Drama político en Universidad Interamericana
Por Javier del Valle
Los veinte años de labor del Taller de Teatro Inter-metro, adscrito a la Universidad Interamericana de Puerto Rico, les ha brindado la oportunidad de acercarse a diversas formas y tendencias del teatro. Desde piezas clásicas, infantiles hasta experimentales, han llevado a este grupo a escenarios nacionales e internacionales.
Con bola de cristal en mano, el director y dramaturgo Antonio García del Toro, elabora la comedia política “Aunque caigan las pancartas”, que se presenta desde el pasado miércoles en el teatro del recinto universitario.
Los miembros de un partido político buscan el sustituto a su líder acusado de corrupción, a tres meses de las elecciones. Encontrar el candidato idóneo se convierte en motor del conflicto, que se desarrolla en una humilde comunidad llena de singulares personajes. La comedia, el melodrama, la reflexión y la sátira se unen en este montaje del veterano profesor, ubicado en algún pueblo de una isla caribeña. La historia y su momento de estreno se encuentran con la realidad de modo casual, pero atinado.
El joven elenco compuesto por estudiantes universitarios está integrado por Yamil Ledesma, Emma Berrios, George Padró, Debra Bonilla, Mariel Viruet, Rayda Albizu, Linda Pérez, Danilo Pichardo, Edgardo Nieves, Gladimar Ortiz, Orlando Sánchez, Liz Somar de Jesús, Anja Belaval y Juan Francisco Hiraldo.
El estupendo trabajo escenográfico, diseñado por García del Toro, es su mayor valor de producción. El montaje cuenta además con la coreografía de Zaida Varas, luces de Luis Ramos, utilería de Linda Pérez, Música y sonidos de Orlando Sánchez y coordinación de vestuario de Debra Bonilla y Gladimar Ortiz.
“Aunque caigan las pancartas” continúa funciones el 18 y 19 de abril a las 8:00 de la noche y el domingo 20 a las 4:00 de la tarde.
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Toma vida cuento de Sunshine Logroño
Por Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
Mantener la atención de una sala llena de niños no es tarea fácil. Aunque la oferta sobre el escenario resulte interesante, el nivel de atención de los chicos es limitado. Una hora debe ser suficiente para llenar las expectativas del pequeño espectador, sin cansarle ni sobrecargarle. Asimismo, las narraciones deben ser cortas y sin regodeos.
Este fin de semana subió a escena en el Centro de Bellas Artes Luis A. Ferré en Santurce, el musical "El coquí que quiso ser sapo", versión teatral de Cristina Soler del cuento de Sunshine Logroño.
La historia muestra a un pequeño coquí, que a pesar de vivir en un hábitat lleno de armonía, se deslumbra con la imponente figura de un sapo que vive del otro lado de la carretera. De este encuentro surgen conflictos de identidad del pequeño animal, que quisiera ser como los que viven del otro lado del camino, menospreciándose a sí, y a los suyos.
La versión teatral de Soler, dirigida por Albert Rodríguez, incluye narraciones, bailes y canciones. El entusiasmo del público chico ante las pegajosas tonadas y la energía del talentoso elenco validan la producción de Gilda Santini.
La narración introductoria por ‘Grillete’ (Edwin Emil González), aunque simpática, resulta larga, provocando la exigencia de la audiencia infantil para que comience la acción. Algunas transiciones de una acción a otra resultan sosas y huérfanas de justificación por parte del director.
Yinoelle Colón es la ‘Luna’ presumida, pero generosa; Jonathan Arroyo Liceaga interpreta al lento ‘Caracol’, mientras Rafael Albarrán es el ‘Lagartijo’; Eduardo Cortés regresa a las tablas para ser el ‘Sapo’; José Bermúdez es el pequeñín que encarna a ‘Coquí’; Laura Isabel se encarga de ‘La Changa’ y de ‘La madre’, a la vez que Nancy Millán es la coquí ‘Dominicana’.
La ficha de diseñadores de "El coquí que quiso ser sapo", incluye a Alba Kercado en el vestuario, Toni Fernández en las luces, Wendel Arroyo con la escenografía y Charly de Jesús a cargo del maquillaje.
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Airosa Daniela en comedia adulta
Por Javier del V alle
Ahora Daniela Droz es una de ellas. La sonada comedia teatral que ocupa el escenario del Teatro Georgetti, “¿Por qué los hombres aman a la mujeres cabronas?” ahora cuenta con el talento de la joven actriz y cantante en su elenco.
El pasado viernes, estrenó Droz ante sus compañeros de escena Marian Pabón y Julián Gil, saliendo airosa, aunque con un poco de dificultad con la memoria. La veteranía de Pabón junto a la maña de Gil, guiaron a la esbelta actriz por sus líneas y movimientos de modo elegante y generoso. Tal vez un ensayo más hubiera resuelto el asunto.
La interpretación de “Dulce” por la nueva protagonista, dista bastante de la de su predecesora Sonya Cortés. Mientras aquella elaboró un personaje cómico un tanto astracanado, esta muestra una mujer sutilmente tonta y manipulable, con mayores ribetes de realidad. No deja de ser hilarante. A juzgar por la reacción del público, Daniela cumplió con éxito su nueva encomienda en este montaje dirigido por Albert Rodríguez para Gran Escenario.
“¿Por qué los hombres aman a la mujeres cabronas?” es la adaptación del comediógrafo mexicano Mauricio Pichardo, sobre el libro de Sherry Argov, “Why men love bitches?”. La pieza sube a escena cada viernes y sábado en el Teatro Georgetti, ubicado en la Calle Hipódromo, Parada 22 y media en Santurce.
Por motivo de la observación de la Semana Mayor, la producción recesa hasta el próximo viernes 28 de marzo. Compre su boleto con tiempo, pues la venta ha sido exitosa. Para mayor información y compra de boletos puede llamar al (787) 792-5000 ó al (787) 902-3386.
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Cautivador Don Goyito
Por Javier del Valle
A pesar del consabido paro magisterial que vive el país, ayer cientos de estudiantes colmaron con entusiasmo la sala Felipe Rodríguez del Centro de Bellas Artes, Ángel O. Berrios en Caguas, en busca de una experiencia educativa.
El clásico de Manuel Méndez Ballester “Bienvenido Don Goyito, es sin duda una pieza de nuestra literatura dramática, importante para comprender el país. La transculturación, objeto de la realidad colonial que vivimos, se ubica en el Puerto Rico de hace cuatro décadas. Poco ha cambiado desde entonces.
La historia cuenta la llegada de “Don Goyito”, un rico jibaro que se muda con su hija a San Juan. Mientras algunos rechazan la personalidad genuina del viejo, otros buscan aprovecharse de su aparente ingenuidad.
Aunque se utiliza la experiencia de la emigración del campo a la ciudad, la comedia ataca directamente el mundo de las apariencias. Méndez Ballester, supo disfrazar de comedia, la tragedia del jibaro relegado ante en progreso, la americanización y la industrialización. El resultado es una sabrosa sátira que busca desenmascarar la jabería y la compra de almas nativas ante los grandes intereses comerciales.
El nivel actoral convierte esta puesta en una de excelencia. El elenco compuesto por René Monclova como “Don Goyito”, Ivonne Goderich, Noelia Crespo, Linnette Torres, Albert Rodríguez, Ulises Rodríguez, Joaquín Jarque, Tania Vega, Ángela Mari, Edwin Ocasio y Fernando Tarrazo, está más que balanceado. La dirección es responsabilidad de Roberto Ramos Perea.
La sala repleta de adolescentes mantuvo su atención a cada palabra y cada acción, poniéndole oído a la voz de denuncia que Méndez Ballester blandiera, cual filosa espada a mediados del pasado siglo.
Todos los elementos técnicos y de diseño se integran con maestría en este montaje de Ramos Perea, que conserva el texto integro e inmaculado como lo concibió el autor. El diseño y confección del vestuario está a cargo de Gloria Sáez mientras Julio Biaggi elabora la escenografía. Las luces son diseño de la profesora Toni Fernández y la producción general de Lolyn Paz para New Moon Productions.
Las funciones para público general de esta estupenda producción serán anunciadas para mediados de año. Recomendamos que lleve a toda la familia.
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Oscuro futuro boricua
Por Javier del Valle
“Queishd & Dilit” (caiged and deleted) de Gamaliel Valle Rosa, es la ganadora del pasado Certamen de Dramaturgia del ICP. Este joven autor ha denominado la pieza como un drama trágico futurista en dos actos.
Valle imagina a Puerto Rico como estado federado de los Estados Unidos de Norteamérica, dentro más de dos siglos y medio. La transculturación, el cambio de valores y el protagonismo de la tecnología son eje de la propuesta protagonizada por el veterano actor Walter Rodríguez. En un mundo en que la muerte no existe como concepto, los seres pueden optar por ser “borrados”.
La conceptualización temporal planteada por el dramaturgo está plagada de inconsistencias, tiradas al desperdicio por la pobre dirección de Jorge Rios. El argumento podría ser más creíble si se ubicara el drama a finales del siglo que vivimos.
Actúan además Lydia Echevarría, Yinoelle Colón, Michelle Marie Rodríguez, Benjamín Irizarry y Norberto Collazo. La producción es de El Bombón de Menta Inc.
Este fin de semana sube a escena "Lágrimas negras: tribulaciones de una negrita acomplejá" escrita y protagonizada por Eva Cristina Vásquez quien nos visitará desde Nueva York.
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Tenso combate familiar
Por Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
Nadie sabe lo que hay en la hoya; solo quien la mueve. El afán de juzgar desde el desconocimiento, puede causar serias lesiones en la dinámica familiar. Esta parece ser la tesis del drama “Ellas revelaron secretos esa tarde” del dramaturgo riopedrense Carlos Canales, que se presenta en el Teatro Victoria Espinosa desde el pasado viernes.
El vigésimo noveno Festival de Teatro Puertorriqueño auspiciado por el Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP), entró en su segunda semana con la presentación de su pieza premiada por la misma institución, en el año 2006.
Las tensas relaciones de familia se encuentran en el escenario, al enfrentarse madre e hija en un intenso combate verbal. Recriminaciones, malos entendidos, arrepentimientos y reconciliaciones son tejidos por el autor, quien se vale de refranes y frases hechas para añadir tensión al infeliz encuentro.
Un gran merito del texto de Canales lo constituye el juego con parlamentos cortos e hirientes entre “La hija” (Katiria Soto) y “La madre” (Sara Pastor). Una concatenación de zarpazos entre la madre dominante y la hija resentida, con solo una mesa de por medio, asemeja la puesta a un fogoso juego de pimpón.
Ambas actrices entraron con éxito en el juego, manteniendo el ritmo necesario para mantener la acción a flote. Pastor impuso veteranía, logrando una interpretación impecable del ambiguo personaje, tan recia como frágil. Soto, a pesar de su escasa inexperiencia teatral, cumplió con efectividad como una digna contrincante.
El carácter minimalista de la escenificación, dirigida por el mismo autor, cuenta con el diseño de luces de Orlando Carreras, maquillaje de Edgar Aldea, y la utilería de Celeste Arrieta.
