradicciones de la naturaleza humana. El público acogió con euforia lo que, si pinta como madura, será un excelente texto teatral.
Una de las propuestas que resultó mas completa, entre las que pudimos presenciar, lo fue “Lo tenemos en el sistema” por el grupo Jóvenes del ‘98. De manera simple y creativa los actores retratan la cotidianidad regida por los intereses comerciales.
Vale resaltar que el publico abarroto Araba cada noche, lo que constituye un logro para estas fechas festivas. Este encuentro permitió la interacción entre artistas de varias generaciones.
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Ilusión y valores entre “Bella y Bestia”
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
La temporada teatral de cada año no finaliza hasta la subida a escena de la puesta de Producciones Santa Bernardita. Este grupo une los talentos de profesionales y aficionados del canto y la actuación para presentar ambiciosas propuestas de tipo musical.
El pasado fin de semana estrenó en el Centro de Bellas Artes Luis A. Ferré de Santurce, “Beauty and the Beast” en su versión en español del musical de Broadway.
Cerca de 50 actores, cantantes y bailarines mezclaron su talento para deleitar a cientos de niños, que colmaron la sala del teatro durante las funciones del pasado fin de semana. El espectáculo resultó un acierto para el gusto de los pequeños, que aplaudieron y rieron con la sinceridad que les caracteriza.
La historia narra la relación de una humilde joven con una criatura monstruosa, que vive confinada a los ojos del mundo, luego de haber sido víctima de un vil hechizo. El encantado ser es un príncipe que necesita conocer el verdadero amor, para junto a sus sirvientes recuperar su forma humana. Finalmente, el amor de la joven le redime, aprendiendo la lección de no regir su vida por las apariencias.
El pasado sábado, el elenco encabezado por Luis Irrizarry (La Bestia) e Indira Manreiro (Bella), tuvo que luchar con la imposibilidad del sonidista de manejar un espectáculo tan complejo. Canciones y parlamentos enteros, medulares para la comprensión de la trama, fueron opacados por este error técnico. Otro inconveniente de tipo mayor, fue la colocación de la habitación de La Bestia donde ocurre la escena más esperada del melodrama. El área no era visible para varias decenas de espectadores, que pagaron y esperaban con ilusión el momento culminante.
Hay que destacar el talento de los actores Edgardo Monserrat como “Gastón”, David Ocasio como “Lefou” y de la simpática niñita Julliana Hernández como “Chip”.
La dirección escénica es de Idamaly Jiménez, la escenografía de José Llompart, la iluminación de Toni Fernández la coreografía de Ana Rosario y la dirección musical Jan Louis Rivera. La música es interpretada en vivo por la Orquesta Filarmónica de Puerto Rico. La producción general está a cargo del Monseñor Wilfredo Peña.
El musical “Disney’s Beauty and the Beast” es una buena oportunidad para compartir las vacaciones con nuestros niños y alimentarles un poco la ilusión y los valores. La pieza continuará con sus presentaciones el próximo fin de semana en la sala René Marqués del CBA de Santurce. Para más información sobre boletos y funciones puede comunicarse con los teléfonos (787) 620-4444 (Bellas Artes) ó (787) 762-2010.
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Crítica y comedia en “Miss Borinquen Bella”
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
La persistencia ha sido fundamental para que el Taller de Teatro Viviendo el Arte, del Residencial Luis Lloréns Torres en Santurce reciba el respeto y apoyo de su comunidad.
El pasado fin de semana, compitiendo con las múltiples celebraciones navideñas, los jóvenes de este activo grupo teatral pusieron en escena “Miss Borinquen Bella” en el Teatro Osvaldo Lassalle de Lloréns. La pieza de la autoría de Antonio Morales, fue dirigida por Melanie López y Julio Y. Pérez, que a su vez son producto del grupo.
El argumento de la comedia se centra en los gastados certámenes de belleza que se nutren de los sueños de chicas de tipo diverso. La convergencia de chicas de barrios, urbanizaciones y caseríos que mezclan sus preferencias, experiencias y visión de mundo logran una comedia deliciosa al alcance de todo público. Las intrigas causadas por el chico enamorado, capaz de convertirse en “candidata” por estar cerca de su amada, pasa de lo absurdo a lo hilarante. Las candidatas recicladas, que tanto han dado de qué hablar en días recientes, también tienen su lugar.
Melanie López, además de co-dirigir, representa con gracia a “Natalie” la frívola Miss Guaynabo con actitudes de superioridad. Su dominio escénico le coloca en un alto nivel de posibilidades. Resalta además la labor de los actores y actrices en los personajes principales: Leysha Quiñónez, Jailene Pacheco, Michelle Aruña, Julio Vizcarrondo, Axnel Acosta, Jonathan Martínez, Karina, Carlos Calderón y Shellys Vélez.
El uso de elementos audiovisuales complementó con atino a la calidad técnica del montaje. Sería maravilloso que los productores, cansados de romperse la cabeza buscando actores y actrices para sus proyectos, miren hacia estos experimentados jóvenes. La cantera de talento es insospechada.
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“Teatro breve” en Navidad
Por Javier del Valle, EL VOCERO
Tenían que quemar los últimos cartuchos del año en grande. Por eso los chicos del “Teatro Breve” se olvidaron de la brevedad para presentar su último espectáculo de la temporada.
El pasado domingo, el grupo de actores sumó a su elenco al popular comediante Sunshine Logroño, como parte de su oferta navideña. La sala del Taller Cé en Río Piedra no dio abastos para los cientos de espectadores que se acercaron para presenciar la función de dos horas de duración.
Como cada función, las escenas y monólogos cómicos tratan argumentos distintos. El tema navideño era el ineludible. Reyes Magos, pesebres, pastores y ángeles fueron presentados con la típica irreverencia del colectivo, alentados por la mordacidad de Logroño. Este interpretó a un San José pugilateado con la situación marital, además de convertirse en “El Fantasma de la Navidad”.
Cada miembro del elenco participó del “Stand up obligado”, en el que tuvieron que narrar su experiencia con la festividad religiosa. Alegrías, frustraciones sorpresas y anécdotas, mantuvieron al público atento y sonriente durante toda la velada. El tono fuerte e irreverente sigue rigiendo el show, lo que no lo hace apto para personas con pudores religiosos.
Una agradable adición al programa lo fue el vídeo “Cultura cafre” en el que Juan Pablo Díaz y Roy Sánchez, condenan el despilfarro de fondos públicos en adornos navideños y en el consumo de energía eléctrica. Además de una denuncia certera, resultó una muestra de ingenio de parte de los actores.
El elenco está compuesto por Lucienne Hernández, Roy Sánchez- Vahamonde, Luís Gonzaga, Mikephillippe Oliveros y Juan Pablo Díaz. Cada semana desarrollan nuevo material que presentan los domingos en Taller Cé y algunos jueves en Punto Fijo en Santurce.
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Y los títeres divirtieron
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
El pasado fin de semana tuvo lugar el Séptimo Festival de Teatro de Títeres del Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP). Cientos de niños acudieron junto a sus padres y parientes a los teatros Victoria Espinosa y Francisco Arriví donde encontraron diversión y valiosas lecciones.
La jornada sabatina incluyó en cartel las piezas “El gato perezoso” y “El múcaro enojado”.
La primera fue realizada por Títeres de Borikén en el Victoria Espinosa, dirigida por Francisco Torres, a quien se le dedicó el festival. Una introducción por parte de Torres como “el titiritero”, mostró a los niños sus títeres y guiñoles, mientras le insuflaba vida ante los inocentes ojos de los pequeñines.
Por el teatrino en forma de castillo, desfiló toda una fauna de personajes que hizo cantar y saltar a los espectadores. La pieza “El gato perezoso” del autor cubano Fidel Galván, fue el plato fuerte. Un gato que no sabía de ratones, y que su estadía como mascota se veía amenazada, era engañado por un roedor. El ratón le toma el pelo pero luego recibe su lección.
Es una pena que el trabajo de esta compañía con 40 años de experiencia no presentara una puesta a la altura de su experiencia. El manejo de los títeres fue inseguro. Los niños aprecian un trabajo bien realizado.
Entrada la noche, Títeres Cibuco presentó “El múcaro enojado” en el Arriví. Esta versión de Germán Colón del cuento tradicional “el plumaje del múcaro” resultó en una atractiva producción. Contó con la narración del Payaso Juglar y los bailes de la Compañía Personajes de Sonia Malavé.
El conocido cuento del múcaro que recibe las plumas de sus amigos para que asista elegante a una fiesta sufre algunas variantes que resultan positivas. La participación de Juglar habría resultado más efectiva si el texto no fuera grabado.
Sólo nos resta esperar por el próximo evento para niños, que esperamos sea el Festival de Teatro Infantil del ICP, que a tantos rincones del país llevó alegría alguna vez
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Carlos Ambert se ríe de todos
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
El arte del “stand up” es tal vez el mayor reto para un actor. Más allá de aprenderse un texto, al momento de enfrentar a la audiencia todo vuelve a comenzar.
Al parecer los comediantes se han lanzado a la calle en los días finales del año para disparar sus últimas municiones. Tal es el caso de Carlos Ambert que durante los pasados fines de semana presentó su nuevo material en Café Teatro Araba en Santurce.
En su monólogo cómico “Smartass”, el joven talento se ríe de todos y de sí mismo. Abre el espectáculo retratando la desgracia del actor de teatro, que no sabe que hacer con tanto tiempo de ocio. Además parodia lo incomprensible de algunas letras de la música tradicional navideña. Una buena parte toca la cosa política nacional así como un análisis sobre el pesimismo contenido en la llamada “Ley de Murphy”.
Otro de los elementos poco comunes en los temas de Ambert es la integración de detalles relacionado con las comunidades virtuales del “Facebook” o “My Space”. El histrión sabe sacar partido a las nuevas construcciones sociales, para hablarle a un público impactado por la tecnología y el ciberespacio. Una amplia gama de nuevos conceptos, vocabularios y comportamientos se encuentran con la ácida mordacidad del comediante.
El material cómico fue bien acogido entre el público que se dio cita en Araba el pasado sábado. El artista proyecta un estilo pausado y frío que contrasta con la comicidad del material. Debe velar un poco por el ritmo, sin que esto intervenga con el talante que le caracteriza.
Carlos Ambert seguirá presentando su espectáculo en diversos escenarios alrededor de la Isla. Para información sobre funciones puede acceder a su página en Internet: www.carlosambert.com.
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Reflexión histórica en “Las manos”
EL VOCERO
Por: Javier del Valle (10/12/2007)
Una seria reflexión sobre nuestra historia contemporánea no nos vendría mal. Si utilizamos como punto de partida las vivencias de juventud de nuestros octogenarios, se nos aclararía un poco el panorama que vivimos.
La pasada semana, a manera de intercambio pedagógico, la Escuela Superior de Arte Dramático de Murcia compartió su trabajo escénico con la comunidad universitaria de Río Piedras. El grupo compuesto por estudiantes y educadores de la prestigiosa institución, presentó “Las manos”, de los autores José Ramón Fernández, Yolanda Pallín y Javier G. Yagüe.