“Ellas revelaron secretos esa tarde”, de PR Theatre Productions, continúa este viernes en el Teatro Victoria Espinosa que ubica en la Calle del Parque en Santurce. Las funciones serán viernes y sábado a las 8:30 p.m., y el domingo a las 4:00 p.m.
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Humana Bernarda
Por Javier del Valle
Especial para escenario
Siempre es bueno ver un clásico teatral bien realizado. Para este tipo de teatro, el público conocedor suele ver la misma obra en más de una ocasión por distintas razones. Las diversas interpretaciones dadas por los directores, el estilo empleado por tal actor o actriz o la conceptualización estética lograda por los diseñadores dan un giro nuevo a cada puesta.
Desde el pasado lunes, y hasta mañana domingo, se presenta “La casa de Bernarda Alba” (1936) en el Centro de Bellas Artes Ángel O. Berríos de la ciudad de Caguas, emblemática obra del poeta granadino Federico García Lorca.
La historia es simple: el día de la muerte de su marido, ‘Bernarda’ (Ángela Meyer) decide guardar un estricto luto de siete años junto a sus cinco hijas, convirtiendo su casa en una prisión. ‘Angustias’ (Evelyn Rosario), la mayor y única hija de otro matrimonio, se casará con ‘Pepe el romano’, amante secreto de ‘Adela’ (Sara Jarque),su hermana menor. El invisible personaje masculino es provocador de calladas pasiones en ‘Martirio’ (Marian Pabón), la más fea de sus hermanas. Los secretos que consumen, las lenguas filosas y el qué dirán, rigen la vida de Bernarda y del pequeño poblado.
Como pieza obligada en el currículo escolar, la mayoría de las funciones han sido dirigidas al mercado académico, al que se le ha presentado una versión fresca y transparente dirigida por Myrna Casas. La realidad ha definido este montaje en el que las actrices muestran verdad en su decir, alejada de los tonos fúnebres, recitados y grandilocuentes que persiguen a Lorca.
El tono de frescura lo impone la ‘Poncia‘de Luz María Rondón, criada que se convierte en conciencia del trágico drama. Su ejecutoria marca ese tono amistoso al oído del joven público, que asiste al teatro con pocas intensiones de disfrutar una experiencia con el arte.
El talentoso elenco incluye además a Georgina Borri como ‘María Josefa’, Magdaly Cruz como ‘Magdalena’, Madelyn Ortiz como ‘Amalia’ y María Lola como la Criada.
El trabajo de los diseñadores es impecable. El vestuario es de Gloria Sáez, luces de Tony Fernández, escenografía de Julio Biaggi, maquillaje y peinados de de Rafael Varela, utilería y ambientación de José Manuel Díaz.
“La casa de Bernarda Alba” de Producciones Contraparte y Teatro Caribeño, tendrá una función para publico general mañana domingo a las 7:00 de la noche.
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Monólogos sobre la identidad nacional
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
El tema de identidad es recurrente en la dramaturgia puertorriqueña que por años se realiza desde la ciudad de Nueva York. Personajes boricuas que buscan su lugar dentro de la compleja e impersonal urbe, actúan regularmente desde su puertorriqueñidad.
Como parte de la oferta del Festival de Teatro del Ateneo Puertorriqueño, se presentó el pasado fin de semana “Una noche con Tere Martínez”, en el teatro de la centenaria entidad. Este montaje de Teatro IATI, grupo radicado en la Gran Manzana, se compone de los monólogos “Mi última noche con Rubén Blades” y “Más que un foreclosure”, ambos de la joven escritora Tere Martínez.
El primero de los trabajos, protagonizado por la misma autora, presenta una joven madre (“Yanira”) que vive obsesionada con Rubén Blades. La música y personalidad del salsero y político panameño, rigen cada momento de su vida, alimentándole sueños de justicia y mejor vida. La poesía de Blades le sirve tanto de guía espiritual, como de guía amatoria, mientras él se convierte en modelo inquebrantable que le acompaña hasta la misma intimidad del lecho. Blades es un motor que enciende su erotismo, sus anhelos, su sentido de equidad y su realidad latinoamericana.
En “Más que un foreclosure”, protagonizado por Wanda Arriaga, la autora da vida a la multiplicidad de personajes en los que cohabitan varias vertientes de la puertorriqueñidad neoyorquina. Una exitosa abogada, una madre soltera a punto de perder su hogar por problemas económicos o una joven profesional que celebra las maravillas de la “gran nación”, se definen entre emigrantes, niuyoricans y boricuas.
Ambas actrices regidas por Mario Colón, director bayamonés radicado en Nueva York, se sumergen en un tono que oscila entre la nostalgia y la esperanza. Abordan con entereza el mundo femenino del otro Puerto Rico, el de allá.Cada uno de los componentes del trío de teatristas, representan lo mejor de una generación de artistas atados a sus raíces, aunque buscando una identidad propia desde su hábitat continental.
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Picante y adulta “¡A Calzocillo Quita’o!”
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
El género teatral del “vodevil” se permite licencias para romper con lo riguroso, en favor de la diversión y la risa. Propuestas picantes y bien adultas son bienvenidas entre un público sazonado con espíritus destilados y ganas de vacilar.
Con el humor crítico y filoso que caracteriza al personaje más celebrado del actor René Monclova, subió a escena el espectáculo “Lolo Bond: ¡A Calzoncillo Quita’o!”. La sala abarrotada del Teatro Georgetti, el pasado viernes, evidenció el apoyo del que goza el veterano comediante.
El burlesco encabezado por el “handyman”, un auto-declarado símbolo sexual de covachas y cuchitriles, incluyó un sensual y atrevido cuerpo de baile integrado por Karen Camacho, Kathy Morei, Marena Pérez y Rosa Garay.
La estructura del espectáculo depende de la interacción con la audiencia que visita el “Lolo’s Palace Motel (de 15 pesos) & Condom Outlet”. Durante la primera parte, Lolo comparte con el público sus limitados dotes de bailarín, sus aceptables capacidades como cantante y su estupenda mordacidad ante temas sexuales, sociales y políticos. Voluntarias del público muestran sus dotes como participantes de concurso de belleza, logrando premios de aceptable calidad.
El tema político es tratado con más detalle con las supuestas cartas cursadas entre Acevedo Vilá y Rosselló. Este segmento podría ser más efectivo si se acortara, pues los presentes reaccionaron mejor durante la primera parte del juego de misivas.
Uno de los momentos más esperados lo fue el del invitado político. Valiéndose del juego emblemático del personaje, que defiende, acusa y juzga con todo y peluca de abogado de la corte inglesa, sentó en el banquillo al ingeniero Rogelio Figueroa. El presidente de Puertorriqueños por Puerto Rico se sometió al interrogatorio de Lolo, quien le habló sin miramientos ni delicadezas. El invitado se defendió con elegancia, sin perder compostura ante el florido lenguaje de improvisado leguleyo.
Tal vez debe tenerse par de cartas bajo la manga que sirvan de salvavidas en caso de que concursantes o visitantes no tengan la chispa necesaria. El libreto es de Monclova.
La colaboración de “Agatha”, el reconocido personaje televisivo de Albert Rodríguez, redondea la propuesta de “night club” del espectáculo. Espera a la gente en el vestíbulo, sirve tragos en la barra del local y se tira una escatológica rutina cómica. El también director del show se pone al público en el bolsillo.
La banda sonora es creación de Chenan Martínez, luces de Albert Rodríguez, coordinación de vestuario de Abigail Vargas y producción de Raymond Gerena y René Monclova para Gran Escenario.
“Lolo Bond: ¡A Calzoncillo Quita’o!” continúa el próximo viernes a las 10:00 de la noche en el Teatro Georgetti de la Calle Hipódromo, Pda. 22 y media, en Santurce. Para información y boletos puede llamar al 787 902-3386, ó al 787 792-5000.
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“Marisol”, metáfora de la marginación
Por Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
Clasificar la obra del dramaturgo santurcino criado en Nueva York, José Rivera, sobrepasa los cánones de lo niuyorican, lo latinoamericano o lo puertorriqueño. Su verbo se hace universal ante su afán por dibujar un retrato esperpéntico de lo marginal.
Desde el pasado martes se presenta en el Teatro Julia de Burgos de la Universidad de Puerto Rico (UPR) la obra “Marisol”, una de las piezas teatrales más emblemáticas del laureado escritor. El curso Producción Teatral Bilingüe del recinto riopedrense, escenifica hasta el domingo 6 de abril, el drama dirigido por Christopher Olsen, con el consejo de Rosalina Perales. Las presentaciones se realizan de manera alternada en español e inglés.
El texto de Rivera presenta un panorama sombrío y de tono apocalíptico, en el que los personajes buscan su lugar desde la marginalidad. ‘Marisol’ (María Josefina Gómez) es tan puertorriqueña como todos aquellos que viven en sectores oscuros, peligrosos e insalubres de la gran ciudad. Lucha a diario por su espacio dentro de un mundo laboral decoroso y una vida digna. Cuando su ‘Ángel Guardián’ (Viviana López) le abandona para unirse a la gran batalla por el poder celestial, ‘Marisol’ pasa a ser parte de la realidad de los muertos en vida que deambulan dentro de una ciudad caótica. Un ‘Nazi’ rapado (Mariana Monclova) prende fuego a los marginados, que sólo se alimentan de sal.
Esta metáfora de la opresión y el olvido al inmigrante, al desplazado y al infortunado, es tratada por su director con una fusión de estilos que exploran el humor y el drama realista, con cierto tono de existencialismo expresionista. Esta ecléctica propuesta se enriquece con la acertada escenografía e iluminación del profesor Checo Cuevas; el vestuario y maquillaje de Juan Carlos Ríos; la utilería de Francisco Cabrera.
Los noveles actores abordan sus personajes con la dificultad que le impone un texto con mayor riqueza en la palabra que de imagen. Completan el grupo de talentosos jóvenes Alejandro Ibáñez, Carlos Javier Muñiz, Francisco Cabrera, Andrea G. García, Hythem Esiely Barrera, Bárbara K. Rivera y Tania de Jesús. “Marisol” ha sido merecedora de dos Premios Obie en Off Broadway.
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Atentado nacionalista como marco teatral
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
El pasado mes de marzo dio inicio el Cuadragésimo Noveno Festival de Teatro Puertorriqueño organizado por el Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP). Como todos los años, se dedica a alguna figura cimera de nuestros escenarios. Este año se rinde honor al dramaturgo Gerard Paul Marín, a quien se le homenajeó durante la apertura de la celebración del teatro nacional.
Luego de los actos protocolares, y durante todo el fin de semana, se escenificó el drama de Marín “Al final de la calle”, en el Teatro Francisco Arriví en Santurce.
El ataque nacionalista del 30 de octubre de 1950 al Palacio de Santa Catalina, sirve de punto de encuentro a tres historias tan diversas como cercanas. En tres localidades del final de la calle, viven seres con experiencias no relacionadas. Un militante nacionalista junto a su joven esposa embarazada, se debate entre el deber patriótico y el familiar; una joven sufre el maltrato de su manipuladora tía que la priva del amor; una anciana espera el desahucio mientras se halla encerrada en su mundo de fantasías, viviendo del recuerdo de una aristocracia a la que ya no pertenece. Los enfrentamientos armados entre nacionalistas y la policía impactan el devenir de cada historia.
El autor se vale de un hecho histórico para mostrar varias caras del Puerto Rico de mediados de siglo 20. Cohabitan la lucha armada, la enajenación, la represión y la pobreza, justo a la puerta de La Fortaleza. Gerard Paul Marín merece mayor justicia dentro de la historia de las letras y el teatro en Puerto Rico. Su nombre debe honrarse junto con el de Marqués, Arriví, Méndez Ballester y Rechani Agrait.
La pieza dirigida por Dean Zayas, es protagonizada por Idalia Pérez Garay, Luisa de los Ríos, Belén Ríos y Yinoelle Colón, acompañadas por Miguel Difoot, Xavier Franco Muller, Randy Calzada y Jonathan Cardenales.Miguel Vando diseña la escenografía y el vestuario; Toni Fernández está a cargo del diseño de luces; la utilería es de José Manuel Díaz, y la producción de Producciones Acrópolis.
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Decadencia y muerte en “La última (es)cena”
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
La búsqueda de espacio para una propuesta artística arrojada, es un camino escabroso tanto para los que se inician, como para los que tienen lugares ganados. Si la idea cuestiona el arte, sus formas, sus posibilidades, sus gestores o patrocinadores, es menester diferenciar entre la reflexión cándida y la demanda soberbia. En este caso opto por la primera.
En “La última (es)cena” montaje que ocupara el pasado viernes el escenario del Teatro de la Universidad de Puerto Rico en Río Piedras, el cuestionamiento existencial y artístico tuvieron su foro. Escrita, dirigida y producida por Gazir Sued, la experimental pieza que mezcla el cine y el teatro, enfila su mirada hacia varios objetivos.
Por un lado un viejo locutor radial interpretado por Jalil Sued, cuenta desde su pobreza, soledad y desplazo, la historia de “Emil” (José Luis Gutiérrez), un joven escritor que intenta conseguir apoyo para el financiamiento de su película. Paralelo a esa acción escénica, se proyecta el filme en cuestión, como intentando materializar las ideas. La pérdida, la muerte y el desplazo invaden el escenario dominado por la imagen de un tétrico cementerio. Los personajes del filme se manifiestan desde la decadencia y la muerte.
Sued intenta en esta puesta de tres horas y media de duración, analizar con humor la banalidad de las razones para el rechazo que sufre su protagonista. Empresarios, publicistas y productores le sugieren a “Emil” en su peregrinación financiera, a recurrir a la brevedad, el sexo, sensacionalismo, sensibilidad y simpleza del lenguaje. Este rechaza con decepción y espanto las propuestas. Sus personajes están cargados de decepción, vacío soledad y muerte. La crudeza de esa realidad los adentra en una metáfora de muerte.
“La última (es)cena” es una oferta creativa, rica en imágenes y con un trabajo cinematográfico hermoso y bien cuidado, también dirigido por el autor. El lenguaje, alejado de todo realismo, está colmado de poesía. Ante una de cal, otra de arena: la obra es innecesariamente larga; critica la explotación del sexo en pantalla de modo gratuito mientras lo resalta en su producto; cambia por completo su estilo y acercamiento estético durante el segundo acto; se torna rebuscada entre ratos, provocando la distracción de lo fundamental. Quizás debió tomar algunos consejos de sus personajes que intentaban decirle algo desde el papel.
El resto del elenco está compuesto por Héctor “Koko” de Jesús, Leonardo Castro Sitiriche, Alba Cancel, Marinellie González, Cecilia Argüelles, Yoel Nazario, Gabriela Jiménez, Yan C. Collazo, Sebastián Baty Paz, Joksan Ramos, Jerry Ferrao, Alex J. Andino, Gabriela Ruiz, Sasha Ramírez, Onellys Carrasquillo, Patricia Ortiz y Cristina Ortiz.
Apostamos por un brillante futuro de este artista quien con “La última (es)cena”, nos presenta una respetable ópera prima.
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Búsqueda de la sanación espiritual en “Fin del sueño”
Por: Javier del Valle
Especial para El Vocero
Existen varias formas de contar una historia. La muerte de un miembro de la familia de modo violento, puede provocar voces de ira, miedo, desasosiego o desvelo. Cuando esa vida es una llena de promesa y compromiso provoca tonos de mayor consternación, por lo inesperado o lo injusto.
La voz insomne de la pieza teatral “Fin del sueño” es amenazada por almohadas que llueven de lo alto, o brotan del suelo. El sueño se convierte en desazón. La puesta dirigida por Pedro Adorno, que se escenificó durante la pasada semana en el Teatro Victoria Espinosa en Santurce, es una angustiosa metáfora de la pérdida.
Luego que una familia pierde un hijo, joven de altas convicciones de compromiso social y humano, a manos de la policía, sus vidas se ven gobernadas por el insomnio y la pesadilla. Una madre que intenta recuperarse, un padre sumido en la negación, un hermano enajenado, una amante que busca pistas y un matador que intenta justificarse, “des-viven” en un mundo de luces filtradas por espejos y almohadas que le ahogan constantemente. Los espejos atrapan a su vez a la audiencia, en esta onírica propuesta de los grupos “Y no había luz” y “Agua, Sol y Sereno”.
La propuesta del colectivo, formula la necesidad de continuar viviendo dentro de la dificultad de hallar sanación tras una pérdida tan significativa. Los remordimientos y la búsqueda de explicaciones ante la irracionalidad humana nos atrapan en el mismo limbo a opresores y oprimidos. La estética abordada en el montaje es racional y pensada de modo meticuloso. Todo tiene explicación y justificación precisa. Luces blancas y tenues, almohadas omnipresentes, telas vaporosas, espejos indiscretos, música pertinente y sugestiva, estilos de actuación sobrios y calculados, dan pie a un trabajo de dirección lleno de sensibilidad y alto valor artístico.
El elenco está compuesto por Julio Morales, Nami Helfeld, Yari Helfeld, Yussef Soto Villarini, Pedro Iván Bonilla, Cathy Vigo, Julio Ramos e Israel Lugo, quienes además colaboraron con la dramaturgia de la pieza. La música y el diseño sonoro están a cargo de Abdiel López Torres (Polidesto) y el diseño de iluminación de Santiago (Chago) Benet.
Los grupos teatrales “Y no había luz” y “Agua, Sol y Sereno” cuentan su historia con voz propia, alejados del melodrama, el panfleto y la sensiblería. “Fin del sueño” es una puesta que se debe volver a ver, alguna vez.
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Cuidada produccion de Gacela
Por Javier del Valle
Especial para Teatro PR
Perseguir los sueños es a veces tarea dolorosa para algunos seres humanos. A pesar de mostrarse cercanos, las vivencias de sufrimiento, desilusiones y rechazos podrían truncar la voluntad para alcanzarlos.
Los días 14 y 15 de marzo, se presentó en el Teatro Francisco Arriví en Santurce, “Gacela” de Alberto Rodríguez, como preámbulo al Cuadragésimo noveno Festival de Teatro Puertorriqueño del Instituto de Cultura Puertorriqueña.
La pieza, que cuenta con un elenco estelar, incluye en su cartel a los veteranos Pepe Reymundí y Luis Daniel Rivera. El drama retrata los sueños y aspiraciones de una joven entertainer, que ansía poder mostrar su trabajo a un público digno.
Los penosos recuerdos que inundan a ‘Gacela’ (Syddia Milliana) opacan su frágil y cándida naturaleza. La ausencia de su padre, la lasciva presencia de su padrastro y el poco aprecio a su talento, atentan con desmoronarle. El autor provee herramientas a la chica en el amor de su madre, de su pretendiente y sus amigos. “Gacela” se siente amada, lo que le alimenta el espíritu.
Sería interesante añadir verdaderas rutinas de circo y comedia a las presentaciones de la chica que se viste de payasa circense. La coreografía de Eloy Ortiz le aleja de la gracia y comedia que define ese tipo de personaje.
En el elenco colaboran además Luisa Justiniano, Rafi Torres, Herman O´Neill y el joven Luis José Rodríguez, bajo la dirección del mismo autor. Además abre el espectáculo la cantante de filin y boleros Mary Pacheco, entonando un tema con letra de Alberto Rodríguez y música de Carlos Lazarte.
La producción de Alta escena es una sumamente cuidada. Tanto las luces como la escenografía, añaden cierto aire de poesía y misticismo a la propuesta. En la misma colabora José Naranjo en la dirección técnica, Emilia Barrientos en el vestuario, la coreografía de Eloy Ortiz, Brian Villarini y Marta Núñez en el maquillaje y Arelis Serafín en la regiduría de escena.
Gacela continuará viajando por diversos escenarios como parte de la gira de la Sociedad General de Teatro auspiciada por del Departamento del Trabajo y Recursos Humanos.
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Cautivadora puesta de “Quintuples”
Por Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
El arte no caduca. A más de dos décadas de su estreno, “Quíntuples”, la rica pieza teatral de Luis Rafael Sánchez, sigue causando fascinación en el espectador.
La celebración del 105 Aniversario de la Universidad de Puerto Rico(UPR) incluyó en su programación del pasado miércoles, la presentación de la viñeta de monólogos protagonizada por Idalia Pérez Garay y José Félix Gómez. El Teatro de la Universidad de Puerto Rico acogió al dúo ante una sala repleta de miembros de la comunidad universitaria, que se mostró más que entusiasta.
“Aplausos, aplausos, aplausos” pide una “aspirante a mito” que “cuando quiere redundar, redunda”. Estas y otras frases han acompañado a quienes alguna vez hayan asistido al Congreso de Asuntos de la Familia en el que intervienen los quíntuples Morrison, junto a su Papá Morrison. La riqueza del lenguaje se presenta como una explosión rítmica, cargada de imágenes coloridas. Los que la presenciaron el miércoles por vez primera, se iniciaron en el culto que genera esta representación.
La interpretación de ambos histriones es tan seductora hoy como lo fue en sus inicios. Ningún alma en la audiencia puede permanecer indiferente, ni verse tentado por distracción alguna ante la potente presencia escénica de Jofe e Idalia. El gusto que provoca ver el Teatro de la UPR colmado de una ardiente audiencia, es parte del disfrute del espectáculo.
“Quíntuples” es una de las piezas de la literatura dramática puertorriqueña, más representada en escenarios internacionales. Ha viajado a tablados de Venezuela, Argentina, Estados Unidos, Cuba, Costa Rica, España, Portugal, Colombia y México.
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Sala llena con 'Monólogos de la Vagina'
Por Javier del Valle
La Comedia Puertorriqueña, capitaneada por la veterana actriz Sandra Rivera, presentó el pasado miércoles 27 de febrero ‘Los Monólogos de la Vagina’ en el Teatro Ramón Frade de la UPR de Cayey. La sala no dio abastos para acoger al numeroso público que se dio cita a la mundialmente aclamada presentación teatral. Casi un centenar de espectadores optó por ocupar el piso, ante el lleno total de la representación.