La pieza que es parte de la “Trilogía de la juventud”, estrenó con gran éxito en Madrid en 1999 recibiendo múltiples premios de la critica especializada. Su argumento nos lleva a una España dividida por la Guerra Civil. La vida de miseria, hambre, desesperanza, y su misión es vista un grupo de jóvenes con más resignación que sueños en sus manos. Los autores se acercan con sensibilidad a cada experiencia sin caer en juicios que resulten divisorios.
El sencillo montaje resulta extensísimo y muy español. Una comprensión mínima de la España del Siglo Veinte, es menester para su disfrute. La entrega y el talento de la decena de jóvenes estudiantes que conforma el elenco, hace llevadera la jornada.
Este tipo de intercambio internacional enriquece sin duda a la escena puertorriqueña dando herramientas de creación a nuestros futuros creadores.
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Teatro Breve, teatro de culto
Por: Javier del Valle
Especial para ESCENARIO (23 de nov. 2007)
Son jóvenes e irreverentes. Sus presentaciones han provocado un fenómeno que podríamos catalogar como teatro de culto. Semana tras semana fanáticos y curiosos le persiguen hasta el recinto que más se acomode a su personalidad.
Un grupo se aventura a estacionarse en las estudiantiles y obreras calles riopedrenses una noche de domingo, mientras espera cerveza en mano que comience la semi-improvisada presentación teatral. El otro, cada jueves acomoda sus automóviles en estacionamientos soterrados con vigilancia y acceso controlado del "distrito cultural"santurcino. Ambos reciben su dosis de humor mordaz y frescura creativa.
Teatro Breve, que por casi año y medio presenta su propuesta escénica semanal, divide su cartel entre el Taller Cé de Rio Piedras, y el Café Teatro Punto Fijo del Centro de Bellas Artes Luis A. Ferré en Santurce.
Hace par de jueves, intentamos buscar diferencias y similitudes entre las presentaciones que habíamos disfrutado en la versión dominguera frente a la nueva oferta de jueves pre-social. El original acoge a un grupo muy afín a la comunidad universitaria de gallitos y jerezanas, mientras que el nuevo espacio alberga un público más heterogéneo, que mezcla a estudiantes y jóvenes profesionales en el jangueo semanal. A pesar de este contraste, el contenido encuentra puntos comunes, y sabe hablarle al ser común, alejándose de pretensiones, poses o estereotipos.
Las historias gastadas de falta de talleres para los artistas del teatro no les quita el sueño al grupo de cinco. Cada semana crean parte del material a ser presentado, y llegado el momento, improvisan el restante en escena. El grupo se nutre de la creatividad y el talento de Mike Phillippe Oliveros, Roy Sánchez Vahamonde, Lucienne Hernández, Luis Gonzaga y Juan Pablo Díaz. Ese jueves, la veterana actriz Magaly Carrasquillo fungió de actriz invitada, mientra la pasada lo hizo Cristina Soler. Todo trata de una "liviana" velada teatral. Presentan historias, sketches, ideas, monólogos o diálogos llenos de cotidianidad.
La primera brevedad presenta un sketch de dos policías, que luego de un día poco productivo, están ansiosos por darle un boleto a alguien. Solo tomó treinta segundos exponer y resolver el conflicto con efectividad. Le sigue un grupo de rutinas que presentan casos que aquejan a jóvenes, estudiantes, parejas o al país. Parodian la estupidez mediática que valida los conflictos entre Topy, Noelia, Yolandita, etcétera; se debaten entre luchas maniqueas ante los prejuicios; critican la explotación del ambiente y la realidad política que vivimos; denuncian la apropiación federal de nuestros yacimientos arqueológicos; se ríen de todo.
Los asiduos tienen la oportunidad de seguirle los pasos a dos series teatrales: "Los roomates" -una especie de "Friends" criollo - y "Yo que te quiero tanto" que presenta la vida de un joven matrimonio y sus amigos.
La última parte del espectáculo se nutre del insumo que aporta la concurrencia. Con los temas sugeridos se improvisan escenas que incluye una hilarante presentación en el peculiar lenguaje de señas de Sanchez-Vahamonde. Otra parte recurrente del show cómico es la historia de alguna pareja de la audiencia que se reinterpreta por el grupo con resultados más que disparatados y divertidos. Solo extrañamos el "stand-up comedy" de cierre que en otras ocasiones vemos en Taller Cé.
Teatro Breve es una experiencia a la que los amantes del teatro y la comedia deben darle al menos una oportunidad. Esta temporada continúa todos los jueves en Bellas Artes y los domingos en la Calle Robles de Río Piedras desde las 9:00 pm hasta el 2 de diciembre, cuando tomarán un descansito navideño.
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Un drama de lograda tensión
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO (21 de nov 2007)
Los estragos de la guerra sobre Europa y el mundo afectaron la visión de las artes y la literatura. Nuevos temas, nuevas formas y nuevas perspectivas abordaron escenarios y galerías. El pincel retrata lo esperpéntico mientras las bambalinas proyectan la brutalidad, la desvalorización y el sinsentido de la existencia humana.
En la sexta semana de jornada del Vigésimo tercer Festival de Teatro Internacional del Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP), Teatro de la Comedia estrenó el pasado viernes, "Delito en la Isla de las Cabras" del italiano Ugo Betti. El Teatro Francisco Arriví en Santurce acoge hasta el próximo fin de semana, esta pieza dirigida por Rafael Acevedo.
La inusual historia se establece en un ambiente desértico e inhóspito de algún lugar de la Europa de hace medio siglo. Madre, hija y cuñada viven aisladas de la comunidad sus ventajas y placeres. Tras la viudez de Ágata (Guanina Robles), la evidente ausencia masculina afecta la cotidianeidad de las tres mujeres. Junto a "Silvia" (Yashira Perez) y "Pía" (Aidza Santiago) vive en la nada, en un notable estado de necesidad de testosterona. Un pozo casi seco domina el medio de la escena, como clara alusión a la sequía sexual que aborrecen. La llegada de "Angel" (Willie Denton), un extraño cuyas historias convencen a las féminas con el menor esfuerzo, convierte al trío en un mar de rivalidades. El poder de la manipulación y el maltrato es validado por el hambre sexual. A pesar del intento, no hay mayores reivindicaciones.
Acevedo se encarga de acentuar la inanidad en la vida de estas mujeres con acciones pausadas y dilatadas, mientras mantiene la tensión en primer plano. Una música incidental interpretada por Daniel Almagro y Raddy Pagán añade matices oscuros al denso drama. El director mantiene con destreza el tono desahuciado del absurdo.
Willie Denton se impone llevando al público al punto del desespero al igual que la construcción de tono ambiguo y misterioso de la joven Yashira Pérez. El elenco contó además con la actuación de Heriberto Sánchez como el viejo "Eduardo". La escenografía está a cargo de Félix Vega, la iluminación de Toni Fernández y la utilería de Heriberto Sánchez.
"Delito en la Isla de las Cabras" continúa en el Teatro Francisco Arriví con funciones el viernes 23 y sábado 24 a las 8:30 p.m., mientras el domingo 25 será a las 4:00 p.m.
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“Un número” de admirables ejecuciones actorales
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO (6 de diciembre de 2007)
Lo que no sirve se repara, se cambia o se tira a la basura. Reparar o remplazar un objeto dañado puede ser una acción algo simple, aunque en ocasiones podría resultar costoso. No podemos referirnos en los mismos términos cuando se trata de la vida humana. No todo es sustituible.
“Un número” de la escritora británica Caryl Churchill, toca con embeleso el tema de la clonación humana. El drama dirigido por Miguel Diffoot se presentó el pasado fin de semana en el Teatro Victoria Espinosa en Santurce, cuando se aproxima la conclusión del Festival de Teatro Internacional del Instituto de Cultura Puertorriqueña.
La pieza escrita en el año 2002 intenta una reflexión sobre el tema de la clonación humana. Un joven se entera de que existen réplicas genéticamente idénticas a él, lo le lleva a cuestionar a su padre sobre su conocimiento y participación en el asunto. Más allá de lo anecdótico, el escrito se adentra en un cuestionamiento sobre la identidad. Churchill no se regodea en las virtudes o peligros de la ingeniería genética.
¿Nos convertirá la sociedad futura en “un número” más, o ya lo somos? ¿Tenemos control sobre nuestra humanidad heredada, o el medio ambiente nos controla y condiciona? Miles de cuestionamientos surgen cuando se enfrentan la determinación genética y el efecto del entorno sociológico y psicológico.
El argumento se centra en la historia de “Salter” (Carlos Miranda), un padre que decide intentar una réplica de “Bernard” (Carlos Rivera Marchand), su hijo perdido. Se pone sobre la mesa el debate filosófico sobre la paternidad y sus opciones. ¿Es posible un borrón y cuenta nueva al tratar de forjar la personalidad de una copia humana? La autora al parecer pretende una nueva dimensión de un existencialismo “ultra posmoderno”.
Un gran acierto de este montaje es la dirección pausada y consiente de Diffoot, quien se estrena con éxito como director. Resalta con gran destreza la humanidad de unos personajes sumidos en la oscuridad psicológica. Largas pausas, reflexiones y silencios que regularmente atentarían contra la teatralidad, encuentran justificación en manos del novel director.
Ambos actores consiguen admirables ejecuciones de sus personajes. Miranda enfrenta al padre de modo metódico y taimado ante cada palabra y cada acción. Lució una interpretación madura y muy llena de verdad. El joven Carlos Rivera aborda tres personajes con marcada diferenciación. Muestra sus dotes con extraordinaria destreza, logrando un justo mano a mano con su veterano compañero de escena.
Para este montaje de Anilom, Inc. colaboran además: Mariel Acevedo con la iluminación, Lourdes López con el vestuario, Miguel Diffoot con la musicalización y Omar Torres como escenógrafo y productor general.
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Remozada secuela de "El bello y la bestia"
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
La máxima del espectáculo que reza que segundas partes nunca son buenas vuelve a fallar. El binomio Raymond-Luis Raúl impactó nuevamente a sus fanaticadas con más de dos horas de risa y diversión.Una nueva versión de "El bello y la bestia", espectáculo que hace algunos meses gozara del favor del público, se presentó a casa llena el pasado fin de semana en el Centro de Bellas Artes Ángel O. Berríos en Caguas.
Al entrar a la sala, una cámara indiscreta persigue al público intentando calentar la audiencia antes del espectáculo. El recurso permite que los comediantes sean recibidos por una audiencia eufórica que al parecer ya conocen la dinámica del show de variedades cómicas.
Arrieta abre "El bello y la bestia: De aquí hasta las crijmaj", con "Andresito", el avispado personaje de niño travieso y sumamente curioso. Renglón seguido, "El Bebé"‚ de Luis Raúl intenta explicar los misterios de la vida con una peculiar escena del nacimiento. A partir de este momento se retoma el formato impuesto en su versión anterior.
La noticia de actualidad vuelve a ser uno de los platos principales de la velada. A manera de comentaristas noticiosos, integran la elaboración de parodias musicales y de comerciales, imitaciones e improvisación junto al público. Desfilan por el escenario Mark y J Lo, Pedro Queselló, Monchy y Alexandra, Tito Trinidad y hasta Andrea Bocelli, entre otros. Los problemas con la leche y la agricultura, el vídeo pornográfico de la cantante Noelia y la realidad política del país, son solo algunos de los temas de los que echan mano con mordacidad ambos comediantes. "Tito Párpados"‚ y "El Primo"‚ supieron aderezar con chispa la primera parte del show.
Durante la segunda mitad del evento cada histrión prueba sus dotes como monologuista cómico. Individualmente enfrentan a los presentes con temas relacionados a las celebraciones de Halloween, Acción de Gracias y Navidad. Desde críticas a la comercialización, hasta anécdotas de niñez, logran que la audiencia ría a mandíbula suelta con cada rutina de "stand-up comedy".
Una vez más, Luis Raúl prueba su capacidad de improvisar a sangre fría, mientras se ríe de sí mismo. Por su parte, Raymond se proyecta más cándido, lo que abona a un estilo más comedido, pero igual de efectivo. Arrieta posee una voz privilegiada. Más allá de su capacidad para imitar, iguala el talento de los cantantes consagrados que representa.
El montaje está apoyado por una banda de ocho músicos y coristas, dirigidos por Luis Adorno. La escenografía, que parodia el mal gusto de los adornos de temporada, es responsabilidad de Javier Echevarría.
Tanto los que disfrutaron de la versión inicial, como los novatos la pasarán de maravilla con esta producción de Rafo Muñiz para ProLat Entertainment.
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Talento entre "flores y estrellas"
Por: Javier del Valle
ESPECIAL PARA EL VOCERO
(Publicado 1 de nov 2007)
El valor de la amistad y la entrega por los demás son temas recurrentes en la literatura y el cine. Nos invitan a y a dar valor a los hechos y la existencia de quienes nos rodean.
El incalculable valor del Festival de Teatro de Caguas se evidencia una vez más con la puesta en escena de "De flores y estrellas...", de Lauryliz González. El pasado fin de semana, el Teatro Arcelay permitió a cientos de espectadores, el privilegio de disfrutar de este trabajo realizado con el corazón.
Una reinterpretación de "El Principito", la conocida obra literaria de Antoine de Saint Exupéry, jugó con la fantasía y la realidad. A partir de una experiencia de pérdida personal, la autora enfrenta a un paciente de cáncer en su lecho de muerte, con un espíritu libre y lleno de vida.
Un vídeo, dirigido por Ariel Annexy Labault, proyecta de fondo a Enrique‚ (Edwin Dávila), que convalece en una fría y solitaria cama de hospital. Laura‚ (Lauryliz González) es una enfermera novata que se entrega en su vocación de servicio al cuidado del joven moribundo. Esta realidad se alterna con la fantasía que transcurre en el escenario. Un actor con alma de clown cuida y atesora su flor tal como lo hace el personaje de "El Principito". Crea su propio y reducido mundo, controlando el acceso. En este mundo imaginario, él es el cuidador.
Christian Nieves dirige el trabajo con gran imaginación y sensibilidad. Combina el cine, el teatro, el títere y la luz con efectividad. Cada momento, cada imagen y cada acorde se notan pensados. Todo lo que ocurre en escena tiene un significado, calculado desde una alta sensibilidad estética. Nada se desperdicia entre el texto de González y la realización de Nieves.
Edwin Dávila y Lauryliz González exhiben sus quilates como histriones. Ambos actores abordan con gran destreza la dualidad de sus personajes. La compenetración entre uno y otro, aporta a un espectáculo redondo y memorable. La atmósfera creada por la música en vivo de Roberto Gómez, Joel Martínez y Joey Oyola, impregna de magia cada momento de la acción.
Esperamos que "De flores y estrellas...", de Desiderátum y Producciones Cabeza, llegue a públicos diversos y visite escenarios insospechados.
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Agridulce comedia “Fat Pig”
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
La gordura se ha convertido en pecado abominable. La obsesión por una apariencia que responda a los cánones impuestos por la televisión y las revistas rige la vida de muchos. Cada libra de más opaca la capacidad del menos pesado para reconocer atributos en personas obesas. Parece como si tuviéramos que tratar clínicamente la actitud hacia la condición, más que a la condición misma.
La agridulce comedia “Fat Pig” de Neil LaBute, subió a escena el pasado viernes en el recién estrenado Teatro Victoria Espinosa en Santurce. La pieza dirigida por Ricardo Santana se aleja de lo que podríamos considerar una comedia romántica, de superación o de reivindicación.
Tom (José Brocco) es un ejecutivo exitoso, trabajador, de buen físico y soltero. Es amante del deporte y de las conquistas amorosas. Elena (Nancy Millán) es una mujer atractiva, capaz, inteligente, simpática, sensual y soltera. Un encuentro casual en una cafetería enciende la chispa entre ambos. En la oficina Carter (José Santos Ferrer) y Jeannie (María Bertólez) critican a Tom por involucrarse con alguien tan “diferente”. Elena es obesa, y Tom debe luchar por vencer prejuicios. Hasta aquí los ingredientes para una comedia romántica digna de algún canal de televisión para público femenino.
La pieza se nutre de momentos cándidos, encuentros amorosos, agrias disputas, situaciones cómicas y profundas reflexiones. El escrito de LaBute trasciende el estereotipado romance escénico del amor que todo lo puede, todo lo da y todo lo soporta.
El protagonista lucha una batalla con el mundo de lo superficial con una intensidad cuestionable, mientras Elena vive rendida ante comentarios e insinuaciones. La chica percibe alusiones a su peso en cada frase o mirada. Está más consciente de su tamaño, de los que lo están los otros, lo que le hace correrles la máquina a sus interlocutores con el uni-tema del peso. Su supuesto humor negro se convierte en una actitud ácida y auto lacerante. Aunque la apariencia de la comedia es de cuento de hadas, su desarrollo nos hace poner los pies sobre la tierra; nada de cuentos color de rosa.
Los actores abordan sus personajes con gran naturalidad, haciendo de la propuesta una refrescante. José Brocco y Nancy Millán compenetran sus interpretaciones con sutileza. Dan espacio al romance y la reflexión con especial candidez. María Bertólez está más que exquisita. Su acelerado ritmo conquista la risa del público con cada aparición. Tal vez José Santos concentra demasiado su extrovertido y banal Carter en lo físico, proyectando un trabajo efectista.
La efectiva dirección de Ricardo Santana, proyectada a dos lados, convierte el escenario un pasillo central. Debe velar por rutinas innecesariamente astracanadas que restan fuerza al montaje. Las luces son diseñadas por María Cristina Fuste, escenografía y utilería de Wendel Agosto y Christian Nieves y musicalización del mismo Santana.
“Fat Pig” producida por El Secreto Mundo continúa en escena hasta el próximo fin de semana con funciones viernes y sábado a las 8:30 y domingo a las 4:00 p.m. El Teatro Victoria Espinosa está ubicado en la Calle del Parque, esquina Ponce de León (Junto al Teatro Arriví, frente a El Josco).
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Excelencia en "Maldito árbol tropical"
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO (publicado 29 de octubre)
Cuando el drama familiar es regido por el odio, la venganza y los celos, entonces se traduce en tragedia.
El carácter retorcido de una familia japonesa se muestra en el oscuro drama "Maldito árbol tropical" del novelista nipón Yukio Mishima.
El montaje dirigido por Emineh de Lourdes Marrero, se presenta en el Teatro Francisco Arriví de Santurce como parte del 43er. Festival de Teatro Internacional del Instituto de Cultura Puertorriqueña. Personajes obsesionados con la muerte tejen con distintas destrezas la madeja de intriga que da tono a la pieza traducida por María Cristina Fusté y presentada por vez primera en el hemisferio occidental.
"Keisaburo"‚ (Jorge Luis Ramos) es un rico hombre de negocios ofuscado por la belleza de su esposa "Ritsuko"‚ (Sully Díaz). Aunque es espléndido con ésta, quien lo detesta, es miserable con sus hijos "Isamu"‚ (José Eugenio Hernández) e "Ikuko"‚ (Tensy Ann Vela). Ambas mujeres son fuertes y manipuladoras y aprovechándose de la debilidad emocional de "Isamu", le utilizan con vileza. "Ritsuko"‚ ansía la muerte del marido; "Ikuko"‚ la de la madre y la propia. El sexo incestuoso es el arma de madre e hija para ejercer poder sobre el perturbado joven. "Nobuko"‚ (Linnette Torres) es la tía que vela con amor por el bienestar de los jóvenes pero con cierto velo de misterio. La tragedia familiar es vista como un árbol hermoso y florido que extiende sus ramas hasta cubrir todo de sombra.
La excelencia de esta puesta en escena radica en sus altos valores de producción, una atinada dirección y una buena integración del elenco. La escenografía, precedida por un telón de boca que se convierte en pantalla lumínica, es el canvas sobre el que las luces diseñadas por Fusté nos hablan de los personajes y su sentir. Emineh de Lourdes supo evitar caer en las tentaciones habituales cuando se dirige una pieza de alta identificación étnico-cultural. Supo captar la profundidad psicológica de cada personaje y proyectarlos de manera realista sin recurrir a estereotipos raciales. La pieza escrita por Mishima a mediados del siglo pasado guarda similitud con el realismo psicológico del norteamericano Tennessee Williams.
Cada uno de los actores tuvo su momento de brillantes, logrando actuaciones convincentes y genuinas. Uno de los trabajos de mayor proyección es el de la joven Tensy Ann Vela, quien interpreta la perturbada y manipuladora hija moribunda.
La producción de María Cristina Fusté y Ailien Ventura para Boundless Theatre Company cuenta con el diseño de vestuario de Jorge Joel Torres, diseño de sonido de Emineh de Lourdes, escenografía de Joselo Arroyo, utilería de Gregorio Barreto, maquillaje y peinados de Bryan Villarini y la dirección musical de Noelia Ortiz.
"Maldito árbol tropical" continúa el próximo fin de semana en el Teatro Francisco Arriví. Para más detalles sobre el Festival del ICP puede acceder a www.teatropr.com.
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Semi desnudas: Experimento teatral para evolucionar
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
(publicada 22 de octubre en Escenario Extra)
Todo experimento viene cargado de riesgos. Igual que en un laboratorio, el teatro depende de controles necesarios para advertir cuales serán los resultados del proceso "científico". En el caso de "Semi desnudas", las variantes incluían un texto inédito, actrices novatas en el mundo del stand-up comedy, un grupo de espectadores bastante desigual y por último, lo más importante, actrices con el torso desnudo.
"Semi desnudas" la pieza que estrenó el pasado viernes 19 de octubre en el Teatro Georgetti en Santurce, aunque bien elaborada, resulta un tanto desigual en contenido y proyección.
En este "topless comedy" (o comedia descamisada), la falta de ropa no pasa de ser un gancho publicitario. El texto y las actrices son capaces de sostenerse hasta en traje de astronauta en este espectáculo escrito y dirigido por Gil René Rodríguez.