Dependiendo solo de su voz y uno que otro gesto, Sandra Rivera, Gilda Haddock, Lourdes Collazo y Marisa Baigés captaron la atención del entusiasta auditorio, para resaltar las virtudes, gracias, atributos, particularidades y características de la más femenina esencia de la fisionomía humana.
La serie de soliloquios escritos por Eve Ensler, se convierten en una oda a la feminidad, luchando contra prejuicios, tabúes y agresiones que por siglos ha sufrido la mujer. El heterogéneo público compuesto por universitarios y residentes de las comunidades vecinas, ovacionó extensamente el trabajo dirigido por la misma productora.
La simple pero efectiva ambientación está a cargo de Gilberto Rodríguez, las luces de Giovanny Núñez y el sonido de Alejandro Croatto.
La presentación, libre de costo para el público fue auspiciada por el Departamento del Trabajo y Recursos Humanos del Estado Libre Asociado de Puerto Rico y su programa de Fomento al Empleo.
Esta función es parte de la gira nacional de la Sociedad General de Teatro, que presenta teatro libre de costo para el público.
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Estupenda acogida de comedia de Ramos Perea
Por Javier del Valle
Editor http://www.teatropr.com/
El pasado miércoles 20 de febrero, se presentó la celebrada comedia de Roberto Ramos Perea ‘Las chicas del beauty’ en el Teatro Ramón Frade de la Universidad de Puerto Rico, Recinto de Cayey.
La Compañía de Teatro del Ateneo Puertorriqueño, que participa de la Gira de la Sociedad General de Teatro, actuó ante un nutrido público que rió con entusiasmo ante la pieza dirigida por Edgar Quiles Ferrer.
La comedia satiriza el fanatismo político que por años ha dominado la cotidianidad boricua. El salón de belleza se utiliza como el punto de encuentro del discurso vulgar que caracteriza la discusión política. Apariencias, chismes, cuernos y chanchullos contribuyen a desmitificar al político entre rolos, blowers y tijeras.
El elenco encabezado por la actriz Raquel Montero, quien encarna con suma gracia a la “biutichan” Carmela, se acopla con efectividad y manteniendo el acelerado ritmo que impone el texto. Intervienen además Melissa Reyes, Nelson Alvarado, Verónica Rubio, Waleska Nieves y Olga Vega con asistencia de Luis Javier López y Giselle Cortés y la producción de Roberto Ramos-Perea para el Ateneo Puertorriqueño.
La presentación fue libre de costo para el público asistente, gracias al auspicio del Departamento del Trabajo y Recursos Humanos del Estado Libre Asociado de Puerto Rico.
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Llena de vida Espinosa
Por Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
La vocación de creadora le ha permitido dar vida y alma a la obra literaria de autores como García Lorca o René Marqués. Esas dimensiones que se materializan a partir de la palabra han invadido nuestros escenarios por más de cincuenta años.
Esta vez la directora teatral Victoria Espinosa, ha soplado vida a la obra pictórica de su hijo Luis Espinosa en una muestra de ‘arteteatro’ que se realiza en el Café teatro Araba en Santurce.
El pasado jueves, bajo la producción de TANTAI Teatro P.R., un grupo de ocho actores dirigidos por la Dra. Espinosa, interpretó textos motivados por la docena de pinturas del artista plástico. Desde la recitación tradicional hasta la comedia física, tuvieron lugar para sugerir una lectura del sugerente trabajo de Espinosa, hijo.
Manzanas solitarias, bombillas colgantes, ramas secas, puertas y ventanas abiertas, exigen un poco de humanidad y vida. Esa labor es la que con mano amorosa impone la madre y artista. Un café con manzana a mitad de la velada permite a los presentes añadir sentidos a la surrealista propuesta estética familiar.
En la puesta participan los actores Ángel M. García, Eric Gerena, Omar A. Machado, Lucía Maisonet, Rafa Sánchez, José R. Velázquez, María Cotto y Magdalena Rivera. La producción es de Lucy S. Medina y las máscaras de Eric Gerena. La asistencia de dirección estuvo a cargo de Ismanuel Rodriguez.
Espinosa x Espinosa es otra muestra de la calidad y esfuerzo de TANTAI Teatro P.R., que el pasado año nos obsequió la hermosa producción de “Elvira y Jouvet; Paris años 40” en el Teatro Francisco Arriví.
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Lección actoral en “Los martes a la una”
Por Javier del Valle
A veces creemos conocer a alguien en todas sus dimensiones. La realidad nunca se conoce, pues no siempre podemos ver todos los rostros que componen y definen a la otra persona. Quien para unos es un ser monstruoso y sin escrúpulos, otros le perciben como un benefactor entregado a los más necesitados. En otros casos, la dulzura hacia los pares, riñe con la amargura hacia los familiares.
El pasado miércoles 13 de febrero, se presentó en el Teatro Ramón Frade de la Universidad de Puerto Rico en la ciudad de Cayey, la obra “Los martes a la Una”. Un nutrido público disfrutó de la estupenda interpretación de los primeros actores René Monclova y Axel Anderson, protagonistas de la comedia.
Los experimentados actores logran acoplarse con especial empatía borrando la brecha generacional entre ambos, interpretando a los señores Halpern y Johnson respectivamente. Halpern (Monclova), un anciano judío, enviuda luego de 50 años de matrimonio. En pleno cementerio conoce a Johnson (Anderson), quien también amó a Florence por igual cantidad de tiempo. Cada uno conocía a una mujer distinta. Para uno era introvertida, llana y de apariencia simplona; para el otro se proyectaba elegante, habladora y soñadora.
La perfección interpretativa de cada relato en voz de Anderson, abona a la mágica experiencia teatral. Sabe ser íntimo. Entreteje cada matiz y cada acento con una maestría que nos haría disfrutar el espectáculo a ojo cerrado. Su talento, curtido por el tiempo y la tabla, hacen que siempre esté en su mejor momento.
Monclova le imparte gracia y energía a su la elaboración del simpático cascarrabias herido por los celos.
El director Gilberto Valenzuela crea una estupenda versión de la película “Mr. Halpern and Mr. Johnson” (1983) protagonizada por Sir Laurence Olivier y Jackie Gleason. Resalta efectivamente los elementos de la comedia dramática paseando al público entre la risa incontenible y el llanto disimulado.
Esta presentación de “Los martes a la Una” es parte de la gira nacional de la Sociedad General de Teatro, que presenta teatro libre de costo para el público. Este proyecto es posible gracias al Programa de Fomento del empleo del Departamento del Trabajo y Recursos Humanos del Estado Libre Asociado de Puerto Rico.
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Ataque frontal a guerra desde el Ateneo
Por Javier del Valle
Especial para El Vocero
Ante el estreno de “Iraq en mí”, el absurdo de la guerra, el terrorismo, el genocidio, la angustia y los valores patrios se encuentran en escena de manera cruda y directa. La tragedia sicológica del dramaturgo mayagüezano Roberto Ramos Perea, que del 25 de enero al 3 de febrero se presentó en el Ateneo Puertorriqueño, se suma a la reflexión sobre el tema bélico en la dramaturgia nacional.
Junto a “E Pluribus Unum” de Carlos Acevedo y “Derecho a morir” de José Luís Ramos Escobar, “Iraq en mí” cuestiona la legitimidad de la invasión estadounidense al sufrido país, e intenta reevaluar el concepto “terrorismo” tan difundido por la belicosa propaganda.
El texto de Ramos Perea relata la historia de dos soldados puertorriqueños que recién llegan de servir a las fuerzas invasoras estadounidenses en las calles de Iraq. El horror vivido en el frente de batalla deja terribles huellas en ambos combatientes, convirtiendo sus vidas en guiñapos humanos. Cada uno mira desde perspectivas distintas para justificar o enterrar lo que allí experimentaron. El matiz ideológico define sus posturas cuestionando la fuente del terrorismo. Ambos arrastran el infierno de la guerra y lo traen consigo como huella indeleble que les carcome y pudre para siempre.
El tono del autor es frontal, violento, antiamericano y de gran crudeza. La obra marca paralelismos entre el pueblo iraquí y la situación colonial de Puerto Rico. En momentos se torna reiterativo sin mayor necesidad, pues la exposición es más que diáfana.
El grupo de actores compuesto por Luís Javier López, Ricardo Santiago, Giselle Cortés, Noemí Negrón, Ricardo Magriñá, Eddie Fuentes y Yamila Cruz, estuvo dirigido por Edgard Quiles. El director abona al carácter violento del escrito con tonos altisonantes, música, imágenes y ambientación colmadas de agresividad, como intentando hacer sentir al público recipiente de la embestida militar.
Las luces estuvieron a cargo de Verónica Rubio, sonido de Julian Ramos Trabal, utileria de Ivelisse Pérez y Ruth Figueroa, vestuario y producción de Giselle Cortés y la regiduría de escena de Olga Vega.
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Julián Gil da nuevo aire a propuesta teatral
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
A principios de agosto del pasado año, intentábamos descubrir las motivaciones del público teatral para decidir asistir a un espectáculo teatral. Nos preguntamos si es el autor, la fama de los actores, sus deslumbrantes actuaciones, o el tema tocado por la puesta escénica los que mueven la taquilla.
En “¿Por qué los hombres aman a las cabronas?”, pieza está basada en el escrito de “autoayuda” de Sherry Argov “Why Men Love Bitches?”, se añade a las posibilidades, la popularidad del best seller. El libro intenta ofrecer una guía en la que se pretende mostrar por que los hombres se sienten atraídos por mujeres de carácter independiente, que no se dejan fastidiar.
Nuevo elementos se unen a la producción de Raymond Gerena y Rubén Lara, de Producciones Gran Escenario. Desde el pasado viernes, el Teatro Georgetti de la Calle Hipódromo en Santurce se convirtió en la nueva casa del éxito taquillero. Un nuevo protagonista se suma al elenco compuesto por Marian Pabón y Sonya Cortés. El actor y modelo Julián Gil sustituye a Francisco Gattorno en esta nueva etapa.
A pesar del débil texto del exitoso comediógrafo mexicano Mauricio Pichardo, en el que se presenta una mujer tonta que se deja utilizar de los hombres, el público goza a rabiar. En la historia, la boba “Dulce” (Sonya Cortés) es aleccionada por su amiga “Bárbara” (Marian Pabón), que se los traga vivos luego de leer el célebre libro en cuestión. “Jorge”, jevito macharán y descuidado de “Dulce” recibe su lección de cómo debe tratar con respeto a una mujer.
Julián Gil imparte una nueva dimensión al pobre trabajo interpretativo de su antecesor Gattorno. A pesar de cierta dificultad con la dicción del actor, su trabajo supera grandemente al del afamado actor cubano. El macharán individuo, está hilado con esmero y seriedad, lo que es evidenciado por la aceptación de los presentes.
El escenario del Georgetti da un aire más íntimo a la puesta dirigida por Albert Rodríguez. La cercanía con el público abona a un ambiente que no permitía la amplitud del Ambassador.