¿La premisa? Cinco actrices interpretan a personajes históricos, del arte o la literatura, quienes cuentan chismes e historias que les rodean. Ellas son Edmi De Jesús ("Eva") María Bertólez ("Venus de Milo") Cristina Sesto ("María Antonieta"), Marisa Baigés ("Mona Lisa") y Yezmín Luzzed ("Blanquita Nieves"). Algunas cuentan sus vivencias sexuales junto a maridos, compañeros y conocidos. Otras analizan curiosidades, ofrecen charlas de motivación o juegan con el público.
Gil René impone su habitual estilo de juego con el lenguaje utilizando cacofonías, retruécanos y redundancias. Este texto abundante en alusiones históricas y mitológicas, trata de buscar lugar en el concepto vodevilesco. Asimismo, el público intenta buscar un poco de materia simple y directa. La balanza se inclina hacia un público educado en materia de cultura general, con deseos de liberarse un poco de inhibiciones.
Las actrices intentaron motivar un ambiente interactivo con reacciones y comentarios del público, mediante la improvisación sobre el libreto. Todas las actrices, incluyendo a la joven Laura Isabel, quien interpretó múltiples personajes, lucieron cómodas y desinhibidas. Mientras el público mantuvo una atmósfera de buen gusto y respeto hacia las intérpretes.
La ejecución del maquillaje corporal de Yamil Medina sobre los torsos desnudos de las actrices, se convirtió en excelente pieza de vestuario y permitió mantener la atención del presente donde tenía que estar.
"SemiDesnudas" es un buen experimento con posibilidades de evolución. Continuará presentándose todos los viernes a las 9:00 p.m. en el Teatro Georgetti de la Calle Hipódromo en Santurce.
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"Alicia" para el disfrute de todos
Por: Javier del Valle, Especial para EL VOCERO
Publicado en edición del 22 de octubre de 2007
Poco a poco se desvanecen las quimeras de los niños. Entre juegos electrónicos y películas de fantasía que dirigen y manipulan la imaginación de los chiquitines, es imperativo alimentarles sus propias fantasías.
El autor, matemático y clérigo anglicano Lewis Carroll escribió "Alicia en el país de las maravillas" (1865) con el único mensaje de que los niños no dejen morir sus sueños y utopías. El pasado sábado y domingo se presentó en el Centro de Bellas Artes Luis A. Ferré en Santurce, el musical "Alicia", en versión del español Daniel Pérez y el grupo teatral Réplika.
Con un texto en verso lleno de ritmo y agradable sencillez, el montaje dirigido por Jaroslaw Bielski atrapó la atención de las cientos de familias con niños que llenaron la sala Antonio Paoli. El argumento se ciñe al original, pero dado el caso del juego de rimas, las acciones transcurren más rápidas y al grano.
Toda la acción ocurre sobre una plataforma inclinada en medio del escenario, con una serie de trampas por las que salen los personajes. De fondo, el ciclorama juega un papel importante con la constante proyección de colores brillantes y simples patrones de luz. Es notable que el montaje está diseñado para teatros mucho más pequeños que la Sala de Festivales santurcina. La aceptación por parte del público infantil fue evidente. Rieron, aplaudieron y gozaron poniendo mucha atención y disciplina. Sólo los papás y mamás siguen dando la nota discordante mientras atienden llamadas telefónicas en medio de la presentación.
El colorido vestuario y el concepto escenográfico son creación de Agatha Ruiz de la Prada, reconocida diseñadora de moda española.
La soñadora Alicia es interpretada con frescura y sin changuerías por la actriz española Laura Orduña, junto a un acertado elenco.
El montaje ibérico demuestra que la sencillez puede dar espacio a que nuestros niños no dependan de extravagancias al momento de imaginar.
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El dolor como punto de partida para la creación
Por Javier del Valle
Especial para El Vocero (20 de octubre 2007)
La marginalidad, la decepción y el dolor se convierten en fuente de creación, logrando poesía de lo cotidiano. La realidad dura e implacable que se obstina en lanzar escupitajos al rostro caribeño, le niega constantemente un futuro de "primer mundo".
El pasado jueves abrió una nueva sala teatral dentro de la celebración del Cuadragésimo tercer Festival de Teatro Internacional del Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP). El estreno de la pieza "Ciudadano cero" del autor y actor dominicano Rey Andújar, resultó ser un gran acierto para inaugurar el escenario del Teatro Victoria Espinosa en Santurce.
La propuesta parece un eco de las batallas libradas por la misma Espinosa para que se escuche su voz negra, boricua y antillana.
A través de una fusión de monólogos, poesía, canciones y audiovisuales, Andújar presenta un discurso pesimista del devenir y el porvenir dominicano. Un callejón sin salida enmarca la metáfora existencial dominicana, desde los ojos de este personaje des-personificado. Como cualquier otro ciudadano, sueña con tener algún valor nominal en el mundo que le ha tocado vivir, pero su realidad se convierte en condición. Sueña con ser un astronauta dominicano; reclama ser amado como cualquier ser humano; su origen le discrimina; busca culpas y culpables que no existen; llora el dolor de los que tienen que amar desde lejos; se busca entre los desbarros del graffiti sub-urbano. Finalmente no hay salida delantera ni escapatoria trasera. Se vive agonizando.
Al igual que el Andújar autor, el Andújar actor sabe recoger la mueca del desespero atrapando al espectador en su desbocada carrera hacia la nada. Su trabajo corporal es un valor complementario de gran acierto.
La dirección es responsabilidad de Loraine Ferrand, banda sonora de la Cooperativa Empresarial "Lo Correcto", dirección musical de Esar Simó, dirección de imágenes de Oscar Grullón, escenografía de Luis Felipe Meléndez, iluminación y adaptación de de Nelson Rivera y maquillaje de Roberto Díaz.
La propuesta, producida por Pedro López para Sociedad Anónima Incorporada, continúa este fin de semana y repite el próximo en el recién estrenado Victoria Espinosa en Santurce
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Irreverencia divertida
Por Javier del Valle, El Vocero
(Especial para Escenario, 16 de 0ctubre de 2007)
Existen espacios teatrales a los que podríamos atribuir vida propia. Aunque regularmente, cada espectáculo transforma la neutralidad de una sala de teatro al servicio de la presentación con los café teatros la historia es distinta. Las risas con eco, el chocar de botellas y platos, frenesí de ‘bartenders’ y parroquianos, y meseros laborando con brío, le imparten a esta suerte de nuevos cabarets de hip hop y ‘performanc’e, una dimensión teatral esencial.
Dentro de ese marco joven y noctámbulo, se presenta cada miércoles a las 9:30pm en El Café Seda del Viejo San Juan, "Judas Super Star" de Ricardo Álvarez. Juan Pablo Díaz, Manolo Castro y Jerry Soto acompañan a Álvarez para representar una puesta irreverente, profana y teológicamente desordenada.
En el reducido escenario de dos pisos, y que se extiende hasta la barra del local, Jesús, Judas, Pedro, Pilatos, el Centurión, Caifás y un mesero francés reinterpretan las escrituras, resaltando la sucesión de hecho cercanos al momento de la gran traición por las treinta monedas. "Jesús"‚ (Juan Pablo Díaz), sale con sus amigos "Judas"‚ (Ricardo Álvarez) y "Pedro"‚ (Manolo Castro) a disfrutar de una "última cena". Entre irreverentes vacilones se ridiculiza la percepción milagrosa de la figura religiosa del Nazareno. Otros personajes corren igual suerte insinuándoseles como brutos, homosexuales y corruptos.
El escenario no es un lugar para perpetuar pudores religiosos que lleven a los artistas y creativos a respetar la visión divina de algún grupo. De ninguna manera juzgamos el acercamiento moral o teológico que tenga a bien o mal hacer un artista; nos circunscribimos a lo estético, técnico o al contenido.
El autor, director y co-protagonista parece querer imponer algún tipo de estilo de actuación basado en recrear frases, acentos y hasta expresiones faciales de personajes creados por Roberto Gómez Bolaños, "Chespirito". El también productor a cargo de la compañía "Soy Fan de Shakespearito", no pierde un momento para integrar sus "sale y vale", "¿qué yo dije y cómo es?" o "¡me doy!".
El talento integral de Juan Pablo Díaz supera el montaje. Canta, actúa y toca guitarra. Todo lo realiza con entereza y simpatía. El chico tiene ángel. Jerry Soto, que es el más novato, tiene gracia para la comedia y la música.Judas Super Star es un espectáculo más que divertido, apto sólo para personas sin pudores religiosos.
La comedia continuará presentándose todos los miércoles en El Café Seda, Calle San Sebastián del Viejo San Juan.
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Estupenda mofa a la historia
Por Javier del Valle
Especial para El Vocero
(fragmento del Artículo: "Con pie derecho apertura de Festival de teatro del ICP"
Publicado el 13 de octubre en Escenario Extra
Con un rico juego de imágenes que resaltan lo esperpéntico, disparatado y grotesco de la historia del descubrimiento de América y sus enigmáticos personajes, la compañía española Teatro Corsario presentó "La barraca de Colón" de Fernando Urdiales.
La puesta que coincide con la celebración del "descubrimiento" de América, desmitifica la imponente figura del almirante genovés. Calificativos como hipócrita, apátrida, farsante y codicioso presentan un antihéroe con características más humanas que las que la historia nos ha heredado con estatuas imágenes y escritos de exaltación.
Una ‘trouppe’ de cómicos, músicos y bailarines se mofan de construcciones históricas oficialistas sobre la figura de Cristóbal Colón. Su mordaz e irreverente propuesta incluye incisivas imágenes llenas de colorido y penetrante imaginación. Una extraordinaria oferta estética nos lleva a cuestionar con suspicacia cada zapata histórica que nos sostiene hoy día. Incisivos payasos, jefes de pista, magos, chicas alegres y músicos integran esta raída carpa de circo que Urdiales dirige con maestría. Es una risotada abierta a la historia, con la que se denuncia el genocidio, la esclavitud y opresión que cimienta la realidad americana.
El Festival Internacional de Teatro del ICP continúa en el Teatro Arriví en Santurce.
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"AUDICION" desperdicia posibilidades
Por Javier del Valle
Especial para El Vocero
Publicada en Escenario Extra el 10/10/2007
Cuando la frivolidad o excentricidad del mundo del espectáculo es el eje de discusión en el escenario, se activa ese pequeño espíritu farandulero que todos llevamos dentro. Todos concebimos una imagen, desde el desconocimiento, de esos seres que se desdoblan para interpretar personajes en el cine, el teatro o la televisión.
¿Cómo será en realidad esa fulana que tanto me hace llorar con sus trágicos y mal amados personajes? ¿Será vegetariana o se atracará de lechón cada domingo en Guavate? ¿Es tan piadosa y abnegada madre como proyecta la radiante protagonista, o maldice e insulta a cada paso que da bajo el sol tropical de Río Piedras?
Tras una tímida publicidad, el pasado fin de semana estrenó ‘Audición’ de Luís Freddie Vázquez en la Sala Carlos Marichal del Centro de Bellas Artes Luís A. Ferré en Santurce. Esta divertida comedia, que integró el trabajo de trece actores y actrices, es una muestra del caudal de talento con muy poca exposición que existe allá afuera.
‘Audición’ no pasa de ser un divertido sketch en dos actos con posibilidades desperdiciadas. Cinco actrices prueban su talento intentando conseguir el papel protagónico en una telenovela. La personalidad real de cada una se entremezcla con sus traumas, frustraciones e historias particulares. La seducción, y el chantaje amenazan con contaminar el proceso de selección. Divas, trepadoras, perturbadas y frustradas contribuyen a crear una comedia de personajes un tanto simple.
El autor se vale de la parodia del mundo televisivo, pintándolo como uno frívolo y manejado por intereses malsanos. Un buen elemento fue permitir que el público elija la actriz que debe protagonizar. Esta buena intención quedó opacada por la intervención anticlimática de un para de actores que resumían innecesariamente el desempeño de cada actriz.
Es menester resaltar el trabajo de las cinco actrices que competian por el papel protagónico del novelón. Naymed Calzada, Aris Mejías, Tayna Rivera, María verónica Cabrera y Charlaine Delgado mostraron altos quilates con sus interpretaciones. Táyna Rivera sobresalió del grupo por su capacidad de mostrar varias caras de la tradicional tonta y sensual trepadora “Elizabeth”. Aris Mejías estuvo más que divertida con su peligrosa locura al interpretar a “Brenda”. Asimismo Naymed Calzada mostró tener tabla y experiencia frente al grupo.
Completó el elenco, dirigido por Orlando Rodríguez, Luís Freddie Vázquez, Carlos López, César Avilés, Gaspar Santos, Héctor Sánchez, Orlando Rodríguez, Mayte Benítez y Miguel Torres.
El director debe velar por no romper la cuarta pared a la menor provocación y sin justificación alguna. Este tipo de elemento sumergió varios momentos de la puesta en la dinámica de las comedias astracanadas de programas de variedad de medio día.
La iluminación fue diseñada por Orlando Rodríguez, el sonido por Julio Badillo, vestuario por María Verónica Cabrera y el maquillaje por Josy Andrades.
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Teatro infantile de acertada factura
Por Javier del Valle
Especial para Escenario (publicado el 9 de octubre 2007)
Colorido, música alegre y simple, además de la frescura de una trama lógica e inteligente, podrían ser buenos elementos para la elaboración de una obra de teatro infantil. Si a esto se le añade respeto por el público a quien va dirigido el espectáculo, un buen saldo es previsible.
La pasada semana se presentó la pieza teatral “Los músicos de Bremen”, un hermoso musical lleno de matices y pegajosas canciones para el deleite de los más chicos. Cientos de pequeñines, entre los cuatro y los seis añitos, vitoreaban y reían con expresiones de aprobación al grupo de actores que dieron vida al célebre cuento de los Hermanos Grimm.
El Centro de Bellas Artes Alejandro “Junior” Cruz de Guaynabo se convirtió en una enorme guardería en la que la risa, los gritos y los aplausos atestiguaron la efectividad del montaje de Teatro Caribeño, dirigido y adaptado por Joselo Arroyo.
Un burro (Edwin Ocasio), un perro (Joselo Arroyo), una gata (Magdaly Cruz) y un gallo (José Santos Ferrer) pierden la utilidad que solían tener ante sus dueños, tornándose en estorbos. El burro dirige sus pasos hacia Bremen, de donde es oriundo, con el fin de unirse a un famoso grupo musical, lo que le dará alegría a su espíritu. En su recorrido se encuentra poco a poco a cada animalito, creando grandes lazos de amistad, solidaridad y esperanza. Luego de poner en su sitio a un par de pillastres (Giussepe Vázquez y Madelyn Ortiz), que acosaban a los camineros, muestran del valor del trabajo en equipo. Juntos luchan contra el discrimen hacia la vejez, lo que se convierte en tema central de esta comedia musical infantil.
El colorido de los vestuarios alegremente diseñados por Gloria Saez, junto a la práctica escenografía de Jorge Ramírez y el mismo Arroyo, acentuaron el ambiente de ilustración infantil que esperamos de este tipo de literatura. La utilería de Gregorio Barreto se distingue de igual modo. Tal vez los maquillajes del experimentado Bryan Villarini debieron exagerar un tanto los contrastes de luz y sombra, pues el teatro de Guaynabo es enorme, provocando que la mitad de los niños se pierde entre detalles.
La música de José ‘Chenan’ Martínez mantuvo los niveles de adrenalina de los chiquillos en un nivel óptimo, al igual que los bailes coreografiados por Raúl de la Paz.
Así como no es fácil llenar una sala tan grande de estudiantes, tampoco es fácil captar la atención de chiquitos que no han podido acomodarse por razones de planificación de maestros o de quienes manejan estos teatros. Asuntos de logística en el acomodo, no deben interferir con la ilusión de los nenes y nenas que están a la merced de la impuntualidad o incapacidad de adultos.
Nos hubiera gustado ver un poco mas de las habilidades como músicos del grupo de animalitos compuesto por la gata “Genoveva”, el burro “Bartolomé”, el perro “Patricio” y el gallo “Germán”.
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Entre la farsa y lo absurdo
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
(publicada 8 de octubre de 2008 en Escenario Extra)
La influencia de los medios de comunicación en la cotidianidad humana ha llegado al punto de convertir la realidad misma en farsa o absurdo. La violencia nuestra de cada día parece sacada de algún guión policiaco de tercera, harto en borbotones de sangre, tiros y conspiraciones, pero sin finales felices.
Continuando con la oferta del Festival de Teatro de Caguas, el pasado fin de semana se representó en el Teatro Arcelay "Bony and Kin", pieza de Carlos Canales que ha recorrido varios escenarios internacionales. Esta obra satírica explora con sus personajes esa repercusión que ejercen los medios sobre la conducta humana.
Los antivalores seducen a este autor dramático oriundo de Río Piedras, lo que utiliza como tema recurrente en su teatro. En esta obra hace parodia de lo trágico, lo violento y lo grosero como en sus otros escritos "Juego peligroso" y "Me gustan las películas de Charles Bronson"
‘Bony’ (Noris Joffre) y ‘Kin’ (Ricardo Ávarez) se cansan de ser dos vulgares ladrones anónimos, y deciden saltar a la fama asaltando establecimientos de la reconocida cadena de hamburguesas ‘Burger Queen’. Cual si fueran estrellas de rock, convocan a sus fanáticos para que sean testigos de sus atracos. La gente los adora, y asían ser sus próximas víctimas. Aunque este tipo de asalto produce menor cuantía que la acostumbrada, la publicidad que genera a los protagonistas supera sus ambiciones.
Con tono fársico, el montaje se nutre de imágenes que intentan resaltar la influencia mediática que motiva a sus personajes. Carteles de películas de acción y proyecciones de corte noticioso sobre el ciclorama enmarcan la ambientación. El exceso de luz al fondo del escenario anuló la posibilidad de disfrutar de manera integral la propuesta dirigida por el veterano Félix Díaz Vélez.
Los ‘Bonnie and Clyde’ puertorriqueños experimentaron un accidentado salto a la fama en esta producción de Jorge Morales Cordero para la Compañía Nacional de las Artes de la Representación (CONAR).
El XXIX Festival de Teatro de Caguas continúa el próximo viernes con "Albizu, todo o nada" de Viviana Torres dirigida por Luís Oliva y protagonizada por Moncho Conde.
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Protesta contra los estereotipos
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
Publicado el 2 de octubre de 2007
Luchar contra los estándares de belleza o aceptabilidad impuestos por el bombardeo mediático es cosa de todos los días para algunos. Alguien decidió, desde su esquelética desgracia, que la saludable y rolliza maja de Goya (con o sin ropa), no cumple con la regla de "lo lindo".
Con una vida marcada por el prejuicio, la actriz, cantante, compositora y dramaturga Nancy Millán, se ríe de su experiencia, a la vez que hace una denuncia valiente y enérgica con la "Mujer Invisible".
El pasado fin de semana continuó la oferta del Vigésimo Noveno Festival de Teatro de Caguas, celebración que se ha distinguido por guardar celosamente altos niveles de excelencia. "Mujer Invisible" no fue la excepción.
El documental "Bonita", de Cynthia Martínez y María Fernanda Beltrán, comienza el espectáculo explorando conceptos y percepciones estéticas entre jovencitas y niñas. Luego un grupo de tres músicos y dos coristas, recibe a una protagonista que, desde sus canciones y monólogos, muestra el camino de sueños y realidades de una niña obesa que deseó ser una gran actriz y estrella de rock. Sus soliloquios retratan la vida de obstáculos, prejuicios, agresiones físicas y sicológicas, sufridas por alguien que se sabe igual que el resto y ante quienes se encargan de insinuarle lo contrario.
Con tono fatalista e irónico ataca con certeza a motivadores, siquiatras, empleadores, colegas, maestros, publicistas, etc. Millán no aparenta deseos de cambiar el mundo. Con sus monólogos pretende hacerse notar, sacando del medio las paredes impuestas por otros, y ¿por qué no?, por sí misma. La protagonista llenó el escenario con la inmensidad de su talento. Su voz hermosa y cristalina acompañada por su guitarra, aumentó su visibilidad en el escenario. Los mejores momentos de la actriz y cantante se dieron cuando sonaba improvisada. Debe apartarse del monólogo teatral y acercarse al aparente "stand-up comedy" informal.
Las letras de las canciones son de Nancy Millán, dirección escénica y coro de Ricardo Santana, arreglos vocales y coro de Noelia Ortiz y diseño de iluminación y producción de María Cristina Fusté para Boundless Theatre Company. La música estuvo a cargo de Jomel Rivera (guitarra), Raul Gaztambide (bajo) y David Pérez (batería).
Esperamos ver a la "Mujer invisible" llenar varios escenarios con su radiante inmensidad de talento.
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"La mamá de David": excelencia en escena
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO (1 de octubre de 2007)
¡Cuanta hermosura puede partir de una experiencia de dolor, frustración e inmenso amor! El sacrificio al que se ven sometidos los padres y familiares de personas con alguna necesidad de atención especial nos conmueve e invita a la reflexión.
La fantasía de un texto teatral nos acaba de golpear contra el muro de la realidad de los que viven en un mundo de encierro y desesperanza. El más acertado estreno teatral de los últimos años en nuestra escena nacional, sobrepasa la sensiblería y sentimentalismo gratuito al que nos acostumbran las tontas telenovelas.
"La mamá de David" de Bob Randall es un llamado de solidaridad, comprensión y esperanza para todos. La pieza teatral, que desde el pasado viernes ocupa la Sala de Drama René Marqués del Centro de Bellas Artes de Santurce, es un acto de generosidad intelectual y humana del autor.
Una madre (Johanna Rosaly) lo ha entregado todo por ‘David’ (Guissepe Vázquez), su hijo autista.
‘Sally’ ha sacrificado familia, trabajo y vida sentimental por velar de cerca el bienestar de su hijo menor. En su camino se encuentra con voces comprensivas, críticas, ignorantes, indiferentes y hasta recriminatorias. Su afán por luchar con tesón ante la condición severa del adolescente la ha tornado amarga, egoísta, descuidada y posesiva. Un macabro sentido del humor le aleja de quienes le quieren.