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Crítica a la porquería en Colegio de Abogados
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
Cuando nos acostumbramos y aceptamos vivir entre la basura, podredumbre, inmundicia y roña social, nuestra existencia porcina es innegable. Sólo un animal que vive y se revuelca en su excremento es capaz de justificar tal vida.
A diario escuchamos la monserga política que con diatribas y espectacular demagogia, vacían nuestro espíritu mientras prometen llenar nuestras barrigas. Somos cebados en un proceso que busca desmembrarnos para finalmente alimentar sus ambiciones.
"¡Lechón!", versión de Provi Seín y Mario Roche del monólogo "El Cerdo" de Antonio Andrés Lapeña, se presentó libre de costo para el público el pasado jueves, en la sede del Colegio de Abogados de Miramar. Una sala colmada por una receptiva audiencia disfrutó de este estupendo montaje de Producciones Aleph.
Lapeña toma su argumento de la novela "Estrategia para dos jamones" del francés Raymond Cousse. Cuatro estaciones en la vida de un cerdo encerrado en su corral, exploran el drama humano de asumir posturas ante la vida: "El tedio", "Miedo a la libertad", "Deseo y muerte" y "Resurrección".
Mario Roche personifica a "Ramón Serrano", el lechón que vive para ser engordado sin importarle su fatal desenlace. Su vida contradictoria se pasea entre la angustia y el placer; antepone la seguridad frente a la libertad; valora su calidad de vida por la calidad de su excremento. El actor se prende de sus múltiples recursos histriónicos, atrapando con maestría la mueca del conformismo y la comodidad del porcuno personaje. El público celebró con entusiasmo la interpretación del protagonista.
Seín, directora de la reflexiva tragicomedia, mueve los hilos en el marco de una oficina delimitada por cajas y elementos que acentúan un deprimente ambiente burocrático. Su versión de la pieza de carácter existencialista, se atemperó a la desprestigiada política nacional, llevando al "Lechón" a utilizar tonos y frases de conocidos políticos del patio.
La sabiduría popular abona a la tesis del montaje al recordar frases como "engordando para morir pelao’s". Años de trabajo bajo condiciones precarias, vidas regidas por la dependencia, miedo al cambio, o la apatía política son cuchitriles y pocilgas que encierran al ser humano.
En la pieza participa además Julio Ramos como "Cuco el porquero". La utilería es del mismo Ramos, el diseño de escenografía de Marcelino Puig, vestuario de Seín y Roche, regiduría de Ángel Amaro, vídeo de Pedro Ángel Rivera, iluminación de Emiliano González y sonido de Carlos Lazarte.
"¡Lechón!, Cuatro estaciones en la porquería" continuará en las universidades y otros espacios culturales. No se pierda esta crítica porcina durante este año de abundante fanguero político partidista.
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Disparates y risas en alocada comedia
Por Javier del Valle, EL VOCERO
El astracán es un género teatral que pretende suscitar la risa basándose en hechos disparatados. Desde la comedia física de Chaplin, hasta las extravagantes comedias televisivas de mediodía, con caídas, muecas, pelucas y vestuarios rimbombantes, seducen las carcajadas de quienes gozan lo burlesco.
Una década después de su estreno, el escritor y director Héctor Méndez nos presentó su nueva revisión de “Se nos trancó el bolo” en el Teatro Coribantes en Hato Rey.
Una peculiar familia se reúne para recibir con un agasajo a “Junior” uno de sus miembros que regresa del ejército norteamericano, tras un "honorable discharge", o baja honorable del ejército. El excéntrico grupo familiar, desconociendo los detalles del caso, decide ‘tirar la casa por la ventana’ para el recibimiento. Es así como comienza un desfile de personajes de marcadas características y de gran colorido.
Una abuela malhablada, una madre complaciente, un padre tomador, dos gemelas alocadas, una tía cívica y drogadicta, su marido bobolón y la vecina retrasada de hablar disparatado, dan vida a esta comedia de personajes. Tras ser botado de la milicia por ser homosexual, “Junior” (Richard Rondón) busca ser comprendido y aceptado por los suyos. Esta acción de sincerarse ante la familia, abre una caja de Pandora, pues todos revelan sus más íntimos secretos, mostrándose tal como són.
La pieza de Méndez muestra una marcada influencia del teatro de Carlos Ferrari, concatenando palabras y frases durante toda la acción. También adoptó el estilo de dirección del fundador de Nuestro Teatro.
El texto tiene muchas lagunas y descuidos que atender, provocados por tratar de acomodar algún chiste sin trascendencia. ¿Qué sentido tiene que el dueño de la casa pregunte dónde está el baño, sin estar borracho o aturdido? ¿Alguien dio un comando a los actores para que se vistieran del modo más chocante e irracional aunque riñeran los estilos?
El elenco de “Se nos trancó el bolo” contó además con Noris Joffre, José Brocco, Alex Soto, Sara Pastor, Raúl Sánchez, Héctor Méndez, Naymed Calzada, Iván Vega, y Karla M. Marcano. La escenografía es de Norberto Barreto y el maquillaje de Roberto Díaz. La producción es de Cesar Paredes.
Hay público para todo tipo de espectáculo, y el del pasado sábado disfrutó, rió y la pasó bien, principalmente con la abuela “Monse”, interpretada por Raúl Sánchez. Disfrutar la velada es lo que más importa.
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Retrato del inmigrante en Global-ika
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
Son muchas las razones que llevan al ser humano a abandonar su lugar para moverse a otras colindancias. Una mejor situación económica, un cambio de vida o una mejor educación suelen ser las más comunes.
El pasado viernes estrenó en la Sala Carlos Marichal del Centro de Bellas Artes Luís A. Ferré, la pieza Global-ika, de Waldo Torres, bajo la dirección de Luis Oliva.
La escenografía supone un enorme tablero de un juego de mesa, que cuatro personajes recorren al azar de un dado. Los anhelos, egoísmos, explotación, sueños y temores de la migración, tienen su réplica en la lúdica representaciónLos viajes en yola, la construcción de muros fronterizos, la sospecha enfermiza de los que se ven diferente, la explotación a los países más débiles, el chauvinismo y la catalogación de pueblos por primer o tercer mundo, están plasmados en el crítico tablero.
Los actores Viviana Torres, Moncho Conde, Raffy Mejía y Yadilyz Barbosa retratan con atino el espíritu de nacionales e inmigrantes. Componen estupendamente la caricatura de la denuncia, o el rostro de la solidaridad.
La ficha artística y técnica la completan la coreografía de Raffy Mejía, escenografía de Waldo Torres, luces de Luis Oliva, musicalización y utilería de Viviana Torres, vestuario de Freddie Mercado y tema musical de Rucco Gandía.
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Efectivo ataque del “escuadrón”
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
Reírnos de nosotros mismos y de nuestra cotidianidad, es la clave esencial del monólogo cómico. Vernos retratados en escena, en ocasiones sirve como un divertido ejercicio de auto evaluación, alejado de las cantaletas y las censuras.
Una vez más, “El Escuadrón de la risa” tomó la Sala René Marqués del Centro de Bellas Artes Luis A. Ferré en Santurce, para escenificar su versión criolla de “El club de la comedia”, que con tanto éxito presentaran hace par de años en el mismo teatro.
Confieso que a pesar de haber visto el trabajo en su primera puesta, el pasado viernes el material funcionó con la efectividad de la primera vez. René Monclova, Áxel Cintrón, Marian Pabón, Jorge Castro, Suzette Bacó y Cristina Soler le impartieron frescura a esta reposición de la comedia.
Una carretera, por la que cada uno de los actores transita, atraviesa el escenario evocando el tapón y la violenta marcha diaria por nuestras vías. Como si se tratara de sus vidas, la audiencia reacciona con empatía, entre comentarios que denotaban que se sentían identificados.
El argumento se recrea sobre todo en las relaciones de pareja. Los temas incluyen lo que sucede cuando un hombre acompaña a su esposa en un tedioso día de compras, cómo enfrentar inteligentemente las preguntas de la pareja sin caer en una trampa, cómo evitar ser víctima de los cuernos, el IVU, la moda y la conquista amorosa, entre muchos temas.
No se trata exactamente de un espectáculo de “stand up comedy”, ya que la pieza contiene monólogos estructurados formalmente, que no dependen de la interacción del público o de la improvisación. La dirección de Albert Rodríguez logró un notable balance entre los talentosos intérpretes, permitiendo un ritmo cómico constante de principio a fin. El montaje no depende de grandes elementos de producción, dependiendo sólo del talento interpretativo del colectivo.
El diseño de luces está a cargo de Héctor Negrón y la regiduría de escena de Gary Homs.“El escuadrón de la risa” es una producción de Raymond Gerena, y Rafa Varela que continúa el próximo fin de semana en Bellas Artes de Santurce.
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El Hombre elefante en Teatro Diplo
Por Javier del Valle,
Para Teatro PR
El drama que viven las personas con limitaciones físicas, deformidades anatómicas o apariencias que se salen de “la regla” es una realidad deshumanizante. Hoy día el mundo del entretenimiento se lucra con peleas de enanos, comedias de gordos y noticiarios “de impacto” que reportan gente con tres piernas o dos cabezas.
El conocido drama de Bernard Pomerance “El Hombre Elefante” es la nueva oferta del Teatro Diplo que ubica en la ciudad universitaria de Rio Piedras y que presenciamos la pasada semana.
El interés de miembros de la comunidad científica en estudiar el caso de ‘Joseph Merick’(Moncho Conde), quien con su padecimiento vivía una vida de sufrimiento, pretende devolverle un poco de dignidad a su existencia. . “Merick” llegó a ser exhibido como una frívola atracción de circo. Más allá de mostrar sus capacidades intelectuales, el llamado “Hombre Elefante” ansiaba revelar su lado más humano; el afectivo.
“¡Soy un ser humano!” es el reclamo que con dolor hace el personaje central de la versión del drama traducido con efectividad por Waldo Torres y dirigido por Luis Oliva. Este grito de humanidad es el llamado que trasciende a nuestros días, en que los medios masivos se valen de las debilidades humanas para presentarnos los viciados “reality shows”.
Nuestros nuevos “hombres elefantes” se han transformado en modelos pechugonas con cuestionables capacidades intelectuales, objeto de portadas y altisonantes titulares. No se quedan atrás artistas y políticos que por sus escandalosas circunstancias vivenciales, se exponen al escarnio público, alentado por la cosa mediática.
La modesta puesta escénica cuenta además con las actuaciones de Eric Gerena, David Esperón, Evangelina Jiménez y Edgardo Rosario, quienes abordan varios personajes. Debemos resaltar la labor de la joven Jiménez, que supo tratar con gracia y aplomo cada una de sus tres interpretaciones.
La ficha técnica la completan Moncho Conde y Luis Oliva con el diseño y confección de la escenografía, elaboración de la máscara por el mismo Conde y las luces de Iván Rodríguez.
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¡Los griegos toman San Juan!
Por Javier del Valle, EL VOCERO
Luego del éxito de sus montajes anteriores, Medea Amurallada en el Morro y Sueño de una noche en Ballajá, Ágora Teatro prepara su nuevo espectáculo, El Laberinto de Zeus: 7 tragedias griegas del más allá, con el cual la compañía continúa con su misión de presentar teatro clásico en espacios históricos a precios populares.
Esta vez, Zeus, Cupido, el Minotauro y Narciso y Eco son algunos de los personajes que se darán cita en este laberinto de amor y pasión, que se llevará a cabo al aire libre en el histórico marco del Museo de San Juan del Viejo San Juan (Antigua Plaza del Mercado de la Calle Norzagaray). Las funciones serán del 21-24 de febrero y del 28 de febrero al 2 de marzo, los días viernes y sábado a las 8 pm, y los jueves y domingos a las 7pm.
El laberinto de Zeus es una pieza original de Isabel Ramos y demás miembros de la Compañía, que al estilo de las tragedias griegas, combina las antiguas historias de los héroes y los mitos, con lenguaje contemporáneo, humor y pasión. La pieza contará con música original en vivo de Javier Villar y la participación especial de la soprano María Leticia Hernández como parte del elenco. La obra cuenta con los vestuarios de la reconocida diseñadora puertorriqueña Lisa Cappalli, quien ha aceptado el reto de incursionar en el diseño teatral.
El Laberinto de Zeus cuenta con un elenco de talentosos artistas que interpretan múltiples personajes mitológicos, entre los que se encuentran Norman Santiago, Julio Ramos, Guissepe Vázquez , Orlando Rodríguez, Viviana Torres y Jessica Gaspar. El texto y la dirección son de Isabel Ramos, quien también produce el evento. La veterana maestra y bailarina Nana Hudo figura como asesora artística del montaje.
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Pequeña teatralidad en Yerbabruja
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
Nuestros juegos de niñez están colmados de teatralidad. Entre muñecas, casitas, carritos y "figuras de acción", los niños elaboran historias matizadas de dramatismo y sueños.
El pasado jueves y viernes, un grupo de once artistas elaboró un espectáculo de títeres y objetos en miniatura con el nombre "Sobre la mesa" en el Teatro Estudio Yerbabruja en Río Piedras.
El pequeño espacio transformó su escenario y sus gradas en un laberinto de once apartados, dispuestos para públicos de seis personas que peregrinaban entre estaciones. Cada pieza de cuatro minutos de duración, utilizaba como escenario teatrinos del tamaño de pequeñas maquetas o la superficie de alguna mesita. Once titiriteros dan vida a objetos variados que sugerían figuras humanas, animales o seres vivos. Los materiales incluían desde fósforos, cucharones, figuras de alambre, galletas de soda hasta figuras en origami.
Al principio, la idea de presenciar once trabajos íntimos en salitas separadas solo por finas telas, parecía desconcertante, pero el ojo y el oído se aclimatan con facilidad. Los discursos, tratamientos y propuestas resultaron sumamente variados. Algunos se limitaron a dar muestras de manipulación de objetos con resultados refrescantes. Otros intentaron temas densos, pero de alto contenido estético. Los que decidieron convertirse en personajes, más allá que titiriteros, lograron puestas amenas y de mayor contenido dramático.
Los temas oscilaban entre la soledad, el ambiente, la familia, la opresión, el desarrollo y las relaciones humanas.
El hecho de la limitación de público y espacio es un mal necesario, pues sería difícil que cada actor represente su trabajo en más de once ocasiones por sesión. También la intimidad es medular para el disfrute. El colectivo debe considerar abrir presentaciones adicionales de "Sobre la mesa" a la menor provocación, ya sea en su espacio de Yerbabruja como en otras plazas.
Los artistas involucrados en "Sobre la mesa" lo fueron Ada Haiman, Francisco Iglesias, Carlos Torres, Mary Anne Hopgood, Nami Helfeld, Julio Morales , Sugeily Rodríguez, Yussef Villarini, Yari Helfeld, Jorge Díaz y la maestra Deborah Hunt.
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Ambiente familiar en teatro callejero
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
El teatro en calles y plazas permite llevar mensajes a lugares insospechados. La concurrida Plaza de Armas del Viejo San Juan, tiene la posibilidad de impactar a residentes y turistas del interior y exterior del País. Por eso los temas que allí se representen, además de entretener, deben intentar educar.
El pasado domingo 30, en medio del bullicio dominguero del centro de la Ciudad Colonial, se presentó la “Historia del primer árbol de Navidad en Puerto Rico”. Esta estampa teatral de La Compañía Músico-teatral Cimarrón, dirigida por la veterana actriz y dramaturga Brunilda García, aprovechó el ambiente familiar que define las tardes de domingo del centro turístico.
Personajes de la historia y la ficción se unieron en un viaje a través del tiempo para recrear los signos que más identifican a la Navidad boricua. Ramfis González (Agustín Stahl), Carmen Morales (Rosario), Yussef Soto Villarini (San Francisco de Asís), Luis Enrique Romero, Ariel Cuevas y Jorge Arce(los Tres Reyes Magos), se encargaron de dar vida a los personajes de este acto interactivo.
Por aquello de abonar al toque colonial, la representación abrió con la introducción del “Segundo Capitán don Ramón Carvajal y Cid”, reconocido militar del ejército español de finales del siglo XVIII, interpretado el actor Willie Maldonado. Luego, el primer relato detalla como el reconocido médico y botánico aguadillano Agustín Stahl, introduce en 1866 a Puerto Rico, la costumbre de adornar el árbol navideño, tradición que trae desde Alemania, tierra natal de su padre. San Francisco explicó como se ingenio representar el primer pesebre en 1223, mientras los Tres Santos Reyes relataron su epifanía.
Mientras los niños pusieron adornos al arbolito de Stahl, otros interpretaron a pastores, bueyes y burros, añadiendo gracia y energía a la presentación. Todo terminó en una gran parranda al son de clarinete, tambor y bombo. Nos preguntamos como hubiera sonado con el toque boricua del cuatro y el güiro y maracas.
Este valioso esfuerzo cultural de Cimarrón fue auspiciado por el Departamento de Cultura del Municipio de Sa n Juan.
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“Homenaje a la muerte y a la mentira”
Por Javier del Valle
Especial para El Vocero
¿A qué nos enfrentamos realmente cuando hablamos de la muerte y la mentira? Con la primera experimentamos miedo, soledad, frustración, zozobra o consuelo; con la segunda sentimos decepción, sospecha, inseguridad o rabia. Cuando las representamos en el escenario toman matiz de expiación y complicidad.
La diversidad de formas y discursos en las artes se hace patente en las muestras colectivas que nos permiten ver lo que provoca a nuestros creadores contemporáneos.
A lo largo de la pasada semana, se llevó a cabo el “Homenaje a la muerte y a la mentira” en el activo Café Teatro Araba de Santurce y la Casa Aboy. Este encuentro interdisciplinario reunió artistas experimentales del teatro, la danza, el vídeo, la plástica y el performance, quienes tantearon con más o menos profundidad y destreza, sobre los temas la muerte y la mentira.
De la extensa jornada, pudimos presenciar algunos de los trabajos teatrales, tratando de descifrar algún patrón, tendencia o novedad, dentro de la búsqueda estética o de contenido entre las propuestas. Vimos de todo. Desde artistas que buscan un nuevo lenguaje sin aderezos ni pretensiones, hasta refritos con discursos y tratamientos anquilosados.
En “El interior de las almohadas” el autor Rojo Coquí Robles, reinterpreta el cuento de Horacio Quiroga “El almohadón de plumas”. Robles demuestra un amplio dominio del lenguaje y la imagen, pero cae con facilidad en lo recargado. Sobresale la actuación de Lixandra Merced.
Otra de las propuestas que merece mención especial es el fragmento de “¡Oh, natura!” de la dramaturga Sylvia Bofill. La autora pudo exponer con éxito parte de un trabajo en proceso que juega con ironías y contradicciones de la naturaleza humana. El público acogió con euforia lo que, si pinta como madura, será un excelente texto teatral.
Una de las propuestas que resultó mas completa, entre las que pudimos presenciar, lo fue “Lo tenemos en el sistema” por el grupo Jóvenes del ‘98. De manera simple y creativa los actores retratan la cotidianidad regida por los intereses comerciales.
Vale resaltar que el publico abarroto Araba cada noche, lo que constituye un logro para estas fechas festivas. Este encuentro permitió la interacción entre artistas de varias generaciones.
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Ilusión y valores entre “Bella y Bestia”
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
La temporada teatral de cada año no finaliza hasta la subida a escena de la puesta de Producciones Santa Bernardita. Este grupo une los talentos de profesionales y aficionados del canto y la actuación para presentar ambiciosas propuestas de tipo musical.
El pasado fin de semana estrenó en el Centro de Bellas Artes Luis A. Ferré de Santurce, “Beauty and the Beast” en su versión en español del musical de Broadway.
Cerca de 50 actores, cantantes y bailarines mezclaron su talento para deleitar a cientos de niños, que colmaron la sala del teatro durante las funciones del pasado fin de semana. El espectáculo resultó un acierto para el gusto de los pequeños, que aplaudieron y rieron con la sinceridad que les caracteriza.
La historia narra la relación de una humilde joven con una criatura monstruosa, que vive confinada a los ojos del mundo, luego de haber sido víctima de un vil hechizo. El encantado ser es un príncipe que necesita conocer el verdadero amor, para junto a sus sirvientes recuperar su forma humana. Finalmente, el amor de la joven le redime, aprendiendo la lección de no regir su vida por las apariencias.
El pasado sábado, el elenco encabezado por Luis Irrizarry (La Bestia) e Indira Manreiro (Bella), tuvo que luchar con la imposibilidad del sonidista de manejar un espectáculo tan complejo. Canciones y parlamentos enteros, medulares para la comprensión de la trama, fueron opacados por este error técnico. Otro inconveniente de tipo mayor, fue la colocación de la habitación de La Bestia donde ocurre la escena más esperada del melodrama. El área no era visible para varias decenas de espectadores, que pagaron y esperaban con ilusión el momento culminante.
Hay que destacar el talento de los actores Edgardo Monserrat como “Gastón”, David Ocasio como “Lefou” y de la simpática niñita Julliana Hernández como “Chip”.
La dirección escénica es de Idamaly Jiménez, la escenografía de José Llompart, la iluminación de Toni Fernández la coreografía de Ana Rosario y la dirección musical Jan Louis Rivera. La música es interpretada en vivo por la Orquesta Filarmónica de Puerto Rico. La producción general está a cargo del Monseñor Wilfredo Peña.
El musical “Disney’s Beauty and the Beast” es una buena oportunidad para compartir las vacaciones con nuestros niños y alimentarles un poco la ilusión y los valores. La pieza continuará con sus presentaciones el próximo fin de semana en la sala René Marqués del CBA de Santurce. Para más información sobre boletos y funciones puede comunicarse con los teléfonos (787) 620-4444 (Bellas Artes) ó (787) 762-2010.
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Crítica y comedia en “Miss Borinquen Bella”
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
La persistencia ha sido fundamental para que el Taller de Teatro Viviendo el Arte, del Residencial Luis Lloréns Torres en Santurce reciba el respeto y apoyo de su comunidad.