El extraordinario texto escudriña cada ángulo de la personalidad de este ser tan amado por su hermana ‘Bea’ (Cristina Soler) y acosado por ‘Gladys’ (Suzzette Bacó), la trabajadora social. Los seres más cercanos deben competir por un lugar ocupado en su totalidad por ‘David’. Este es el caso del esposo (Braulio Castillo), la hija (Yezmín Luzzed) y el pretendiente (René Monclova).
Johanna Rosaly supera su esplendor sobre el escenario, justo cuando celebra 50 años de carrera.
Su interpretación de la sacrificada madre le permite mostrar todas sus dotes de actriz madura que no deja escapar el menor de los matices, pausas, miradas, silencios, risas, desplazamientos escénicos... Su genialidad interpretativa atrapó al público en una especie de montaña rusa emocional, pocas veces vista. Podemos distinguir su actuación con el difícil y prohibido calificativo de impresionante.
Guissepe Vázquez borda con estudiado respeto y cuidado el comportamiento físico y emocional de un jovencito con retardación mental y autismo. La entereza de su desempeño le ganó un cerrado aplauso cargado de agradecimiento por parte de la audiencia y de sus compañeros de escena. Vale destacar la frescura y verdad en el trabajo de Cristina Soler. Bacó, Castillo, Luzzed y Monclova se lucenn con igual veteranía y calidad. ¡Bravo por este elenco de primera fila!
Este montaje de Gilberto Valenzuela es uno de los más celebrados que le hemos presenciado. Un público agradecido y emocionado aprobaba con su ovación un trabajo de dirección redondo, inteligente y sensible. Le ayuda sobremanera la estupenda adaptación de la misma Rosaly.
Las luces de Héctor Negrón contribuyen de manera especial para resaltar el drama interno de la protagonista. La excelente ambientación de Jesús Lugo resulta tan deprimente como debía ser, además de la utilería junto a Cristina Sesto, cuidando carencias y excesos. El vestuario es coordinado por Alba Kercadó mientras Rafael Varela se encarga del maquillaje y peinados.
Este esfuerzo de los productores Julia Serena Monzón, Lorna Otero y Lino Hernández para Producciones Tamima debe tratar de alcanzar la mayor cantidad de público posible por sus altos valores y calidad. No se la pierda el próximo fin de semana en el CBA de Santurce.
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Asesinas de boutique
Por Javier del Valle
Especial para Escenario
Publicada en El Vocero (24 de septiembre de 2007)
Son varias las versiones, que a partir de la película Clue (1985) de Jonathan Lynn, se han realizado del “juego de la sospecha”. Desde la escenificación de una boda en la que aparece un muerto, hasta la versión riopedrense de Freddy Acevedo.
Ahora toca el turno de “Asesinas de boutique” que se monta en la ola del teatro de enredo, con un muerto a cuestas.
El pasado viernes subió al escenario del Teatro Ambassador en Santurce, la pieza protagonizada por Amneris Morales, Luz María Rondón, Marian Pabón, Linnette Torres, Sara Jarque, Tita Guerrero y Maricarmen Avilés. El momento no podía ser mas lucido, pues a pesar de los múltiples estrenos y reposiciones durante este fin de semana el montaje dirigido por Albert Rodríguez estuvo abarrotado de público.
La acción de “Asesinas de boutique” debe girar en torno al asesinato del empresario “Domingo Espinosa”, el día de su cumpleaños. Mientras su familia inmediata y amistades se juntan para recibirle con una fiesta sorpresa, tormenta eléctrica provoca un apagón. Al restablecerse la energía aparece el esperado muerto. Este es el momento para comenzar a descifrar cual de las damas es la responsable de tan atroz asesinato.
Cada actriz de este elenco es sin duda una carta probada. Dejándonos llevar por la reacción de la audiencia, Linette Torres y Luz María Rondón fueron las más celebradas de la velada.
El libreto de Denis Manuel Rivera carece de enredo. La noticia de la muerte no sucedió hasta casi pasada una hora de representación. Los personajes divagan entre las ramas durante el ejercicio simple de definirse frente al público. Chistes y comentarios sobre los gustos y visiones de cada una convirtieron la escena en un enredo de lenguas y no de trama. Por lo menos el público rió bastante ante la gracia de las intérpretes, en lo que aparecía el esperado difunto. El desenlace, que se vale de esbozar las teorías del asesinato y los motivos en cada una para ser la sospechosa, resulta simplón y apresurado. El bosquejo de la pieza debe centrarse en buscar a la asesina y no en la exposición de personajes.
Un gran acierto del autor y el director es tratar la puesta como una farsa novelera de los ‘70. Acordes musicales de novela barata, diseñados por Chenan Martínez, añaden un divertido toque estridente y estereotipado a la acción.
Las tenues luces de Alberto Segarra necesitan una revisión urgente. El exceso de sombras en las paredes es incomodo para la vista. El decorado de Edwin Guevarez no refleja la salud económica de los personajes. Luís Santiago y Christian Nieves realizan la utilería, el vestuario es responsabilidad de Annie Jo Galib y Laura Teresa, mientras el maquillaje lo es de José Raúl González.
“Asesinas de boutique”, producción de Gary Homs y Armando Viota para Puertazul, continúa el próximo fin de semana a las 9:00 pm en el Ambassador.
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Mucha música y diversión en Grease
Por Javier del Valle
Especial para El Vocero
El teatro musical se nutre de artistas con la capacidad para cantar, bailar y actuar. Ese es el cuadro más simple al que se debe aspirar para que la experiencia del público sea una integral.El pasado fin de semana subió a escena “Grease, el musical de tu vida” inspirado en la obra de Jim Jacobs y Warren Casey.
La sala Antonio Paoli se colmó de un público heterogéneo, destacando la gran cantidad de familias con sus niños y niñas que asistieron a disfrutar de la pieza creada en 1971.En su origen, Grease surge como un interminable musical de casi cinco horas de duración en la ciudad de Chicago. La obra satirizaba las modas, visión de mundo y la música de la época del comienzo del rock and roll. Luego se convierte en un éxito taquillero en Broadway y posteriormente en el cine.
“Sandy” (Jenilka Giusty) y “Danny” (Victor Santiago) se conocieron y enamoraron durante las vacaciones de verano. De regreso a la escuela, el chico ignora a la dulce jovencita por aquello de guardar las apariencias de niño rudo. Se plantea el problema de la presión de grupo, la sexualidad, las apariencias y otros temas jóvenes, de manera somera. Tal parece que de la versión original pre-Hollywood, llena de texto y situaciones, a esta cargada de canciones, el mensaje se queda en las ramas.
La selección del elenco fue un gran acierto musical. Cantaron con atino Víctor Santiago, José Vargas, Iván López, Lizmarie Goldilla, Arturo Guerrero, Jenilca Giusty, Tony Cordero, Arquímides González, Esteban Núñez, Melanie Figueroa y Patricia Contreras. Otra parte del elenco, además de cantar, actuó: Carlos Esteban Fonseca, Aida Encarnación, Nelson del Valle, Marena Pérez, Lian Machín y Yezmín Luzzed. Esta última realizó el trabajo más completo sobre el escenario. Yezmín Luzzed demuestra con su desempeño en este musical que es una de las actrices más completas sobre el escenario nacional. El cerrado aplauso que recibiera la noche del sábado lo afirmó.
La música en vivo dirigida por Carlos Cruz resultó impecable, apoyado por la dirección de los coros de Ana Marta Arraiza, mientras Carlos Hernández se lució con un excelente montaje coreográfico. José Manuel Díaz diseñó una escenografía práctica y colmada de ingenio, resaltada por el espectacular diseño de luces de Toni Fernández. Tanto el vestuario diseñado por Ana C. Ramírez, como los peinados de Julio Chariz y Obdulia Rivera, abonaron a plasmar con gracia el ambiente “rocanrolero”.
Sonia Valentín domina este tipo de espectáculo rico en imagen y elementos técnicos. Su dirección se enfoca en la composición visual y la calidad del diseño de producción. “Grease, el musical de tu vida” contó con la producción general de Maggy Rodríguez y la producción ejecutiva de Alba Nydia Diaz y Sonia Valentin para Alquimia y Copelar
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Universal “Antígona”
Por: Javier del Valle
Publicado en Escenario Extra, EL VOCERO
18 de septiembre de 2008
Los mitos griegos nos han perseguido por generaciones, para hablarnos al oído o para golpearnos en el rostro. La fantasía nos alerta de la realidad política o sociológica que se repite por siglos. Las luchas de poder, las jugadas de la moral, batallas existenciales y valores familiares, alimentan una tragedia griega que resuena hasta hoy.
“Antígona” de Jean Anouilh subió a escena el pasado viernes en la Sala Carlos Marichal del Centro de Bellas Artes en Santurce. Una vez más Teatro de la Comedia lleva a las tablas este drama en que se enfrentan la libertad y la sumisión.
“Antígona”‚ (Blanca Lissette Cruz) se empeña en enterrar el cuerpo de su hermano mientras su tío “Creón”‚ (Jorge Luís Ramos), además rey de Tebas, se lo prohibe bajo amenaza de muerte. La joven, abogando por su derecho absoluto a la libertad, desobedece al dictador que se convierte en víctima de sus actos.
La “Antígona”‚ de Anouilh, versión moderna de la de Sófocles, estrenó en París en el 1944, momento de la ocupación alemana a Francia durante Segunda Guerra Mundial. El autor elabora una Antígona desafiante, pero en ocasiones amedrentada por el destino de sus acciones. Creón se proyecta paradójico y cumple con su deber de hacer cumplir la ley, utilizando a sus propios sobrinos como modelo para el impartir “justicia”. Rafael Acevedo es uno de los más grandes directores de la escena nacional. Escudriña los textos con la rigurosidad que se explora un campo minado. Está claro que el protagonista de sus montajes es exclusivamente el texto. Su selección de elenco ha resultado ser pobre en ocasiones (no esta vez), pero su brújula siempre consigue hacernos mirar hacia el lugar indicado. Con esta puesta, supo mantener a una sala repleta comiendo de su mano con cada imagen y cada palabra. Desde la entrada a la pequeña sala, hasta el momento del intermedio, la riqueza de imágenes augura una velada memorable.
Jorge Luis Ramos, luego de una prolongada ausencia de los escenarios, retoma su lugar como primerísimo actor. Teje un Creón tirano e implacable, a la vez que explora la compasión y la vulnerabilidad. Su interpretación es impecable. Sabe bordar cada palabra de manera meticulosa e hipnotizante.
Blanca Lissette Cruz muestra al espectador con extraordinario atino, la inocencia y fragilidad entremezcladas con la determinación y fortaleza en un mismo ser.
Mientras existan guerras, dictaduras, violaciones a los derechos humanos y políticos estúpidos borrachos de poder, las tragedias griegas o sus versiones modernas y contemporáneas tendrán vigencia.