El pasado fin de semana, compitiendo con las múltiples celebraciones navideñas, los jóvenes de este activo grupo teatral pusieron en escena “Miss Borinquen Bella” en el Teatro Osvaldo Lassalle de Lloréns. La pieza de la autoría de Antonio Morales, fue dirigida por Melanie López y Julio Y. Pérez, que a su vez son producto del grupo.
El argumento de la comedia se centra en los gastados certámenes de belleza que se nutren de los sueños de chicas de tipo diverso. La convergencia de chicas de barrios, urbanizaciones y caseríos que mezclan sus preferencias, experiencias y visión de mundo logran una comedia deliciosa al alcance de todo público. Las intrigas causadas por el chico enamorado, capaz de convertirse en “candidata” por estar cerca de su amada, pasa de lo absurdo a lo hilarante. Las candidatas recicladas, que tanto han dado de qué hablar en días recientes, también tienen su lugar.
Melanie López, además de co-dirigir, representa con gracia a “Natalie” la frívola Miss Guaynabo con actitudes de superioridad. Su dominio escénico le coloca en un alto nivel de posibilidades. Resalta además la labor de los actores y actrices en los personajes principales: Leysha Quiñónez, Jailene Pacheco, Michelle Aruña, Julio Vizcarrondo, Axnel Acosta, Jonathan Martínez, Karina, Carlos Calderón y Shellys Vélez.
El uso de elementos audiovisuales complementó con atino a la calidad técnica del montaje. Sería maravilloso que los productores, cansados de romperse la cabeza buscando actores y actrices para sus proyectos, miren hacia estos experimentados jóvenes. La cantera de talento es insospechada.
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“Teatro breve” en Navidad
Por Javier del Valle, EL VOCERO
Tenían que quemar los últimos cartuchos del año en grande. Por eso los chicos del “Teatro Breve” se olvidaron de la brevedad para presentar su último espectáculo de la temporada.
El pasado domingo, el grupo de actores sumó a su elenco al popular comediante Sunshine Logroño, como parte de su oferta navideña. La sala del Taller Cé en Río Piedra no dio abastos para los cientos de espectadores que se acercaron para presenciar la función de dos horas de duración.
Como cada función, las escenas y monólogos cómicos tratan argumentos distintos. El tema navideño era el ineludible. Reyes Magos, pesebres, pastores y ángeles fueron presentados con la típica irreverencia del colectivo, alentados por la mordacidad de Logroño. Este interpretó a un San José pugilateado con la situación marital, además de convertirse en “El Fantasma de la Navidad”.
Cada miembro del elenco participó del “Stand up obligado”, en el que tuvieron que narrar su experiencia con la festividad religiosa. Alegrías, frustraciones sorpresas y anécdotas, mantuvieron al público atento y sonriente durante toda la velada. El tono fuerte e irreverente sigue rigiendo el show, lo que no lo hace apto para personas con pudores religiosos.
Una agradable adición al programa lo fue el vídeo “Cultura cafre” en el que Juan Pablo Díaz y Roy Sánchez, condenan el despilfarro de fondos públicos en adornos navideños y en el consumo de energía eléctrica. Además de una denuncia certera, resultó una muestra de ingenio de parte de los actores.
El elenco está compuesto por Lucienne Hernández, Roy Sánchez- Vahamonde, Luís Gonzaga, Mikephillippe Oliveros y Juan Pablo Díaz. Cada semana desarrollan nuevo material que presentan los domingos en Taller Cé y algunos jueves en Punto Fijo en Santurce.
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Y los títeres divirtieron
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
El pasado fin de semana tuvo lugar el Séptimo Festival de Teatro de Títeres del Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP). Cientos de niños acudieron junto a sus padres y parientes a los teatros Victoria Espinosa y Francisco Arriví donde encontraron diversión y valiosas lecciones.
La jornada sabatina incluyó en cartel las piezas “El gato perezoso” y “El múcaro enojado”.
La primera fue realizada por Títeres de Borikén en el Victoria Espinosa, dirigida por Francisco Torres, a quien se le dedicó el festival. Una introducción por parte de Torres como “el titiritero”, mostró a los niños sus títeres y guiñoles, mientras le insuflaba vida ante los inocentes ojos de los pequeñines.
Por el teatrino en forma de castillo, desfiló toda una fauna de personajes que hizo cantar y saltar a los espectadores. La pieza “El gato perezoso” del autor cubano Fidel Galván, fue el plato fuerte. Un gato que no sabía de ratones, y que su estadía como mascota se veía amenazada, era engañado por un roedor. El ratón le toma el pelo pero luego recibe su lección.
Es una pena que el trabajo de esta compañía con 40 años de experiencia no presentara una puesta a la altura de su experiencia. El manejo de los títeres fue inseguro. Los niños aprecian un trabajo bien realizado.
Entrada la noche, Títeres Cibuco presentó “El múcaro enojado” en el Arriví. Esta versión de Germán Colón del cuento tradicional “el plumaje del múcaro” resultó en una atractiva producción. Contó con la narración del Payaso Juglar y los bailes de la Compañía Personajes de Sonia Malavé.
El conocido cuento del múcaro que recibe las plumas de sus amigos para que asista elegante a una fiesta sufre algunas variantes que resultan positivas. La participación de Juglar habría resultado más efectiva si el texto no fuera grabado.
Sólo nos resta esperar por el próximo evento para niños, que esperamos sea el Festival de Teatro Infantil del ICP, que a tantos rincones del país llevó alegría alguna vez
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Carlos Ambert se ríe de todos
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
El arte del “stand up” es tal vez el mayor reto para un actor. Más allá de aprenderse un texto, al momento de enfrentar a la audiencia todo vuelve a comenzar.
Al parecer los comediantes se han lanzado a la calle en los días finales del año para disparar sus últimas municiones. Tal es el caso de Carlos Ambert que durante los pasados fines de semana presentó su nuevo material en Café Teatro Araba en Santurce.
En su monólogo cómico “Smartass”, el joven talento se ríe de todos y de sí mismo. Abre el espectáculo retratando la desgracia del actor de teatro, que no sabe que hacer con tanto tiempo de ocio. Además parodia lo incomprensible de algunas letras de la música tradicional navideña. Una buena parte toca la cosa política nacional así como un análisis sobre el pesimismo contenido en la llamada “Ley de Murphy”.
Otro de los elementos poco comunes en los temas de Ambert es la integración de detalles relacionado con las comunidades virtuales del “Facebook” o “My Space”. El histrión sabe sacar partido a las nuevas construcciones sociales, para hablarle a un público impactado por la tecnología y el ciberespacio. Una amplia gama de nuevos conceptos, vocabularios y comportamientos se encuentran con la ácida mordacidad del comediante.
El material cómico fue bien acogido entre el público que se dio cita en Araba el pasado sábado. El artista proyecta un estilo pausado y frío que contrasta con la comicidad del material. Debe velar un poco por el ritmo, sin que esto intervenga con el talante que le caracteriza.
Carlos Ambert seguirá presentando su espectáculo en diversos escenarios alrededor de la Isla. Para información sobre funciones puede acceder a su página en Internet: www.carlosambert.com.
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Reflexión histórica en “Las manos”
EL VOCERO
Por: Javier del Valle (10/12/2007)
Una seria reflexión sobre nuestra historia contemporánea no nos vendría mal. Si utilizamos como punto de partida las vivencias de juventud de nuestros octogenarios, se nos aclararía un poco el panorama que vivimos.
La pasada semana, a manera de intercambio pedagógico, la Escuela Superior de Arte Dramático de Murcia compartió su trabajo escénico con la comunidad universitaria de Río Piedras. El grupo compuesto por estudiantes y educadores de la prestigiosa institución, presentó “Las manos”, de los autores José Ramón Fernández, Yolanda Pallín y Javier G. Yagüe.
La pieza que es parte de la “Trilogía de la juventud”, estrenó con gran éxito en Madrid en 1999 recibiendo múltiples premios de la critica especializada. Su argumento nos lleva a una España dividida por la Guerra Civil. La vida de miseria, hambre, desesperanza, y su misión es vista un grupo de jóvenes con más resignación que sueños en sus manos. Los autores se acercan con sensibilidad a cada experiencia sin caer en juicios que resulten divisorios.
El sencillo montaje resulta extensísimo y muy español. Una comprensión mínima de la España del Siglo Veinte, es menester para su disfrute. La entrega y el talento de la decena de jóvenes estudiantes que conforma el elenco, hace llevadera la jornada.
Este tipo de intercambio internacional enriquece sin duda a la escena puertorriqueña dando herramientas de creación a nuestros futuros creadores.
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Teatro Breve, teatro de culto
Por: Javier del Valle
Especial para ESCENARIO (23 de nov. 2007)
Son jóvenes e irreverentes. Sus presentaciones han provocado un fenómeno que podríamos catalogar como teatro de culto. Semana tras semana fanáticos y curiosos le persiguen hasta el recinto que más se acomode a su personalidad.
Un grupo se aventura a estacionarse en las estudiantiles y obreras calles riopedrenses una noche de domingo, mientras espera cerveza en mano que comience la semi-improvisada presentación teatral. El otro, cada jueves acomoda sus automóviles en estacionamientos soterrados con vigilancia y acceso controlado del "distrito cultural"santurcino. Ambos reciben su dosis de humor mordaz y frescura creativa.
Teatro Breve, que por casi año y medio presenta su propuesta escénica semanal, divide su cartel entre el Taller Cé de Rio Piedras, y el Café Teatro Punto Fijo del Centro de Bellas Artes Luis A. Ferré en Santurce.
Hace par de jueves, intentamos buscar diferencias y similitudes entre las presentaciones que habíamos disfrutado en la versión dominguera frente a la nueva oferta de jueves pre-social. El original acoge a un grupo muy afín a la comunidad universitaria de gallitos y jerezanas, mientras que el nuevo espacio alberga un público más heterogéneo, que mezcla a estudiantes y jóvenes profesionales en el jangueo semanal. A pesar de este contraste, el contenido encuentra puntos comunes, y sabe hablarle al ser común, alejándose de pretensiones, poses o estereotipos.
Las historias gastadas de falta de talleres para los artistas del teatro no les quita el sueño al grupo de cinco. Cada semana crean parte del material a ser presentado, y llegado el momento, improvisan el restante en escena. El grupo se nutre de la creatividad y el talento de Mike Phillippe Oliveros, Roy Sánchez Vahamonde, Lucienne Hernández, Luis Gonzaga y Juan Pablo Díaz. Ese jueves, la veterana actriz Magaly Carrasquillo fungió de actriz invitada, mientra la pasada lo hizo Cristina Soler. Todo trata de una "liviana" velada teatral. Presentan historias, sketches, ideas, monólogos o diálogos llenos de cotidianidad.
La primera brevedad presenta un sketch de dos policías, que luego de un día poco productivo, están ansiosos por darle un boleto a alguien. Solo tomó treinta segundos exponer y resolver el conflicto con efectividad. Le sigue un grupo de rutinas que presentan casos que aquejan a jóvenes, estudiantes, parejas o al país. Parodian la estupidez mediática que valida los conflictos entre Topy, Noelia, Yolandita, etcétera; se debaten entre luchas maniqueas ante los prejuicios; critican la explotación del ambiente y la realidad política que vivimos; denuncian la apropiación federal de nuestros yacimientos arqueológicos; se ríen de todo.
Los asiduos tienen la oportunidad de seguirle los pasos a dos series teatrales: "Los roomates" -una especie de "Friends" criollo - y "Yo que te quiero tanto" que presenta la vida de un joven matrimonio y sus amigos.
La última parte del espectáculo se nutre del insumo que aporta la concurrencia. Con los temas sugeridos se improvisan escenas que incluye una hilarante presentación en el peculiar lenguaje de señas de Sanchez-Vahamonde. Otra parte recurrente del show cómico es la historia de alguna pareja de la audiencia que se reinterpreta por el grupo con resultados más que disparatados y divertidos. Solo extrañamos el "stand-up comedy" de cierre que en otras ocasiones vemos en Taller Cé.
Teatro Breve es una experiencia a la que los amantes del teatro y la comedia deben darle al menos una oportunidad. Esta temporada continúa todos los jueves en Bellas Artes y los domingos en la Calle Robles de Río Piedras desde las 9:00 pm hasta el 2 de diciembre, cuando tomarán un descansito navideño.
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Un drama de lograda tensión
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO (21 de nov 2007)
Los estragos de la guerra sobre Europa y el mundo afectaron la visión de las artes y la literatura. Nuevos temas, nuevas formas y nuevas perspectivas abordaron escenarios y galerías. El pincel retrata lo esperpéntico mientras las bambalinas proyectan la brutalidad, la desvalorización y el sinsentido de la existencia humana.
En la sexta semana de jornada del Vigésimo tercer Festival de Teatro Internacional del Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP), Teatro de la Comedia estrenó el pasado viernes, "Delito en la Isla de las Cabras" del italiano Ugo Betti. El Teatro Francisco Arriví en Santurce acoge hasta el próximo fin de semana, esta pieza dirigida por Rafael Acevedo.
La inusual historia se establece en un ambiente desértico e inhóspito de algún lugar de la Europa de hace medio siglo. Madre, hija y cuñada viven aisladas de la comunidad sus ventajas y placeres. Tras la viudez de Ágata (Guanina Robles), la evidente ausencia masculina afecta la cotidianeidad de las tres mujeres. Junto a "Silvia" (Yashira Perez) y "Pía" (Aidza Santiago) vive en la nada, en un notable estado de necesidad de testosterona. Un pozo casi seco domina el medio de la escena, como clara alusión a la sequía sexual que aborrecen. La llegada de "Angel" (Willie Denton), un extraño cuyas historias convencen a las féminas con el menor esfuerzo, convierte al trío en un mar de rivalidades. El poder de la manipulación y el maltrato es validado por el hambre sexual. A pesar del intento, no hay mayores reivindicaciones.
Acevedo se encarga de acentuar la inanidad en la vida de estas mujeres con acciones pausadas y dilatadas, mientras mantiene la tensión en primer plano. Una música incidental interpretada por Daniel Almagro y Raddy Pagán añade matices oscuros al denso drama. El director mantiene con destreza el tono desahuciado del absurdo.
Willie Denton se impone llevando al público al punto del desespero al igual que la construcción de tono ambiguo y misterioso de la joven Yashira Pérez. El elenco contó además con la actuación de Heriberto Sánchez como el viejo "Eduardo". La escenografía está a cargo de Félix Vega, la iluminación de Toni Fernández y la utilería de Heriberto Sánchez.
"Delito en la Isla de las Cabras" continúa en el Teatro Francisco Arriví con funciones el viernes 23 y sábado 24 a las 8:30 p.m., mientras el domingo 25 será a las 4:00 p.m.
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“Un número” de admirables ejecuciones actorales
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO (6 de diciembre de 2007)
Lo que no sirve se repara, se cambia o se tira a la basura. Reparar o remplazar un objeto dañado puede ser una acción algo simple, aunque en ocasiones podría resultar costoso. No podemos referirnos en los mismos términos cuando se trata de la vida humana. No todo es sustituible.
“Un número” de la escritora británica Caryl Churchill, toca con embeleso el tema de la clonación humana. El drama dirigido por Miguel Diffoot se presentó el pasado fin de semana en el Teatro Victoria Espinosa en Santurce, cuando se aproxima la conclusión del Festival de Teatro Internacional del Instituto de Cultura Puertorriqueña.
La pieza escrita en el año 2002 intenta una reflexión sobre el tema de la clonación humana. Un joven se entera de que existen réplicas genéticamente idénticas a él, lo le lleva a cuestionar a su padre sobre su conocimiento y participación en el asunto. Más allá de lo anecdótico, el escrito se adentra en un cuestionamiento sobre la identidad. Churchill no se regodea en las virtudes o peligros de la ingeniería genética.
¿Nos convertirá la sociedad futura en “un número” más, o ya lo somos? ¿Tenemos control sobre nuestra humanidad heredada, o el medio ambiente nos controla y condiciona? Miles de cuestionamientos surgen cuando se enfrentan la determinación genética y el efecto del entorno sociológico y psicológico.
El argumento se centra en la historia de “Salter” (Carlos Miranda), un padre que decide intentar una réplica de “Bernard” (Carlos Rivera Marchand), su hijo perdido. Se pone sobre la mesa el debate filosófico sobre la paternidad y sus opciones. ¿Es posible un borrón y cuenta nueva al tratar de forjar la personalidad de una copia humana? La autora al parecer pretende una nueva dimensión de un existencialismo “ultra posmoderno”.
Un gran acierto de este montaje es la dirección pausada y consiente de Diffoot, quien se estrena con éxito como director. Resalta con gran destreza la humanidad de unos personajes sumidos en la oscuridad psicológica. Largas pausas, reflexiones y silencios que regularmente atentarían contra la teatralidad, encuentran justificación en manos del novel director.
Ambos actores consiguen admirables ejecuciones de sus personajes. Miranda enfrenta al padre de modo metódico y taimado ante cada palabra y cada acción. Lució una interpretación madura y muy llena de verdad. El joven Carlos Rivera aborda tres personajes con marcada diferenciación. Muestra sus dotes con extraordinaria destreza, logrando un justo mano a mano con su veterano compañero de escena.
Para este montaje de Anilom, Inc. colaboran además: Mariel Acevedo con la iluminación, Lourdes López con el vestuario, Miguel Diffoot con la musicalización y Omar Torres como escenógrafo y productor general.
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Remozada secuela de "El bello y la bestia"
Por: Javier del Valle
Especial para EL VOCERO
La máxima del espectáculo que reza que segundas partes nunca son buenas vuelve a fallar. El binomio Raymond-Luis Raúl impactó nuevamente a sus fanaticadas con más de dos horas de risa y diversión.Una nueva versión de "El bello y la bestia", espectáculo que hace algunos meses gozara del favor del público, se presentó a casa llena el pasado fin de semana en el Centro de Bellas Artes Ángel O. Berríos en Caguas.
Al entrar a la sala, una cámara indiscreta persigue al público intentando calentar la audiencia antes del espectáculo. El recurso permite que los comediantes sean recibidos por una audiencia eufórica que al parecer ya conocen la dinámica del show de variedades cómicas.
Arrieta abre "El bello y la bestia: De aquí hasta las crijmaj", con "Andresito", el avispado personaje de niño travieso y sumamente curioso. Renglón seguido, "El Bebé"‚ de Luis Raúl intenta explicar los misterios de la vida con una peculiar escena del nacimiento. A partir de este momento se retoma el formato impuesto en su versión anterior.
La noticia de actualidad vuelve a ser uno de los platos principales de la velada. A manera de comentaristas noticiosos, integran la elaboración de parodias musicales y de comerciales, imitaciones e improvisación junto al público. Desfilan por el escenario Mark y J Lo, Pedro Queselló, Monchy y Alexandra, Tito Trinidad y hasta Andrea Bocelli, entre otros. Los problemas con la leche y la agricultura, el vídeo pornográfico de la cantante Noelia y la realidad política del país, son solo algunos de los temas de los que echan mano con mordacidad ambos comediantes. "Tito Párpados"‚ y "El Primo"‚ supieron aderezar con chispa la primera parte del show.
Durante la segunda mitad del evento cada histrión prueba sus dotes como monologuista cómico. Individualmente enfrentan a los presentes con temas relacionados a las celebraciones de Halloween, Acción de Gracias y Navidad. Desde críticas a la comercialización, hasta anécdotas de niñez, logran que la audiencia ría a mandíbula suelta con cada rutina de "stand-up comedy".
Una vez más, Luis Raúl prueba su capacidad de improvisar a sangre fría, mientras se ríe de sí mismo. Por su parte, Raymond se proyecta más cándido, lo que abona a un estilo más comedido, pero igual de efectivo. Arrieta posee una voz privilegiada. Más allá de su capacidad para imitar, iguala el talento de los cantantes consagrados que representa.
El montaje está apoyado por una banda de ocho músicos y coristas, dirigidos por Luis Adorno. La escenografía, que parodia el mal gusto de los adornos de temporada, es responsabilidad de Javier Echevarría.
Tanto los que disfrutaron de la versión inicial, como los novatos la pasarán de maravilla con esta producción de Rafo Muñiz para ProLat Entertainment.
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Talento entre "flores y estrellas"
Por: Javier del Valle
ESPECIAL PARA EL VOCERO
(Publicado 1 de nov 2007)
El valor de la amistad y la entrega por los demás son temas recurrentes en la literatura y el cine. Nos invitan a y a dar valor a los hechos y la existencia de quienes nos rodean.
El incalculable valor del Festival de Teatro de Caguas se evidencia una vez más con la puesta en escena de "De flores y estrellas...", de Lauryliz González. El pasado fin de semana, el Teatro Arcelay permitió a cientos de espectadores, el privilegio de disfrutar de este trabajo realizado con el corazón.
Una reinterpretación de "El Principito", la conocida obra literaria de Antoine de Saint Exupéry, jugó con la fantasía y la realidad. A partir de una experiencia de pérdida personal, la autora enfrenta a un paciente de cáncer en su lecho de muerte, con un espíritu libre y lleno de vida.
Un vídeo, dirigido por Ariel Annexy Labault, proyecta de fondo a Enrique‚ (Edwin Dávila), que convalece en una fría y solitaria cama de hospital. Laura‚ (Lauryliz González) es una enfermera novata que se entrega en su vocación de servicio al cuidado del joven moribundo. Esta realidad se alterna con la fantasía que transcurre en el escenario. Un actor con alma de clown cuida y atesora su flor tal como lo hace el personaje de "El Principito". Crea su propio y reducido mundo, controlando el acceso. En este mundo imaginario, él es el cuidador.
Christian Nieves dirige el trabajo con gran imaginación y sensibilidad. Combina el cine, el teatro, el títere y la luz con efectividad. Cada momento, cada imagen y cada acorde se notan pensados. Todo lo que ocurre en escena tiene un significado, calculado desde una alta sensibilidad estética. Nada se desperdicia entre el texto de González y la realización de Nieves.