Antígona seguirá presentándose el próximo fin de semana en el Centro de Bellas Artes Luís A. Ferré.
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Grandes actuaciones en comedia “Descalzos en San Juan”
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
(publicada lunes 10 de septiembre)
La diversidad y el contraste entre personalidades que generen situaciones cómicas, es un asunto que el comediógrafo Neil Simon tiene bien claro. “La pareja dispareja” es tal vez su más emblemática creación. Personajes que por su disparidad, motivan conflictos disparatados e hilarantes.
El pasado sábado subió a escena en el Teatro Georgetti de la Calle Hipódromo en Santurce, “Descalzos en San Juan”, una versión libre de Alexis Sebastián de “Barefoot in the Park” de Simon. La puesta marca el regreso de Gladys Rodríguez a la comedia teatral, luego de varios años de ausencia.
La versión boricua presenta una joven pareja de una semana de casados, que emprenden una nueva vida de tortolitos. “Mori”‚ (Lynnette Salas) es impulsiva y alocada, llena de vida y sin muchas inhibiciones. “Pablo”‚ (José Eugenio Hernández) es un joven abogado pragmático, monótono y calculado, que gusta de la planificación y el análisis.
Vivir en un quinto piso de la Calle San Sebastián, sin ascensor ni acondicionador de aire, goteras y con las famosas fiestas en su mejor punto, no es el panorama más romántico para Pablo. Un excéntrico vecino griego (Joaquín Jarque), malapaga, entremetido pero de gusto exquisito llega a sus vidas sin invitación. Terminada la luna de miel comienza la realidad del matrimonio, lo que provoca la divertida desavenencia entre los recién casados. Estas incluyen las críticas de la suegra (Gladys Rodríguez), que no pueden faltar.
El trabajo interpretativo de los actores es redondo y atinado. Un poco de ensayo para acelerar el ritmo no vendría mal, pues esa agilidad es fundamental en el teatro de Simon, bien adaptado por Sebastián. Resalta el trabajo del joven protagonista José Eugenio Hernández, que con cada puesta demuestra un dominio integral del escenario. Asimismo, Salas imparte naturalidad y frescura a soñadora “Mori”. Gladys Rodríguez, Adrián García y Quino Jarque brillaron y lucieron su veteranía.
El terreno ganado en el primer acto se pierde en el segundo, igual de cómico pero muy lento. La directora (Emineh de Lourdes), debe procurar jugar con pausas y reflexiones innecesarias, para así acelerar la acción. Si el público en sala disfrutó con entusiasmo en el estreno, no dudo que más ritmo provoque mayor interés por la acción.
Joselo Arroyo y William Salas presentan un decorado creíble y familiar para los conocedores del viejo San Juan. Las son diseñadas por Héctor Negrón, Vestuario de José Manuel Díaz y el maquillaje de Carlos Muñoz y Bryan Billarini.
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Profunda tragicomedia conyugal
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
(publicada el 3 de septiembre en Escenario Extra)
La vida matrimonial es un lugar común en la literatura dramática. Exceso de desavenencias, fracasos, reclamos, intrigas e infidelidades marcan regularmente la línea argumental. Las satisfacciones, logros, triunfos y ganancias no son temas principales, debido a su debilidad dramática.
El celebrado autor francés, Eric Emmanuel Schmitt, recorre por todos los ángulos de la relación marital, para mostrarnos un trabajo perspicaz en “Pequeños crímenes conyugales”, traducido del francés por Juan José de Arteche.
El nutrido público que llenó el pasado sábado la Sala René Marqués del Centro de Bellas Artes Luís A. Ferré en Santurce, fue víctima de las traviesas intensiones del autor. Parecía como si el autor se riera del la candidez del público, al presentar constantemente sagaces giros a la trama.
“Alejandro”‚ (Daniel Lugo) sufre de amnesia luego de un confuso accidente. Al regreso del hospital junto a su esposa, con quien lleva veintidós años de casado, se adentra en una madeja de preguntas para intentar redescubrirse dentro de la realidad conyugal. ¿Soy quien dice que soy? ¿Es ella quien dice ser? ¿Es nuestra relación un paraíso, o un infierno?
“Carla”‚ (Cordelia González) por su parte, intenta reconstruir los recuerdos del marido que tiene, y también del que desearía. La constante confrontación entre las partes, da nuevos rumbos a la historia, haciendo de la comedia rica en suspenso. Los personajes se transforman y como camaleones, se convierten en otra cosa distinta a la que se nos presenta en primer plano.
Schmitt nos regala un trabajo inteligente al alcance de todo público.
Daniel Lugo y Cordelia González logran una vez más presentar un trabajo compenetrado y cautivador. Aunque las primeras escenas requerían de un ritmo moderado, los actores se escuchaban dichos y neutrales. Poco a poco fueron entrando en el calor que convirtió la velada en un festín actoral.
Lugo demostró sangre fría con su dominio de las sutilezas en los tonos y gestos. Se mostró agudo y certero, como suele hacer. Cordelia fue taimada, logrando un sube y baja de emociones en el espectador. Barajó en una misma mano la sensualidad, la candidez, la perversidad, el odio y la frustración. Ambos dignos de recordación.
Gilberto Valenzuela dirige con maña a los veteranos histriones, presentando un trabajo redondo y meticuloso.
Tanto la escenografía de Valenzuela como la ambientación de Jesús Lugo añadieron la realidad y precisión a las exigencias de la puesta. Unas botas rojas utilizadas por el protagonista, distrajeron durante toda la acción de Lugo. El vestuario debe responder a una sicología y sociología del personaje, asunto que pareció pasar por alto el diseñador y coordinador Ed Coreano.
El maquillaje y la peluquería estuvieron en manos de Pilar Rosado, las luces de Héctor Negrón, producción general de Julia Monzón y la regiduría de Emineh de Lourdes.
“Pequeños crímenes conyugales” rompe con el estereotipo del drama matrimonial yendo a la profunda esencia de la agridulce realidad del matrimonio.
La pieza continúa presentándose en el Centro de Bellas Artes de Santurce.
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Banquete teatral con "Zanahorias"
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
Una hortaliza prohibida revela la hipócrita realidad que viven los habitantes de Puritania, donde los desmanes sexuales y los excesos definen la aceptabilidad social de una burguesía decadente.
Luego de una exitosa temporada en los escenarios niuyorquinos, las "Zanahorias" del ibérico Antonio Zancada son servidas en los escenarios boricuas del Centro de Bellas Artes de Caguas y del Teatro Francisco Arriví de Santurce.
La pieza, que se desarrolla en el imaginario reino de la Puritania, se vale de un texto fresco y filoso, alejado de convencionalismos. Predomina un ambiente lúdico que define la historia, así como los elementos visuales. El decorado sugiere un enorme tablero de ajedrez, mientras los personajes juegan a ser peones, alfiles o torres poniendo en jaque a sus astutos oponentes.
Denise Quiñones es la gran estratega que logra dominar a cada uno de los que buscan llegar al Rey. El jueguito de "quién es más depravado" rige las acciones de los personajes. Un rey que vibra con amantes de todo tipo y orientación, lucha por prevalecer.
La propuesta de Zancada es desarrollada por el director Alfredo Galbán con atino aunque con algo de falta de ritmo. Lo moderno se mezcla con lo clásico, estableciendo simpáticos contrastes escénicos. Desde música del barroco, hasta el discotequero ‘disco’, agregaban simpatía a la inusual propuesta.
Denise Quiñones se apodera de la Madame del Sagrado Corazón‚ (en realidad la reina de Puritania) con la simpatía propia de una alteza. La gran sorpresa de la velada la impone Mónica Steuer como la Marquesa de Ahh!.Su gracia se impone con un dominio escénico excepcional. Francis Reyes, Puy Navarro, Iva Gocheva y Bill Blechinberg aportan con altura al trabajo en equipo.
Los elementos de diseño, así como los técnicos, resultan frescos y atinados. Las luces de María Cristina Fuste vuelven a ser protagonista en un montaje experimental.
Esta producción de Equilicuá viene de cosechar significativos éxitos en Madrid y en la ciudad de Nueva York. Zancada es positivamente cínico y audaz, convirtiendo a la fálica zanahoria en objeto de pecado y perversión. "Zanahorias" continúa el 7 de septiembre en el Teatro Francisco Arriví de Santurce.
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“¿Por qué los hombres aman a las cabronas?”
Por Javier del Valle, EL VOCERO
Intentar descubrir las motivaciones del público teatral ante las variadas convocatorias que le inundan cada semana, es un ejercicio retador.
En los escenarios de ciudades de gran tradición teatral, el autor juega un gran papel al momento de atraer espectadores hasta la taquilla. Algunos directores también han entrado en el estrellato de atracciones. Los teatros más pequeños suelen seducir con el contenido de sus propuestas. La gran oferta sin duda recae en los actores taquilleros, ya sea por su talento, o por la frivolidad mediática ante sus escándalos o figuras esbeltas.
El mercadeo efectista con sugestivos títulos de cuernitos, moteles, cabronas y otros términos, también llena salas.
Con un poco de todo, el pasado viernes subió a escena en el Teatro Ambassador de Santurce, “¿Por qué los hombres aman a las cabronas?”. La pieza está basada en el escrito de “autoayuda” de Sherry Argov “Why men love bitches?”. El libro intenta ofrecer una guía en la que se pretende mostrar por que los hombres se sienten atraídos por mujeres de carácter independiente.
Un débil texto del exitoso comediógrafo mexicano Mauricio Pichardo, presenta una mujer tonta que se deja utilizar de los hombres, siendo aleccionada por otra que se los traga vivos. No pasa nada.
El espectáculo carece de los más primarios elementos dramáticos, dependiendo de una ristra de palabrotas altisonantes y frases trilladas contra la pareja, para lograr delirantes risas y aplausos.
Como si intentaran vendernos un libro, el evento pareció uno de teatro de marketing, o de esos largos anuncios de televisión en los que revelan las virtudes de un cuchillo o una aspiradora.
A pesar de lo sexista y misógino del titulo de Argov (escritora de revistas tipo Cosmopolitan, Playboy y Esquire), la sala fue tomada por un nutrido público femenino. Muchas prefirieron tratar de llamar la atención del señor Francisco Gattorno desde sus mesas, que interesarse por su tímida ejecución escénica.
El talentoso director Albert Rodríguez pareció enfrentarse a un libreto “no-dirigible”. La misma suerte corrió con los actores, a quienes no encontró mucho de donde sacar. Sonya Cortés es excelente cuando está sola en un escenario haciendo de sí misma mientras cuenta anécdotas y chistes. Esta vez estuvo acompañada, haciendo de la tonta y maltratada “Dulce”. Francisco Gattorno, actor cubano de telenovelas, parecía perdido entre líneas, como si el medio teatral fuera algo nuevo en su vida. Marian Pabón se defendió como pudo.
“¿Por qué los hombres aman a las cabronas?” es una producción de Raymond Gerena y Rubén Lara para Gran Escenario Inc. La pieza continúa los días 10, 11, 17 y 18 de agosto en el teatro Ambassador, en Santurce.
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Fantasmal propuesta
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
Publicada 12 de junio 2007
“Los soles truncos”, uno de los principales clásicos de nuestra dramaturgia nacional, es tal vez el drama en el que más abundan los símbolos.
Para abonar al cargado listado, la compañía de teatro Tablado Puertorriqueño seleccionó un particular escenario para la representación del pasado fin de semana. Es en la Calle del Cristo donde se desarrolla la trama de las hermanas Buckhart, lo que da pie a que se utilizara el patio interior del Centro de Estudios Avanzados de Puerto Rico y el Caribe ubicado en la misma calle.
El dramaturgo René Marqués nos lega con “Los soles truncos”, un texto rico, cuyo héroe y villano es el tiempo. Más allá de la historia de tres hermanas solteronas que viven encerradas en una vieja casa sanjuanera nos enfrentamos a un drama político de elocuente y directo llamado a la conciencia de lo nacional.
Una amplia gama de símbolos dan cohesión a esta pieza. Tres soles truncos filtran la luz exterior, impidiendo iluminación real. Es la luz artificial de las velas y quinqués la encargada de iluminar la irrealidad que viven Inés, Emilia y Hortensia en su vieja casa. Los muebles importados de Europa recuerdan las raíces de las hermanas Buckhart, así como a una burguesía decadente a principios del pasado siglo. Los sueños y anhelos de Emilia viven encerrados en un cofre de madera, así como las prendas de la familia, que recuerdan un pasado próspero que contrasta con la miseria de su presente. Los símbolos se convierten en el cuarto personaje de la tragedia.
El director logra proyectar una visión más fantasmal de este drama político, en el que el autor hace un llamado a la purificación con fuego de un país al que considera en ruinas. Cristina Soler construye una “Inés”‚ recia y casi autómata. Su mirar perdido la desvincula de la trama, demostrando un insalvable pesimismo.
Cristina Sesto muestra una estupenda proyección en escena con un decir impecable, a pesar de que no logra la frescura característica de “Hortensia”, quien es un recuerdo lleno de inocencia y candidez. Yamaris Latorre interpreta una “Emilia” un tanto misteriosa, como si se apoyara de características felinas para su construcción del personaje. Todas alcanzan la visión espectral impuesta por Valenzuela.Sin duda, cada montaje de esta emblemática pieza de Marqués, pone a los que la hemos presenciado varias veces, a realizar el ejercicio de las comparaciones. Soler y Latorre no proyectaron físicamente a los desgraciados personajes de Marqués.
El maquillaje y los peinados de Carlos Muñoz, junto al vestuario de Gloria Sáez aparentaban ser disfraces sobre las actrices, lo que no sucedió en producciones anteriores con estos mismos diseñadores. Tal vez las actrices son demasiado jóvenes para sus personajes.
La escenografía es diseño de Gilberto Valenzuela magistralmente pintada por Félix Vega, la iluminación de Héctor Negrón, ambientación de Jesús Lugo y utilería de Christian Nieves.
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Montaje multidisciplinario “Tú, mi pasión”
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
Este pasado fin de semana concluyó el 48vo Festival de Teatro Puertorriqueño del Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP). Un homenaje a la obra del maestro Francisco Arriví se escenificó en el teatro, bautizado con el nombre.
La poesía de Arriví sirvió de motor para que la actriz Sandra Rivera diera forma al montaje multidisciplinario “Tú mi pasión”. Música, recitación, canto, actuación, baile de bomba y ballet se conjugaron en un espectáculo redondo y colmado de celebración patriótica.
El hilo conductor del espectáculo es llevado por la voz poética de Arriví en bocas del actor Pedro Orlando Torres como “El poeta” y Provi Seín como “La Musa”. Ambos lograron inyectar vida a la palabra rica en imágenes del poeta y dramaturgo. Ya al final de la presentación se unieron Sandra Rivera, Iris Martínez, Carla Alvarado, Maricarmen Avilés, Elia Enid Cadilla, Myrna Casas, Lydia Echevarría y Velda González, para interpretar “En la mano de espumas que me entregas”.
La parte musical de la velada fue la más celebrada entre el nutrido público del pasado viernes. El pas de deux entre Zulma Berríos y Armando Seda de Ballets de San Juan, en el “Cántico para un atardecer”, fue simplemente hermoso, tanto en su ejecución como en la coreografía. Otro gran regalo lo fue la majestuosa voz de la soprano Melliangee Pérez y su interpretación de “Desde el silencio que pudiera ser”.
Fue la intervención del Ballet Folklórico Areyto en “Se han esclavizado razas de cobre y ébano”, la que provocó el más cerrado de los aplausos. Su montaje del baile de bomba, está colmado de teatralidad matizada por una energía mágica que hizo delirar a los espectadores. Además sirvió de acento a uno de los temas más conocidos en la dramaturgia del padre del teatro moderno en Puerto Rico.
Esta antología de poemas presentada por Sandra Rivera y La Comedia Puertorriqueña fue una comisión del ICP para clausurar el Festival de teatro puertorriqueño. La puesta de “Tu mi pasión” contó con el diseño de escenografía de Jesús Lugo, vestuario de Gloria Sáez, Luces de Toni Fernández y dirección de Sandra Rivera.
A dos años de celebrar cincuenta ediciones del Festival de Teatro Puertorriqueño, el ICP debe considerar dar mejor trato al desarrollo de la escena nacional. Muy poco hubiera costado añadir a esta celebración anual charlas, foros, conferencias o mesas redondas para discutir temas que abonen a la calidad de los gestores del teatro en Puerto Rico. Un poco de imaginación y compromiso ayudarían a no ver el bochornoso espectáculo de salas vacías en estos festivales.
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Luce su veteranía Raúl Carbonell
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
(Publicada en EL VOCERO del 22 de mayo de 2007)
La experiencia del divorcio suele ser traumática y dolorosa para ambas partes. El final de cada relación embala un equipaje con excesos o carencias de variado peso. Cada caso viene cargado de alivio o de pesares. Peor es el caso cuando esa particular vivencia se repite varias veces en la vida de un ser humano. Las vivencias del reconocido actor y dramaturgo venezolano, Orlando Urdaneta, provocan el contenido del monólogo cómico “Divorciarme yo” que estrenara el pasado viernes en el Teatro Coribantes de Hato Rey. Raúl Carbonell, hijo, protagoniza la pieza que presenta las estridentes reflexiones de un hombre divorciado.
Solitario, con maleta en mano, en medio de un escenario habilitado a los cuatro costados, Carbonell intenta dar color a un simpático texto. Como esperando que resurja el momento de una nueva partida, que tantas veces le ha tocado vivir, carga con anécdotas y recuerdos gratificantes, amargos, divertidos, violentos y apacibles.
La propuesta de la directora de escena, la experimentada Alina Marrero, involucra al espectador de manera directa, convirtiendo a algunos en confidentes del “pugilateado” personaje. Mientras transcurre el ejercicio, inocentes víctimas del público deben intervenir reordenando la maleta o escuchando las frustraciones propias del desahogo.
El protagonista echa mano de sus dotes de actor y cantante para interpretar con ritmo a “Manuel” quien luego de tantos fracasos trata de evitar un nuevo desengaño. Aborda con espontaneidad y soltura la varias de las rutinas, aunque el montaje no veló por una adaptación que permitiera una ejecución tan coloquial como lo exige este tipo de monólogo. Parecía en ocasiones que la sintaxis obedecía más a un texto para ser leído, que para ser dicho. A pesar de esto, la velada es una para ser disfrutada, sobretodo gracias a la veteranía y maña del intérprete.
La producción de Raúl Méndez cuenta con el diseño de luces de Alberto Segarra, utilería de Luís J. López y maquillaje de Marta Núñez.
“Divorciarme yo” continúa el próximo fin de semana en el Teatro Coribantes de Hato Rey. Tanto los que han pasado la terrible experiencia de una separación, como los que celebran las virtudes del matrimonio, disfrutarán de este espectáculo por uno de los artistas más completos de nuestro escenario nacional
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"E Pluribus unum"
Por Javier del Valle
Especial para El Vocero
Desde los años de España, a los puertorriqueños nos ha tocado defender causas ajenas. Los conflictos bélicos de las metrópolis se llevan a los nuestros para que, en primera fila, atajen las balas destinadas a los políticos que provocan y ordenan la guerra.
Miles de voces de protesta se han levantado para denunciar la sinrazón de las repetidas hostilidades políticas y económicas entre países. Los dirigentes se agarran del patriotismo y la democracia para justificar lo que a todas luces es la defensa del bolsillo de algún poderoso. Nuestra literatura nacional ha utilizado su voz para denunciar la participación boricua en distintos escenarios de guerra.
Durante el pasado fin de semana, continuó la celebración del 48 Festival de Teatro Puertorriqueño del Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP), en el Teatro Francisco Arriví de Santurce. “E Pluribus Unum”, drama de Carlos Acevedo sobre los puertorriqueños en Irak, estrenó luego de ser merecedor del segundo lugar en el certamen anual de dramaturgia del ICP.
La pieza protagonizada por Acevedo incluye a Walter Rodríguez, Samuel Molina, Georgina Borri, Gilda Haddock, Yeimyl Rivera y Ángel González entre otros. La trama retrata un aspecto del objetor o llamado desertor. Un soldado boricua regresa del servicio militar en Irak y decide no regresar a completar su término. El autor lo ubica en el seno de una familia identificada con la estadidad y ciega defensora de la nación norteamericana. Luego de apoyar la causa militar, el joven sargento “Néstor Mellado” se percata de la realidad del conflicto petrolero y decide no volver al campo de batalla.
El desarrollo del texto tiende a caer en una serie de contradicciones e inconsistencia de los personajes. “Susana” (Haddock), la madre religiosa, no quiere que si hijo se vaya a Irak, luego le apoya en su deseo de no regresar y termina pidiéndole que regrese a pelear por evitar las habladurías. Igualmente “Ignacio” (Walter Rodríguez), el padre, se mantiene en un sube y baja de emociones, que si bien es válido, necesita hacerse de manera medida para no anticipar efectos en el desenlace.
Algunas de las acciones del soldado en el frente de batalla atentan con debilitar la tesis de la objeción por conciencia. La conciencia del joven no titubeó cuando se enlistó y estuvo activo por casi ocho años en la reserva militar. No le tembló el pulso cuando asesinó a sangre fría a un anciano solitario. Solo cuando sintió miedo de perder la vida en medio del conflicto vio las atrocidades de la guerra.
El enfoque publicitario te vende un drama distinto al real. “Nelson Mellado”, más allá de ser un objetor por conciencia, es un ser que abre los ojos, al vivir el esperpento de la guerra a flor de piel. Desde esa perspectiva es un gran drama, lleno de honestidad y entereza intelectual que redime al protagonista.
Vale destacar las actuaciones de Yeimyl Rivera y Ángel González, quienes impartieron verdad y frescura a “Susan” y a “Pito”.
Esta producción de Dramarama, Inc. contó con la dirección de Pedro Rodiz, luces de Evarlyn Torres, escenografía de Rodiz y Acevedo, utilería de Ammy y el maquillaje de José Cáceres.